Bibliothèque de la Roseraie-Villevaudé

« Vallauris terres et flammes »

Quand Picasso était potier et céramiste à Vallauris

Plat espagnol décoré d’un œil et de taureaux (Cannes-Vallauris, 20 mai 1957). Terre rouge avec décor aux engobes et incisions. Dation Pablo Picasso 1979. Photo  S.Moroy, Musée national Picasso, Paris 3^e 

Vu récemment « Vallauris terres et flammes », le documentaire de Robert Mariaud réalisé en 1951 sur le travail et les œuvres de Pablo Picasso (1881-1973) quand il s’était installé à Vallauris.

Photo S. Moroy  prise à l'écran 

Vallauris, dans les Alpes-Maritimes, centre rayonnant de la poterie, dont les fumées laborieuses sont le symbole de sa tradition ouvrière et artisanale, garde intact son art si ancien.

Photo S. Moroy  prise à l'écran

Un art immuable, dont les gestes se sont perpétués à travers les âges pour nous parvenir, semblables à ce qu’ils étaient dans les temps les plus reculés. Les collines et bois alentour abondent en argile riche en teneur et son extraction, pénible, laisse de profonds terriers. Entre le séchage sur terrasse et la cuisson, les pièces passent dans les mains de l’engobeuse. Elles sont ornées aux oxydes colorants et baignées dans un vernis transparent qu’est l’émail. Les procédés et dosages du céramiste sont nombreux. Disposées dans un grand four, les pièces cuisent à la flamme libre... [prélude du film].

Ainsi, à travers l’évocation du travail des potiers de Vallauris, nous découvrirons celui de Pablo Picasso. Il a emménagé dans le village en 1948 (il y restera jusqu’en 1955) pour y créer pas moins de 4000 œuvres uniques, apportant sa prospérité et sa renommée au village provençal.

Picasso près du poêle sur lequel est posé la sculpture « Tête (pour la femme en robe longue) » dans son atelier du Fournas, à Vallauris. Septembre 1952. Photo de Robert Doisneau / Succession Picasso 2021 – Photo  S.Moroy: Musée national Picasso, Paris 3e.

Car l’artiste espagnol a maîtrisé rapidement les techniques ancestrales des potiers vallauriens pour créer de nombreuses pièces aux formes et thématiques variées, y ajoutant sa propre expression, si particulière et reconnaissable entre toutes. 

Son travail, dont les réalisations sont exposées dans le film en pleine nature, innove par sa nouvelle interprétation des formes, des motifs et des coloris ; faisant redécouvrir le folklore et les arts primitifs. On voit l’artiste travailler dans son atelier et présenter à la caméra, entre autres créations, les pichets provençaux, les cruchons en forme de hiboux, les assiettes en forme de visage noir, la chèvre, etc.

Texte  S. Moroy

Rodin ou le désir brûlant de créer

Vu en 9,5 mm, format cinéma aujourd’hui disparu, le documentaire sur Rodin réalisé par René Lucot en 1942 et édité par PATHÉ en 1946 sous le numéro de catalogue 4651.

Résumé

En 1840, au 3 rue de l’Arbalète, entre le Panthéon et l’église Saint-Médard, naquit celui qui deviendra le plus grand sculpteur des temps modernes : Auguste Rodin.

Jeune homme, il étudie au Musée du Louvre, la statuaire des Egyptiens et des Grecs et s’exerce à modeler. Rodin a aussi la passion du dessin et fait des croquis même pendant ses repas. Admiratifs, ses camarades le poussent à se présenter à l’école des Beaux-arts. Trois fois de suite, il y est refusé. Sans se décourager, il continue à sculpter et, en 1864, il envoie au salon un véritable chef-d’œuvre : le buste de Bibi, palefrenier du marché aux chevaux. La figure est refusée. Placé comme apprenti chez un ornemaniste, Rodin admire Carpeaux dont le groupe de la Danse, à l’Opéra, constitue le chef-d’œuvre (visible au Musée d’Orsay, Paris 7^e). 

Sa sœur unique, qui est entrée au couvent, y meurt. Très pieux également, Rodin décide d’entrer dans un cloître. La Congrégation des Pères du Saint-Sacrement l’accueille sous le nom de frère Augustin. Mais Rodin a des mains qui ne sont pas faites pour la prière : elles brûlent du désir de créer. Un bienheureux père lui demande de faire son buste et le persuade de quitter le couvent. En 1874, le buste de Bibi, sous le nom de Monsieur B… est finalement accepté au salon. 

Trois ans plus tard, il entreprend sa première grande œuvre : L’âge d’Airain. La surprise que cause au salon la merveilleuse statue est telle que l’artiste est accusé de l’avoir moulé… sur un corps vivant ! La critique qui répand cette calomnie, fait connaître enfin le nom de Rodin. L’Etat achète l’œuvre et lui commande une porte monumentale, destinée au futur Musée des arts décoratifs. La Divine Comédie de Dante, que Rodin relit si souvent, lui inspire l’œuvre de sa vie : La Porte de l’Enfer. Les 200 figures que comporte cette porte constituent un monde dans lequel Rodin ne cessera de puiser. Il en détache Le Penseur (son œuvre la plus célèbre), Le Baiser, Ève, etc. 

La ville de Calais charge Rodin de glorifier ses six bourgeois s’offrant au vainqueur pour sauver leur ville natale. Chacun des personnages traduit par le geste, le mouvement, l’expression des mains, le sacrifice qu’il fait de son existence.

La Société des gens de lettres commande à Rodin la statue de Balzac. Cette œuvre heurte tous les préjugés, mais la Société des gens de lettres eut beau refuser la statue, elle finit par s’imposer, pour la plus grande gloire des deux maîtres. Un tel génie semblait défier la mort ; pourtant, ces mains créatrices de grands chefs-d’œuvre cessèrent de vivre le 17 novembre 1917. Selon son souhait, Rodin fut enterré dans sa propriété de Meudon, sous le bronze du « Penseur ».

Commentaire

La vie et l’œuvre de Rodin (1840-1917), de sa naissance dans le 5e arrondissement de Paris à son apogée, sont ici minutieusement relatés. Merveilleuse photographie noir et blanc soulignant le moindre des détails et la beauté des sculptures du maître. Présentation du chef-d’œuvre de sa vie : la Porte de l'Enfer, de laquelle il a extrait la plupart de ses créations : le Penseur, le Baiser, l'Homme qui marche, Saint Jean Baptiste. La genèse de son Balzac, ses bustes, ses dessins…

Les inventions formelles de ce génie ont marqué son époque, préfigurant l’art moderne. Son processus créatif va en effet mettre en avant des caractéristiques saisissantes qui ont fortement imprégné ses recherches, comme l’expérimentation, le travail en série, la perpétuelle mutation des formes.

Texte et photos prises à l’écran : S. Moroy

Au pays des mages noirs, le film de Jean Rouch

Au pays des mages noirs, le film de Jean Rouch

Vu récemment le premier court métrage de Jean Rouch, souvent cité comme référence du film documentaire ethnographique : « Au pays des mages noirs » (1947).

Pour sa réalisation, ce film avait reçu le soutien du Ministère de la culture et du Centre national de la cinématographie (C.N.C.).

D’emblée, un préambule avertit le spectateur : « Le chasseur d’images qui, au centre de l’Afrique noire, a réussi à filmer la vie publique et secrète d’un village du Niger, a dû, en raison de leur caractère sacré, prendre les plus extrêmes précautions pour enregistrer les scènes saisissantes de la danse de la possession.

Le public excusera donc les imperfections qui peuvent entacher certaines images que nous n’avons cependant pas cru devoir retirer en raison de l’intérêt qui s’attache à cet extraordinaire document. »

Résumé

Nous sommes dans cette partie de l’Afrique noire qui longe le Niger, entre Gao et Niamey. Les Songhai vivent sur les bords du fleuve Niger, à la lisière de la forêt. C'est un peuple vivant de la culture, de la chasse et de la pêche. Tandis que les enfants pilent le mil, les hommes fabriquent les harpons en vue de la grande chasse à l'hippopotame car la recherche de viande est l'objectif de la saison sèche. 

Tous les harpons sont ensuite réunis sur la place du village pour leur consécration au génie du fleuve, via un sacrifice de mouton. Cette cérémonie est le prélude rituel à la chasse.

Le jour fixé par les Augures, les pirogues partent à la recherche de l'animal. Vu par un guetteur, l'assaut sur ce dernier est donné. Toutes les pirogues s'élancent pour placer les harponneurs à bonne portée. A plusieurs reprises, les chasseurs lancent leurs harpons.

Une fois la bête abattue, les pirogues s'approchent du cadavre pour le remorquer. Arrivés sur la berge, en présence de tout le village, le dépeçage de l'animal et le fumage de la viande peuvent commencer, rythmés par les chants de la population.

Sur la place du village, c'est maintenant l'heure des danses sacrées. La danse des génies (ou danse de la possession) réunit les femmes et les hommes au son des calebasses.

Le rythme s'accélère, l'emprise des génies est progressive, jusqu'à l'extase. Une femme entre en transe, possédée par Zicco, le génie du fleuve. L'hystérie devient collective et se traduit par des convulsions, l'émission de bave et des sauts désordonnés dans tous les sens.

Le lendemain, le village a retrouvé son calme et la vie quotidienne a repris. L'Afrique ajoute une année à ses millénaires. Rien n'a changé. L'Afrique éternelle ou plutôt l'Afrique sans âge.

Commentaire

Jean Rouch (1917-2004) a été formé par le cinéaste Jacques Becker (Goupi Mains Rouges, Casque d’or, Ali Baba et les 40 voleurs, Touchez pas au grisbi…) à la technique cinématographique alors qu’il effectuait un voyage au Sahara.

Au sujet de ce premier court-métrage, il déclarera : « Je n’avais aucune notion des raccords. Je tournais par morceaux, ce qui m’intéressait, sans souci du montage à venir ». Les scènes de transes sont assez saisissantes, telles celles de l'homme qui se brûle le torse avec une torche, l'homme ne cessant de faire des sauts en arrière ou encore celui qui bave abondamment.

Un documentaire dur mais fascinant qui fait encore aujourd’hui référence dans le genre, même si le commentaire adopte un ton délibérément colonialiste car récupéré par les Actualités françaises d’après-guerre.

Le film est visible sur YouTube :

https://www.youtube.com/watch?v=C1WeSAeuNhM

 

Camilla Läckberg

"La Princesse des glaces" signe l’entrée spectaculaire sur la scène du polar international d’Erica Falck, trentenaire au foyer installée dans une petite ville paisible de la côte ouest suédoise où elle écrit des biographies. Elle découvre le cadavre aux poignets tailladés d’une amie d’enfance dans une baignoire d’eau gelée.  

Ce premier opus a reçu le grand prix de Littérature policière 2008 et le prix Polar international 2008.

"Le prédicateur"  nous amène dans les rochers proches du petit port de Fjällbacka où l'on découvre le cadavre d’une femme. L’affaire se complique quand apparaissent, enfouis plus profondément au même endroit, les squelettes de deux jeunes filles disparues vingt-quatre ans plus tôt. L’inspecteur Patrik Hedström est chargé de l’enquête en cette période estivale où l’incident pourrait faire fuir les touristes et qui, canicule oblige, rend difficiles les dernières semaines de grossesse de sa compagne Erica Falck.

"Le tailleur de pierre" nous tient en haleine du début jusqu'à la fin. Un pêcheur de Fjällbacka retrouve dans son casier à homards le corps d’une petite fille noyée. Bientôt, on constate que Sara, sept ans, a de l’eau douce savonneuse dans les poumons. Quelqu’un l’a donc tuée avant de la jeter à la mer. Alors qu’Erica vient de mettre leur bébé au monde, Patrik Hedström, bouleversé par son nouveau rôle de père, mène tant bien que mal l’enquête sur cette horrible affaire.

ADAPTATION TELEVISEE

En ce début d'année 2025, une série qui trouve son origine dans les succès littéraires scandinaves signés Camilla Läckberg,  est à suivre sur TF1:

ERICA, une enquêtrice d'un genre particulier, avec Julie de Bona et Grégory Fitoussi... 

Les ouvrages de Camilla Läckberg sont disponibles à la bibliothèque 

Quand Louis Braille mit une clarté dans la nuit

A l’occasion de la journée mondiale du Braille qui s’est déroulée le 4 janvier 2025, et ce depuis 2001, j’ai eu l’occasion de voir un documentaire 16 mm « Clarté dans la nuit », réalisé par Pierre Zimmer en 1955. C’était un film de la cinémathèque centrale de l’enseignement public, principal distributeur de films documentaires de 1920 à 1996 dans les établissements scolaires, de la maternelle jusqu’à l’université et qui portait sur l’invention de Louis Braille, né à Coupvray le 4 janvier 1809 et mort à Paris le 6 janvier 1852.

Résumé

Un homme aveugle et deux enfants se recueillent devant la tombe de Louis Braille (son corps sera transféré au Panthéon en 1952. Seule la relique de ses mains est conservée au cimetière de Coupvray, dans une urne scellée sur sa tombe). Son souvenir est dès lors évoqué au travers de la survivance de son œuvre, en particulier l’application de sa méthode universelle, qui touche aussi bien aux divers domaines de l’enseignement classique qu’à la pratique de la culture artistique, notamment la musique.

Commentaire

La première école pour les enfants aveugles est fondée à Paris en 1784 par Valentin Haüy (1745-1822). Surnommé le « premier instituteur des aveugles », il est alors influencé, entre autres, par la philosophie des Lumières (notamment Diderot et sa « Lettre sur les aveugles à l'usage de ceux qui voient ») et par l'abbé de l'Épée (1712-1789), éducateur et inventeur de l'alphabet digital pour les personnes sourdes.

Les aveugles quant à eux devaient arriver à reconnaître par le relief chaque lettre de l’alphabet et peu y parvenait. Alors, lui-même aveugle, Louis Braille a inventé à l’âge de 15 ans une méthode, simple et valable, pour la lecture, l’écriture, le calcul, la musique… aussitôt employée par tous les aveugles du monde. 240 méthodes ont tenté depuis de la remplacer. Chaque fois, il a fallu revenir à la méthode de Louis Braille car parfaite du premier coup.

A la fin du film, on découvre une école pour jeunes aveugles, ainsi que leur insertion dans la vie active : standardiste, ouvrier, masseur, agriculteur, accordeur d’instruments, musicien, dactylo… Le jour est venu où, grâce à leur courage et à leur ténacité, ils peuvent prendre enfin place dans la société.

Serge Moroy

L’association Valentin Haüy est marquée par trois grands personnages : Valentin Haüy, Louis Braille et Maurice de La Sizeranne. Chacun de ces hommes est intervenu à sa façon afin d’aider les personnes aveugles ou malvoyantes à acquérir plus d’autonomie.

L'équipage: un roman, un film, un chef d'oeuvre

Vu récemment en 16 mm, « L’équipage», film d’Anatole Litvak, 1935. Drame d’après le roman éponyme de Joseph Kessel publié en 1923.

Pendant la Première Guerre mondiale, avant de rejoindre son escadrille sur le front, Herbillon (Jean-Pierre Aumont) a une liaison avec une femme mariée (Annabella).

 

Le jeune aviateur découvre que sa maîtresse n’est autre que l’épouse de Maury (Charles Vanel) avec lequel il fait justement équipage dans l’avion.

 

Le film nous fait découvrir l’univers méconnu des pilotes de guerre de la Première Guerre mondiale, avec ses règles, codes de conduite, mais surtout la solide amitié unissant ces hommes embarqués dans le même avion. Amitié d’autant plus renforcée que leur missions, souvent périlleuses, rendent leur espérance de vie parfois très courte. Dans ce contexte, le dilemme amoureux est d’autant plus complexe qu’il en devient poignant et même douloureux.

 

Le drame est servi par une interprétation magistrale et les scènes de combat aérien sont suffisamment réalistes pour être captivantes.

 

Lui-même enrôlé dans l’aviation française pendant la Première Guerre mondiale, Joseph Kessel (1898-1979) remporte avec « L’équipage » son premier grand succès et fait entrer l’aviation dans la littérature. C’est la deuxième fois que son roman est porté à l’écran, le premier film étant signé par Maurice Letourneur en 1928.

Le film connaîtra un grand succès à sa sortie. A tel point que A. Litvak en fera un remake qui sortira en 1937 (The Woman I Love).

Selon l’anecdote, Jean Mermoz est ressorti en larmes de la projection (c’était peut-être le plus beau compliment qu’on pouvait faire au film). Rappelons que Mermoz est porté disparu un an plus tard, le 7 décembre 1936 en survolant l’océan Atlantique.

Texte et photos (prises à l’écran) : S. Moroy

Le Père Noël est-il vraiment une ordure ?

Figure débonnaire, ventre généreux, barbe fournie, cheveux blancs, sourcils en bataille et tout de rouge vêtu, voici le Père Noël ou encore Santa Clause dans les pays anglophones. Depuis une cinquantaine d’années, il affiche, plus ou moins, la même allure sur tous les continents. Mais… peut-on vraiment lui faire confiance ?  

A priori, il suffit d’endosser une longue cape écarlate, boucler un gros ceinturon, chausser des bottes noires et porter une hotte en osier pour prétendre apporter des jouets aux enfants… qui ont, cela va de soi, tous été bien sages.

Mais lui, le modèle, le mythe, la légende, l’icône l’a-t-il réellement été… sage ? Car certains oublient un peu vite que l’habit ne fait pas toujours le Père Noël. Ainsi, par exemple, le cas du psychopathe de « 3615 Code Père Noël », de René Manzor (1990) où un faux Père Noël animant un grand magasin est renvoyé parce que trop violent et qui, du coup, va chercher à se venger en éliminant le fils de son ex-patronne.

Dans le même registre de l’aigreur, le boulevard Haussmann, à Paris, a rageusement été arpenté par Félix, notre Père Noël le plus négativement célèbre de France, mais néanmoins magistralement interprété par Gérard Jugnot dans « Le Père Noël est une ordure ». Initialement une pièce de théâtre puis un film de Jean-Marie Poiré 1982 avec l’inénarrable équipe du Splendid, succès oblige.

L’histoire relate un réveillon épouvantable dans une atmosphère aussi déjantée que drôle. Plus de quarante ans après sa sortie, son succès est toujours fidèle au rendez-vous sur notre petit écran, comme s’il faisait rituellement partie de nos fêtes de fin d’année. Un film à faire mentir l’humoriste Pierre Desproges (1939-1988) qui déclarait : « On peut rire de tout, mais pas avec n’importe qui. Ou avec tout le monde. En fait, on ne sait pas trop ». Avait-t-il seulement songé au Père Noël ? Là est la vraie question.

Frappadingue et pépère pervers

Si notre douce France connaît quelques avanies avec ces singuliers énergumènes - dont le dernier des soucis est bien de distribuer des cadeaux aux petits et aux grands – de l’autre côté de l’Atlantique, les usurpateurs se veulent plus doux ; en tout cas un tantinet plus enclins à la repentance. Quoique.

C’est le cas du Grinch (film de Ron Howard, 2000) avec l’époustouflant Jim Carrey qui, par vengeance, entend voler la fête de Noël aux habitants de Whoville (ville fictive) car ces derniers ont eu le malheur de le rejeter lorsqu’il était enfant. Il reste, avec le précédent film français évoqué, l’un de mes préférés sur la thématique de Noël.

Dans « Maman, j’ai raté l’avion », comédie résolument jubilatoire de Chris Colombus (1990), le jeune Macaulay Culki (âgé de 10 ans), oublié par sa famille, se joue avec malice et ingéniosité de deux cambrioleurs – dont le génial Joe Pesci – qui visitent la nuit les maisons inoccupées pendant les fêtes de fin d’année. La repentance, cette fois, viendra, ô surprise, d’un personnage secondaire a priori très sombre. Rappel important : ne jamais se fier aux apparences.

A propos d’apparences, dans « Bad Santana » (ou « Très méchant Père Noël »), film noir et irrévérencieux signé Terry Zwigoff (2003), Billy Bob Thornton incarne un Père Noël de grand magasin. Alcoolique et grand fumeur, c’est aussi un dragueur invétéré et il a beaucoup de mal à tenir son rôle devant les enfants venus l’admirer. La nuit de Noël, il entreprend de percer le coffre-fort du magasin qui l’emploie. En fait, ce long métrage n’est pas franchement destiné aux enfants car il comporte environ 300 injures (un record en soi) et son titre a été traduit par « Santa is a pervert » pour sa sortie en République tchèque. C’est tout dire.

La magie de Noël est sauve 

Heureusement, Jack Skellington, héros du chef-d’oeuvre d’animation de Tim Burton, « L’étrange Noël de Monsieur Jack » (1993), désire quant à lui endosser le mythique habit du Père Noël, tellement fatigué qu’il est de passer son temps à effrayer les braves gens pendant Halloween. Avec cette reconversion affirmée, il retrouvera le véritable esprit de Noël, empreint de fraternité et de partage et, in fine, la joie indicible de vivre. Alléluia !  

Enfin, l’un des rares films où l’on a enfin affaire au « vrai » Père Noël est bien « Super Noël » (1994). Avec sa suite, « Hyper Noël », tournée huit ans plus tard, ce sont deux longs métrages produits par les studios Walt Disney dans lesquels le héros, incarné par Tim Allen, tue accidentellement le vénérable bonhomme. Il se voit du coup obligé de le remplacer in extremis. Victime de son rôle, il deviendra finalement le « vrai » Santa Clause. Et, dans le second épisode de ses aventures, pour le rester, il devra trouver… une femme ! Bigre, pas une mince affaire quand on connaît le personnage. Conçu pour les petits, cette fiction touchera également les grands par son romantisme sous-jacent. Au final, il n’en demeure pas moins un conte de Noël dans le plus bel et noble esprit qui soit

Il existe encore beaucoup d’autres films sur le thème de Noël, me direz-vous. Oui, vous avez mille fois raisons. Alors à vous de nous les raconter, selon le ton et le style qu’il vous plaira.

Joyeux Noël à tous !

Serge Moroy

 

A son image, Jérôme Ferrari

"A SON IMAGE": le nouveau film de Thierry de Peretti, adapté du roman éponyme de Jérôme Ferrari sort en salle mercredi 4 septembre 2024, après sa présentation à Cannes dans la section de la quinzaine des cinéastes, puis dans plusieurs festivals, Biarritz, Cabourg... et sa tournée en Corse pendant l'été. 

Photo: On voit sur l'affiche la jeune actrice Clara-Maria Laredo, qui interprète Antonia, son appareil photo à la main.

Pour celles et ceux qui souhaitent voir ce film dans un cinéma proche de Villevaudé: RV au cinéma JACQUES TATI à Tremblay-en-France du 4 au 10 septembre

"A son image" de Jérôme Ferrari est disponible à la bibliothèque.. A lire où à relire  «Le Sermon sur la chute de Rome» prix Goncourt 2012.

A SON IMAGE

JEROME FERRARI

BABEL

Par une soirée d’août, Antonia, une jeune photographe, trouve la mort sur une route de Calvi. L’office funèbre de la défunte sera célébré par un prêtre qui n’est autre que son oncle et parrain, lequel, pour faire rempart à son infinie tristesse, s’est promis de s’en tenir strictement aux règles édictées par la liturgie.

Mais, dans la fournaise de la petite église, les images déferlent de toutes les mémoires, reconstituant la trajectoire de l’adolescente, de la jeune fille qui, au milieu des années 1980, s’est jetée dans les bras d’un trop séduisant militant nationaliste avant de se résoudre à travailler pour un quotidien local. Et d’enfin se décider à partir, en 1991, pour l’ex-Yougoslavie, attirée comme tant d’autres avant elle dans le champ magnétique de la guerre.

De l’échec de l’individu à l’examen douloureux des apories de toute représentation, Jérôme Ferrari explore, avec ce roman bouleversant d’humanité, les liens ambigus qu’entretiennent l’image, la photographie, le réel et la mort.

Né à Paris en 1968, Jérôme Ferrari enseigne la philosophie en Corse. Il a obtenu le prix Goncourt en 2012 pour «Le Sermon sur la chute de Rome». «À son image» a reçu le prix Le Monde 2018 et le prix Méditerranée la même année.

Son nouveau roman de la rentrée littéraire, «Nord Sentinelle» a été publié en août 2024.

Ripley, Patricia Highsmith

RIPLEY

PATRICIA HIGHSMITH

CALMANN LEVY

Ripley voulait tout, l'argent, le succès, la belle vie. Il était prêt à tuer pour obtenir tout ça…

Second roman de Patricia Highsmith, Monsieur Ripley est l'acte de naissance d'un des plus extraordinaires personnages de roman policier de tous les temps : Tom Ripley, immoraliste aussi séduisant que dangereux, cynique et d'une intelligence hors du commun. Chargé par un richissime Américain de lui ramener son fils parti en Italie, il va bientôt concevoir un projet diabolique : se substituer au fils prodigue, et vivre à sa place une vie dorée…

Patricia Highsmith est née au Texas en 1921. Son premier roman, L’Inconnu du Nord-Express, est devenu un classique de la littérature policière qui inspira Hitchcock. Suivirent nombre de chefs-d’œuvre qui firent des romans de Patricia Highsmith les œuvres littéraires les plus adaptées au grand écran. Elle a vécu longtemps en France et en Suisse, où elle s’est éteinte en 1995. L’ensemble de son œuvre est publié aux éditions Calmann-Lévy.

Ce livre « superbement amoral » (The Times), Grand Prix de littérature policière en 1957, a été porté à l'écran à deux reprises.

En 1959, par René Clément, avec Alain Delon dans le premier rôle, sous le titre "Plein soleil" et en 2000, par le réalisateur anglais Anthony Minghella, avec une pléiade de jeunes acteurs américains, parmi lesquels Matt Damon, Gwyneth Paltrow et Jude Law, sous le titre Le Talentueux Mr. Ripley.

 

 

Variations énigmatiques, Eric-Emmanuel Schmitt

VARIATIONS ENIGMATIQUES

ERIC-EMMANUEL SCHMITT

ALBIN MICHEL

Qui aime-t-on quand on aime ? Sait-on jamais qui est l'être aimé ? L'amour partagé n'est-il qu'un heureux malentendu ?
Autour de ces éternels mystères du sentiment amoureux, deux hommes s'affrontent : Abel Znorko, Prix Nobel de littérature qui vit loin des hommes sur une île perdue de la mer de Norvège où il ressasse sa passion pour une femme avec laquelle il a échangé une longue correspondance, et Erik Larsen, journaliste qui a pris prétexte d'une interview pour rencontrer l'écrivain. Mais pour quel motif inavoué ? Quel est son lien secret avec cette femme dont Znorko se dit encore amoureux ? Et pourquoi un tel misanthrope a-t-il accepté de le recevoir ?
L'entrevue se transforme vite en un jeu de la vérité cruel et sinueux, rythmé par une cascade de révélations que chacun assène à l'autre au fil d'un suspense savamment distillé.

Éric-Emmanuel Schmitt renoue dans ses Variations énigmatiques avec l'étincelante et cruelle dialectique qui a porté au triomphe son précédent ouvrage, Le Visiteur, joué dans le monde entier et déjà considéré comme un classique.

AU THEATRE

Avec une interprétation exceptionnelle des deux uniques personnages par Alain Delon et Stéphane Freiss (c'est Francis Huster qui répondait à Delon dans la première version théâtrale).  

Avec Francis Huster, 1ère représentation le mardi 24 septembre 1996 au théâtre Marigny dans une mise en scène de Bernard Murat. Reprise au théâtre de Paris en 1998 avec Stéphane Freiss.

"Toute la pièce se déroule dans le salon d’Abel Znorko, un brillant écrivain qui a eu le prix Nobel de littérature.

Il vit une vie d'ermite et son lien avec le monde extérieur c'est la correspondance qu'il entretien depuis 15 ans avec une femme. Un jour, un journaliste vient le voir sous le prétexte de l'interviewer.

Erik Larsen est un type étrange qui cache des secrets."

 

Hommage: (Alain Delon, 1935- 18 août 2024)

PLUS GRAND QUE LA VIE

Alain Delon est parti, à l’issue d’une vie pleine, exceptionnelle, dont la fin fut éprouvante et triste. Désormais, il est jeune à jamais, tel qu’en Plein soleil ou Rocco et ses frères. Généralement, la beauté est un handicap au cinéma, elle ne raconte qu’une seule histoire : la sienne pouvait porter des personnages étranges, complexes, ambigus, fêlés, lourds de secrets. Il m’a fait le bonheur et l’honneur de remonter sur scène, après trente ans de cinéma, en 1996 pour jouer Variations Énigmatiques avec Francis Huster, puis Stéphane Freiss en 1998. Jamais je n’ai vu une telle présence sur les planches, une aura hors du commun qui créait une sorte d’inquiétude. J’avais l’impression qu’un félin incompréhensible et mystérieux, une panthère noire pénétrait dans la salle. Le public finissait chaque soir avec une immense ovation debout. Je sentais que cela lui faisait l’effet d’une victoire, lui, l’homme de cinéma, l’acteur qui n’était passé par aucun conservatoire. Autodidacte, il l’était en tout : en jeu, en affaires, en art – il collectionnait avec goût. Je crois même qu’il était autodidacte en Alain Delon : il avait endossé le rôle, il y avait consacré son énergie, il avait fait le don de son existence à cette figure qui l’agrandissait. Qu’il repose dans une paix nouvelle, qui ne fut pas celle de sa vie. Qu’il repose dans notre admiration et nos remerciements.

Eric-Emmanuel Schmitt

95 ans après, MICKEY sourit toujours

« L’impérialisme américain n’est rien qu’un tigre de papier » proclamait Mao-Tsé-Toung. Il se trompait car l’impérialisme américain a plutôt l’apparence d’une petite souris nommée… Mickey.
Mickey est le plus populaire des personnages conçu par Walt Disney (1901-1966) et, bien que né en 1927, il a su rester étonnamment jeune. En effet, pas de meilleur agent de la culture et de l’idéologie américaines que cette bestiole-là, citoyen vertueux et paisible, ambassadeur infatigable de « l’American Way of Life ».
Ne m’appelez plus Mortimer !
En fait, son premier nom était Mortimer. Pas très fun. Selon la légende, propagée jovialement par Walt Disney lui-même, c’est son épouse Lilian, qui aurait trouvé le nom de Mickey à son nouveau personnage, estimant celui de Mortimer trop sérieux. On peut cependant penser que la pression issue d’éventuels distributeurs n’était pas tout à fait étrangère à ce soudain changement de nom. Quoi qu’il en soit, Mickey était né.
Surtout aidé par Ub Iwerks (1901-1971), talentueux dessinateur de son studio californien, Walt Disney travaille aussitôt sur le premier film d’animation qui présentera Mickey Mouse au public. Et, contrairement à ce que l’on croit, celui-ci n’est pas « Steamboat Willie » mais « Plane Crazy ». Dans ce cartoon, les yeux de Mickey sont ovales, avec de grosses pupilles noires. Il ne portait ni gants ni chaussures et ses pieds étaient noirs. Son short n’était alors qu’une ébauche de celui qu’il porte actuellement : un pantalon serré avec deux gros boutons sur le devant.
Mais la vraie révolution viendra bel et bien avec « Steamboat Willie », projeté le 18 novembre 1928 au Colony Theatre de New York. Bien qu’en noir et blanc, il disposait nec plus ultra d’une bande sonore synchronisée. Et le scénario était déjà une référence en la matière : Mickey sauve Minnie des griffes du Capitaine Jambe de bois, dont le dessin préfigure celui de Pat Hibulaire.
Fort d’un tel succès, les dessins animés contant ses nombreuses aventures vont s’enchaîner. Petit à petit, Mickey s’assagit, devient plus amical, adoptant finalement l’attitude bienveillante qu’on lui connaît aujourd’hui.
La souris se propagera rapidement dans 25 pays en parlant 17 langues différentes. Il y aura en tout 121 cartoons de Mickey et le premier en couleurs sortira en 1935, « The Band Concert » (L’orchestre de Mickey).
Enfin dans le domaine public
Selon la législation américaine, les droits d’auteur sur Mickey Mouse ont pris fin le 1er janvier 2024, tombant ainsi dans le domaine public. Sa première version peut donc être reproduite sans risquer de subir un recours du service juridique de la puissante compagnie Disney, comme c’était le cas jusqu’alors. Une aubaine pour les artistes et créateurs qui pourront copier, adapter ou même détourner l’icône disneyenne, ainsi que les journalistes qui illustreront sans crainte leurs articles avec son effigie.

95 ans après, MICKEY sourit toujours
Serge MOROY

 

La malediction, Richard Donner

LA MALÉDICTION, un film maudit ?

L’occasion m’a été donnée de revoir LA MALÉDICTION, un film d’horreur de Richard Donner sorti en 1976. Je l’avais vu peu après sa sortie, dans la foulée de ces films devenus cultes qui déferlaient alors dans les années 1970 et dont le héros n’était autre que le Diable.

Malgré le temps, ce film  n’a pas pris une ride et son atmosphère demeure toujours oppressante. Le gamin maléfique n’est pas plus terrifiant que certains autres, il serait même attachant (et c’est peut-être bien là le pire). En revanche, toutes les créatures (personnages et animaux) qui gravitent autour de lui pour assurer sa protection, sont effrayantes. Mais là où Richard Donner fait fort, c’est que si on pensait être enfin rassuré à la vue d’un homme d’église… il n’en est rien.

Rappelons succinctement l’histoire. A Rome, Robert et Katherine Thorn (Grégory Peck et Lee Remick) attendent leur premier enfant, qui malheureusement meurt à sa naissance. Robert Thorn accepte alors la suggestion d'un prêtre : substituer à l’enfant décédé, et à l’insu de Katherine, un autre bébé dont la mère est décédée en le mettant au monde. Robert Thorn est ensuite nommé à Londres comme ambassadeur des États-Unis. L’enfant, Damien, semble détenir dès 5 ans un pouvoir maléfique. Alors que l’on célèbre son anniversaire dans le jardin, sa nurse se suicide en se pendant au balcon de sa chambre.

Les tragédies vont dès lors se succéder autour de la famille Thorn.

Satan fait un malheur

LA MALÉDICTION a connu un énorme succès aux Etats-Unis. Il obtint même trois nominations aux Oscars et inspirera trois suites (en 1978, 1981 et 1991), ainsi qu’une série de dix épisodes diffusés en 2016 à la télévision (Damien). Le film a été critiqué par l’église catholique, qui lui a reproché de déformer l’eschatologie chrétienne.

La musique, composée par le talentueux Jerry Goldsmith, utilisa pour la première fois des chœurs « maléfiques », chantant une messe en latin à la gloire de Satan (Ave Satani). Le film obtint l’Oscar de la meilleure musique de film en 1977.

La symbolique du nombre 7

« Tout a été organisé selon le nombre » disait Pythagore. Et sept serait un nombre parfait, un symbole de l’abondance divine. Outre les 7 jours de la Création, on le retrouve dans les 7 jours de la semaine. Toujours selon la Bible, il est aussi le nombre du châtiment, de la purification et de la pénitence. Mais, comme toute médaille a son revers, ce nombre est également attribué à Satan qui, comme chacun sait, s’ingénie à copier Dieu. Ainsi, la bête infernale de l’Apocalypse possède sept têtes (Apocalypse, 13-1). Il y a aussi les 7 fléaux de l’Apocalypse et ses 7 trompettes, à l’origine de la chute de Jéricho. Plus connus sont les 7 péchés capitaux. Et selon Saint Augustin, si ce ne sont pas les plus graves, ils sont pourtant à l’origine de tous les autres.

Or, bizarrement, le film fut émaillé de plusieurs drames avant, pendant et après son tournage, le dernier ayant eu lieu en 2016. Au nombre de 7 exactement. A tel point qu’une rumeur se répandit selon laquelle la production aurait été réellement frappée par une malédiction.

Jugez vous-même.

►1 - Le fils de Grégory Peck, 31 ans, se suicide sans explication deux mois avant le début du tournage, soit le 26 juin 1975.

►2 - L’avion de Gregory Peck, parti de Los Angeles pour Londres, fut frappé par la foudre, ainsi que celui de Mace Neufeld, l’un des deux producteurs du film, parti quant à lui de Rome. De son côté, Richard Donner aurait, paraît-il, failli perdre une jambe, restée bloquée dans la portière d’une voiture.

►3 - Londres, l’une des villes du tournage, avec  Jérusalem, Rome et Chicago, subissait à cette époque une vague d’attentats perpétrés par l’Armée Républicaine Irlandaise (IRA). Ainsi, le 12 novembre 1975, une bombe explosa dans le restaurant où plusieurs membres de l’équipe du film s’apprêtaient à dîner.

►4 - L’avion, qui devait transporter l’équipe pour filmer Londres depuis le ciel, fut attribué à 7 autres clients. Le 20 novembre 1975, il décolle de l’aérodrome de Dunsfold et s’écrase après avoir percuté une nuée d’oiseaux qui ont endommagé ses deux moteurs. Au cours de son atterrissage forcé, l’avion a traversé une route frappant de plein fouet une voiture avec à son bord la famille d’un des pilotes. Les 7 passagers et les deux membres de l’équipage s’en sont sortis quasiment indemnes. En revanche, les 6 passagers de la voiture sont morts. 

►5 - Pour les séquences concernant le zoo, une scène (finalement non retenue) fut tournée près des enclos à félins du Windsor Safari Park, non loin de Londres. Après le départ de l’équipe, un tigre a mortellement attaqué un gardien. Le parc a finalement fermé en 1992.

►6 - Deux mois après la sortie du film, John Richardson - qui avait supervisé la scène de la décapitation du reporter dans le film - a été victime d’un terrible accident de la route aux Pays-Bas alors qu’il travaillait sur le film UN PONT TROP LOIN, de Richard Attenborough. Il a survécu à ses blessures, mais Liz Moore, son assistante et compagne, qui se trouvait à ses côtés, a été… décapitée.

Le drame s’est produit le 13 août 1976, près d’un panneau signalant que la ville d’Ommen (Pays-Bas) était située à 20 km. Précisons que le titre original du film est THE OMEN.

Curieusement, la borne kilométrique de l’accident indiquait paraît-il 66,6 (rumeur à vérifier). Or 666 correspond à la 6e heure du 6e jour du 6e mois qui voit la naissance de l’Antéchrist, le fils de Satan, toujours selon le livre des Révélations (l’Apocalypse).

►7 – L’acteur anglais Harvey Stephens qui joue le rôle de Damien, a été condamné le 13 janvier 2017 à une peine de prison avec sursis pour avoir frappé deux cyclistes dans un accès de rage parce qu'il ne pouvait pas les dépasser en voiture. L’agression s’est produite le 21 août 2016 et il avait 46 ans.

Certains allégueront que ce ne sont que de simples coïncidences, tandis que d’autres trouveront cela bizarre. Vous avez dit bizarre ? Comme c’est étrange.

Serge Moroy

Campo di Maggio (Napoléon)

Les Cent-jours (Napoléon), le film où Mussolini a participé à la mise en scène

« Les Cent-jours » est un film historique italien de Giovacchino Forzano, réalisé en 1934 et dont le titre original est « Campo di Maggio ».
La musique est signée Giuseppe Becce, avec comme acteurs :
Corrado Racca (Napoléon), Emilia Varini (Letizia Bonaparte), Enzo Bilioti (Fouché), Pino Locchi (le roi de Rome), Rose Stradner (Marie-Louise d’Autriche), Lamberto Picasso (Metternich), Ernesto Marini (Louis XVIII), etc.

Ce film a été adapté de la pièce éponyme de Giovacchino Forzano et de Benito Mussolini.
► Benito Mussolini dirige les figurants
Selon l'historien Jean Tulard - considéré comme l'un des meilleurs spécialistes français de Napoléon 1er et de son époque
- les déclarations de Napoléon dans la pièce de G. Forzano, « Les Cent-jours, sont en fait de Mussolini.
Le dictateur italien (qui rencontrera pour la première fois Hitler le 14 juin 1934 à Venise) était d’ailleurs tellement content de lui qu’il décida d'en faire un film. Celui-ci sera mis en scène par Forzano et produit par le propre fils de Mussolini.

Benito Mussolini aurait même, dit-on, dirigé les figurants « demain de maître » pour la grande bataille de Waterloo. Sorti en 1935, le film ne connut cependant pas le succès escompté et reste méconnu.
► Résumé
Après la campagne désastreuse de Russie, Napoléon a dû abdiquer en 1814 face à une vaste coalition formée par les puissances européennes (Prusse, Russie, Grande-Bretagne, Autriche). Il est exilé à l'île d'Elbe et Louis XVIII est proclamé roi de France.
En septembre 1814 commence le congrès de Vienne, qui réunit les représentants des puissances européennes afin d'établir une paix durable après la défaite de la France et redessiner la carte politique de l'Europe.

Cependant, le 26 février 1815, Napoléon quitte l'île d'Elbe. Il débarque en France le 1er mars. A Grenoble, l’armée ne parvenant pas à l’arrêter, décide de l’escorter jusqu’à Paris où il entre  triomphalement le 20 mars 1815. Il convoque aussitôt les représentants du peuple au Champs de Mars, rebaptisé pour l’événement… « Champ de Mai ».  

Alarmés par son retour, les participants du congrès de Vienne réagissent aussitôt par une nouvelle coalition. Ils décident d'envoyer des troupes en Belgique, à proximité de la frontière française, pour préparer l'invasion de la France, prévue pour le 1er juillet 1815. La bataille de Waterloo, intense et décisive, se prépare. Elle aura finalement lieu le 18 juin 1815.
Après cette bataille qui voit sa défaite, les députés refusent à Napoléon les pouvoirs dictatoriaux et le somment d’abdiquer. Il sera finalement exilé sur l’île de Sainte-Hélène. 
► Commentaire
Ce film est rare et j’ai pu le visionner grâce à une copie tirée au format 9,5 mm par la firme PATHÉ en 1938 pour sa cinémathèque des films d’édition 9,5 mm (référence 7036 dans son catalogue officiel).
Le film relate assez bien les cent derniers jours de l’empereur, son point culminant étant bien sûr la bataille décisive de Waterloo, avec des scènes épiques et des gros plans grandiloquents.
La séquence finale montre Napoléon faire ses adieux à sa mère pendant que le roi de Rome (le fils de Napoléon emprisonné à Vienne) se penche sur une carte du monde... comme le faisait souvent son père, laissant supposer que la « relève est assurée ».
Quelques intertitres ont été introduits par l’éditeur PATHÉ, ceci afin d’expliquer le contexte politique de l’époque. La pellicule noiret blanc est belle, avec de bons contrastes, et elle ne présente pas de rayure.

Serge MOROY

« Charlot émigrant » 1917

« Charlot émigrant » était l’un des films préférés de Charlie Chaplin. Le film raconte l’arrivée de Charlot à New York, à bord d’un paquebot bondé d’émigrés. Une chronique sociale, un mélodrame, mais aussi une comédie burlesque qui marquera le cinéma américain du XXe siècle : la longue traversée de l’Atlantique, l’espoir devant la statue de la Liberté, les fonctionnaires autorisant ou non les étrangers à fouler la terre promise…

Sorti le 17 juin 1917, « Charlot émigrant » a contribué plus que tout autre film à construire le mythe de Charlot, l’anti-héros au grand cœur. Pour le tourner, les méthodes de travail de Charlie Chaplin vont devenir beaucoup plus exigeantes que par le passé.

Le film commence sur un bateau d’émigrants en route vers l’Amérique. Charlot, passager, coule une idylle avec Edna (Edna Purviance, l'actrice fétiche de Chaplin). Emu par sa pauvreté et sa beauté, notre héros lui glisse en cachette une partie de l’argent qu’il vient alors de gagner au jeu.

Premières désillusions

Le bateau arrive à New York. Au loin, se profile la statue de la Liberté, symbole de la terre promise et de prospérité pour ces émigrants venus de si loin. Déjà, tous se pressent avec joie sur le pont quand  leur enthousiasme se trouve aussitôt refroidi par les fonctionnaires zélés du service de l’immigration, qui vont les parquer comme du bétail.

Une fois débarqué, Charlot retrouve par hasard Edna dans un café. Il a trouvé une pièce dans la rue et l’invite. Mais la pièce tombe de sa poche trouée et notre héros va du coup avoir maille à partir avec le serveur du café, un colosse totalement dépourvu d’humanité.

La perfection sinon rien

« Vingt fois sur le métier remettez votre ouvrage » disait Boileau. L’exigence de Chaplin à l’époque était telle qu’il tourna 25 000 mètres de pellicule et passa quatre jours et quatre nuits sans repos pour monter le film dans sa forme définitive. D’une durée de près de 25 minutes, sa réalisation nécessita pas moins de deux mois de tournage. Ainsi, la scène de l’addition opposant Charlot au serveur patibulaire, fut filmée plusieurs fois durant une semaine entière ! Chaplin s’aperçut en effet qu’il faisait fausse route: Henry Bergman n’était pas assez effrayant pour rendre la peur de Charlot crédible. Il annula une pleine semaine de tournage consacrée à cette scène (ce qui était révolutionnaire pour l’époque) pour donner finalement le rôle à Eric Campbell, beaucoup plus inquiétant à l’écran. 

Victime du maccarthysme

« Depuis 1840, l’Amérique symbolise l’ascension sociale où nos pionniers espèrent reconstruire leur vie sur un nouveau modèle » ai-je lu dans un magazine. Mais, l’Amérique a-t-elle vraiment été un Eldorado pour Chaplin ? Malgré son immense succès, il est permis d’en douter. Alors qu’il entreprend en 1952 un voyage avec sa famille à Londres, sa ville natale, son visa de retour est supprimé. On lui reproche ses sympathies communistes et il devient Persona non grata aux États-Unis. Frappé par tant d’ingratitude, il s’établira alors en Suisse pour y vivre les 25 dernières années de sa vie avec sa famille.

En septembre 1957, soit 40 ans plus tard, Chaplin réglera ses comptes dans « Un roi à New York », réalisé en Angleterre. Il s’agit d’une satire au vitriol du mode de vie américain, ainsi qu’une dénonciation féroce du maccarthysme et de la chasse aux sorcières dont il a lui-même été victime. Le film sera d’ailleurs interdit aux Etats-Unis jusqu’en… 1976.

Mais en avril 1972, Hollywood l’invite. Chaplin oublie alors sa rancœur et traverse l’Atlantique pour fouler à nouveau le sol du pays qui l’a tant fasciné, rendu célèbre, enrichi puis chassé.

Devant 2700 personnes, qui l’acclament debout en fredonnant la mélodie des « Temps modernes », il reçoit un Oscar spécial pour l’ensemble de son œuvre. Charlot tenait enfin sa revanche.

Serge MOROY

Potemkine

ODESSA, plus grand port ukrainien donnant sur la mer Noire, est une ville stratégique pour les Russes qui occupent déjà Kherson. Je ne peux m’empêcher de songer à la séquence des escaliers d’Odessa, tirée du film POTEMKINE, chef-d’œuvre de Sergueï Eisenstein (1925).

L’action, qui prend presque la véracité d’un documentaire, se situe pendant la guerre russo-japonaise de 1904 à 1905. L’équipage du cuirassé Potemkine, révolté par les mauvais traitements infligés par ses officiers, s'est mutiné.

La population d’Odessa, où est accosté le navire, fraternise avec les rebelles et leur apporte des vivres. Mais un matelot a trouvé la mort et la ferveur révolutionnaire monte peu à peu.

Le gouvernement tsariste donne l’ordre à l’armée de disperser la foule.

La scène des escaliers monumentaux d’Odessa, d’où les cosaques descendent, fusil au poing, pour déchirer la foule, reste un morceau d'anthologie.

Eisenstein nous révèle de façon poignante ce terrible drame historique survenu le 29 juin 1905. Depuis, le grand escalier Richelieu a été rebaptisé escalier Potemkine.

S Moroy, 6 mars 2022

Ces femmes qui ont réveillé la France

Le théâtre de la Gaîté Montparnasse présente jusqu'au 22 mars 2022 "Ces femmes qui ont réveillé la France" 

Une vingtaine de femmes sont présentées par Jean Louis Debré, Valérie Bochenek, Valérie Rogozinski au piano, les connues, George Sand, Louise Michel, Simone Veil, Olympe de Gouges, George Sand, Colette, Marguerite Yourcenar, les oubliées, les méconnues, Jeanne Chauvin, première femme avocate, pionnières qui se sont battues pour les droits des femmes et auxquelles nous devons tout.

Julie-Victoire Daubié est la première femme française à avoir obtenu le 17 août 1861 son baccalauréat, jusqu' ici réservé aux hommes... mais c'est grâce à l'intervention de l'Impératrice Eugénie que le ministre Gustave Rouland signe avec réticence le diplôme par crainte qu'il ne "ridiculise le ministère de l'Instruction Publique"...

Julie-Victoire obtient ensuite sa licence sans avoir eu le droit d'assister aux cours!!!

C'est encore grâce au soutien de l'Impératrice Eugénie que Madeleine Brès obtient, malgré les nombreux obstacles réservés aux femmes, le droit de s'inscrire à la faculté de médecine de Paris...

En 1875, elle sera la première femme française à devenir médecin.

Bien qu'elle ne soit pas citée dans la pièce, j'ajouterai que Rosa Bonheur, dont le musée d'Orsay célèbrera le bicentenaire de sa naissance en 2022, est la première femme artiste à recevoir la Légion d’Honneur en 1865, des mains de l’impératrice Eugénie, car "le génie n'a pas de sexe" . En 1889 Sadi Carnot lui remettra la grand-croix de la Légion d’honneur..

NAPOLÉON ET LES FEMMES, Le coup de foudre pour Joséphine

NAPOLÉON ET LES FEMMES 

 

Le coup de foudre pour Joséphine

 

Si plus de 200 films relatent l’épopée napoléonienne, celui d’Abel Gance, sorti en avril 1927, émerge nettement du lot. Ce film est actuellement en cours de restauration à la Cinémathèque française, reconstitué dans son intégralité grâce à des séquences retrouvées. Les restaurateurs ont respecté les intertitres d’origine (que j’ai indiqués), mais se sont basés également sur les notes, très explicatives, d’Abel Gance.

Voici donc celles concernant la première rencontre de Napoléon avec Joséphine de Beauharnais. Coup de foudre immédiat pour l’empereur. La scène se passe au bal du 6 octobre 1795, après que le jeune général ait maté l’insurrection des royalistes à Paris.

Le général Vendémiaire

Violine, la jeune cantinière amoureuse de Napoléon, cf. # Napoléon et les femmes (4), sourit en rangeant des vêtements. Tout à coup, elle pâlit et est obligé de s’asseoir. Heureusement que sa compagne ne s’émeut pas de regarder un brillant général, car c’est Bonaparte, éblouissant, qui tend son manteau.

Bonaparte est méconnaissable et séduisant comme personne n’eût pu le penser. Habillé de neuf, chapeauté d’or, cravaté d’or, ceinturé d’or, avec des éperons qui brillent comme deux étoiles… il passe.

Violine le suit des yeux, bouleversée. Quand il est passé, elle arrache, de l’énorme plumet du chapeau qu’il a déposé, une plume qu’elle glisse dans son sein.

Bonaparte entre dans le bal où il fait sensation. La salle, immobile, silencieuse et curieuse, détaille ce jeune et fringant général de la République.

 La brusque notoriété de Bonaparte au lendemain de Vendémiaire s’éclipsait cependant devant la grâce de trois femmes célèbres du moment…

 

Madame Tallien

L’huissier annonce son entrée dans le bal. 25 ans. Très belle, très dévêtue, presque licencieuse, ses cheveux d’un noir de velours sont courts et frisés tout autour de la tête ; cela s’appelle coiffure à la Titus. Elle est radieuse, exubérante de santé et de bonheur et reine de la vie facile. Vénus du Capitole, harmonie parfaite.

Mouvement d’admiration dans la salle. Une cour se forme. L’ancien régime est toujours là dès qu’il s’agit du charme féminin. Bonaparte la regarde, impassible.

 

Madame Récamier

L’huissier annonce son entrée. 17 ans. Beauté, grâce et simplicité d’une Vierge de Raphaël. Aucun bijou. Plus on la regarde, plus on la trouve belle.

Nouvelle houle d’admiration.

Une autre cour se forme, peut-être plus grande encore que celle qui, comme un essaim, bourdonne autour de Madame Tallien. Tous les vieux messieurs en sont.

Bonaparte la regarde, impassible.

 

 Madame de Beauharnais

L’huissier annonce son entrée. 30 ans. Cette femme met à vivre une grâce qui n’a qu’elle. Au corps, nulle entrave, nul corset, pas même une brassière. Ses mouvements ont une souplesse nonchalante, s’accentuant avec naturel en des poses négligées, qui donnent à sa personne une exotique langueur. Son teint mat, où transparaît l’éclat de l’ivoire, prend une douce animation sous les reflets veloutés de grands yeux bleu foncé, aux longs cils légèrement relevés. Les cheveux, d’une sorte de nuance fulgurante, s’échappent en spirales d’un réseau d’or, et leurs boucles folles viennent encore ajouter un charme indéfinissable à une physionomie dont la mobilité est excessive mais toujours attrayante.

Sa toilette complète l’aspect vaporeux de toute sa personne ; sa robe est de mousseline de l’Inde, et son ampleur exagérée trace autour de son corps des sillons nuageux. Le corsage, drapé à gros plus sur la poitrine, est arrêté sur les épaules par deux têtes de lion émaillées de noir. Les manches courtes, froncées sur des bras nus fort beaux, ornés au poignet de deux petites agrafes d’or.

A elles trois, ces femmes ont affolé Paris et vu tomber des personnages les plus illustres à leurs pieds, ces beaux pieds qu’elles portaient nus et seulement chaussés de cothurnes avec des émeraudes aux doigts.

Troisième vague d’admiration pour Joséphine.

Cette fois, Bonaparte tressaille.

Groupe Joséphine. Compliments, admiration d’adorateurs nombreux. Barras, dissimulant mal sa liaison avec Joséphine, est un des plus ardents. Bonaparte se mêle au groupe. Il est près d’elle, fasciné.

Joséphine s’arrête de rire pour regarder Bonaparte, prisonnier dans le groupe. Cela le gêne. Il rompt la chaîne de fleurs, avance brusquement ; aux cris des admirateurs de Joséphine, il se retourne, les toise, et quitte soudain le groupe. Offusquée Joséphine ne sait que faire, mais elle se décide à rire.

Joséphine rejoint Madame Tallien et Madame Récamier.

Elles suivent, très intéressées, Bonaparte, qui ne les voit pas et qui, entouré, encensé, ne sait comment s’évader des compliments.

Joséphine dit, rêveuse et adorable : « Il est vraiment charmant ce petit Buonaparte ».

Mesdames Tallien et Récamier se font un signe et s’éloignent…

Rapide, Joséphine se place sur son chemin, sans en avoir l’air. Bonaparte arrive, la voit, montre son empressement. Elle le regarde curieusement. Il lève les yeux sur elle. Silence doré.

Bonaparte plonge ses yeux dans ceux de Joséphine. Cela la trouble. Elle se protège derrière son éventail et déclare : « C’est ici, Monsieur Buonaparte, qu’on m’a appelée pour l’échafaud ! ».

Sources :

Abel Gance, Napoléon épopée cinématographique (Jacques Bertoin, 1991)

Abel Gance (Roger Icart, 1983).

Abel Gance et Napoléon, Cinématographe, revue n° 83 (nov. 1982)

 

15 décembre 1809 Divorce de Napoléon et Joséphine

NAPOLÉON ET LES FEMMES, Violine FleurI

NAPOLÉON ET LES FEMMES, VIOLINE FLEURI

 

Violine Fleuri, la jolie cantinière qui brûlait d’amour pour l’empereur

Le « Napoléon », d’Abel Gance (1927), est un film grandiloquent d’une durée de… 5 heures 30 ! Il est actuellement restauré par la Cinémathèque française pour être diffusé à la rentrée 2021 dans une version remasterisée. Il évoque l’histoire de Tristan Fleuri, qui entre au service de Bonaparte, alors consul, et qui l’accompagnera jusqu’à la fin. Sa fille, Violine, âgée de 16 ans, éprouve pour Bonaparte un amour quasi religieux dès qu’elle l’aperçoit pour la première fois à Paris en 1792. Elle sera elle-même femme de chambre de Joséphine, puis aide-cantinière pour suivre Napoléon dans ses campagnes, avant de mourir pendant la terrible retraite de Russie de 1812. Juste avant, Violine aura eu le temps de révéler à l’empereur la passion brûlante qu’elle éprouvait pour lui.

Fantaisie ou réalité ? Abel Gance a toujours affirmé respecter l’histoire de son grand héros pour lequel il vouait une vive admiration (on n’en a jamais douté). Pourtant aucun historien n’a corroboré l’existence de Violine, rôle tenu par Annabella (1907-1996), dont c’était le tout premier film. Un prétexte pour faciliter l’adhésion du public populaire à son œuvre ? Alors qu’il planchait sur le scénario, Abel Gance déclarait le 15 septembre 1923 (source Cinématographe n° 83, nov. 1982) : « Je me suis permis cependant de dresser dans l’ombre de l’empereur une histoire touchante et obscure pour donner encore plus de relief et d’éclat par contrastes à mon film, et lui éviter la froideur et la raideur continue des tableaux de David par exemple, mais cela, sans jamais changer une virgule de l’histoire. » 

S. Moroy 

NAPOLÉON ET LES FEMMES, Eléonore Denuelle de la Plaigne

NAPOLÉON ET LES FEMMES 

Eléonore Denuelle de la Plaigne : celle qui lui prouva qu’il n’était pas stérile

Dans sa fresque consacrée à Napoléon (1955, durée 3 heures) et qui bénéficie d’une distribution exceptionnelle, Sacha Guitry (encore lui) évoque l’aventure amoureuse de l’empereur avec Eléonore Denuelle de la Plaigne (interprétée par Danielle Darrieux).

 

Dame de service de Caroline Murat, épouse du maréchal de l’empire, dont elle deviendra la maîtresse… avant de s’intéresser de plus près à l’empereur.

 

En décembre 1806, elle lui donnera un fils, Charles-Léon, lui prouvant ainsi qu’il n’était pas stérile mais plutôt l’impératrice Joséphine de Beauharnais (rôle campé par Michelle Morgan). Hélas pour Eléonore, son impérial amant ne veut plus la revoir - même s’il lui octroiera par la suite une rente confortable - lorsqu’elle viendra frapper aux portes du château de Fontainebleau.

S. Moroy

NAPOLEON ET LES FEMMES « Marie Walewska » Clarence Brown

Marie Walewska : sans doute le plus grand amour de Napoléon

 

« Marie Walewska » (Conquest) est un film américain de 1937 de Clarence Brown qui relate la passion entre Napoléon et Marie Walewska, comtesse polonaise. Le rôle de l’empereur est interprété par Charles Boyer et celui de Marie Walewska par la sublime Greta Garbo qui devient, une fois pour toute, la « Divine ». Une épithète amplement justifiée par sa beauté et son élégance, non démenti dans ses films suivants : « Le roman de Marguerite Gautier » et « Ninotchka ».

« Je n’ai vu que vous, je n’ai admiré que vous, je ne désire que vous »

Elle est blonde, a 20 ans et les yeux bleus. Napoléon fait sa rencontre en janvier 1807 alors que ses troupes occupent la Pologne, pays divisé en trois : Autriche, Prusse et Russie. Certains historiens invoquent le fait « qu’elle s’est sacrifiée pour sauver la Pologne » avec la création du Duché de Varsovie. Quoi qu’il en soit, ils sont très épris l’un de l’autre, même si elle semble réticente au début. Bien que mariée, elle devient sa maîtresse et l’empereur va s’organiser de façon à lui consacrer du temps.

Elle lui donne un fils

Marie deviendra son « épouse polonaise » et leur amour donnera naissance en mai 1810 à un fils, Alexandre.

Napoléon apprend sa naissance alors qu’il est en Belgique avec l’archiduchesse Marie-Louise d’Autriche, qu’il choisira pourtant pour devenir la seconde impératrice (choix stratégique et c'était aussi, à l'époque, la plus grande princesse d'Europe).

Marie Walewska reçoit une dotation très confortable de l’empereur et s’installe pendant deux ans dans une maison à Boulogne-sur-Seine (au 7 rue de Montmorency, toujours visible) avec ses deux fils, dont le leur. Marie Walewska et son fils lui rendront même visite début septembre 1814 alors qu’il est en exil sur l’île d’Elbe.

Elle mourra en 1817, à l'âge de 31 ans, pendant un accouchement.

S. Moroy

NAPOLÉON ET LES FEMMES Le destin fabuleux de Désirée Clary, film de Sacha Guitry (1942).

Le destin fabuleux de Désirée Clary, film de Sacha Guitry (1942).

 

La vie de Napoléon Bonaparte est une source d’inspiration intarissable dans laquelle romanciers et auteurs ont puisé allégrement. Sacha Guitry (1885-1957) a réalisé ce film en 1942 alors que la France était occupée. Il en a fait la mise en scène, mais aussi le scénario et les dialogues. Qui d’autre que lui, d’ailleurs, pouvait traiter un sujet historique de façon aussi romantique et raffinée, instructive et divertissante avec, toujours, ce brin d’humour piquant qui reste sa marque de fabrique tout au long de son œuvre (125 comédies et 35 films).

 

Le destin de Désirée Clary est en effet fabuleux. Née à Marseille en 1777, elle mourut en 1860 à Stockholm en tant que reine de Suède. Entre-temps, elle aura été la première fiancée de Napoléon Bonaparte.

En 1794, Bonaparte, alors jeune général de la République en garnison à Marseille, fait sa connaissance et en tombe amoureux.

Ils se fiancent avant de partir en Vendée pour prendre, sous Hoche, le commandement de l’artillerie. Bonaparte promet à la jeune fille de l’épouser dès que la guerre le permettra. Finalement, il refuse d’aller mater la répression en Vendée et rejoint Paris où il erre dans l’attente d’une autre affectation.

Il y rencontre Joséphine de Beauharnais, dont il tombe éperdument amoureux (elle, ambitieuse, y voit le moyen de reconquérir ses titres de noblesse) et l’épouse avant de partir pour la campagne d’Italie. Désirée Clary jure de se venger. Ce qu’elle fait en épousant Bernadotte, qu’elle connaissait à peine mais qu’elle a choisi parce que « il était homme à tenir tête à Napoléon ».

Devenu empereur, Napoléon se méfie de Bernadotte, mais pour réparer ses torts envers Désirée, il le nomme maréchal d’empire. En 1810, Bernadotte propose sa candidature à la succession de Charles XIII de Suède. Espérant avoir un solide allié dans le nord de l'Europe, Napoléon donne son accord, et c’est ainsi que Désirée Clary devint princesse héritière de Suède. La période qui va suivre nous révélera le rôle de Bernadotte dans la chute de l’empereur et le film se termine en 1840, avec le rapatriement de ses cendres en France sur ordre de Louis-Philippe.

Nota : C’est Sacha Guitry lui-même qui joue le rôle de Napoléon 1er et Jean-Louis Barrault celui du général Bonaparte. Gaby Morlay incarne Désirée Clary. Un remake américain sera tourné en 1954 (Désirée), avec Marlon Brando et Jean Simmons.

S. Moroy

► Critique du journal L’illustration du 5 septembre 1942 :

« Après une période de production assez terne, Le destin fabuleux de Désirée Clary ouvre brillamment la nouvelle saison

cinématographique française. »

► Réflexion de Napoléon sur les femmes et la polygamie (Juin 1816) :

« Si l’homme fait une infidélité à sa femme, qu’il lui en fasse l’aveu, s’en repente, il n’en demeure plus de traces ; la femme se fâche, pardonne, ou se raccommode, et encore y gagne-t-elle parfois. Il ne saurait en être ainsi de l’infidélité de la femme : elle aurait beau l’avouer, s’en repentir ; qui garantit qu’il n’en demeurera rien ?

Le mal est irréparable ; aussi ne doit-elle, ne peut-elle jamais en convenir. Il n’y a donc, mesdames, et vous devez l’avouer, que le manque de jugement, les idées communes et le défaut d’éducation qui puissent porter une femme à se croire en tout l’égale du mari : du reste, rien de déshonorant dans la différence ; chacun a ses propriétés et ses obligations : vos propriétés, mesdames, sont la beauté, les grâces, la séduction ; vos obligations, la dépendance et la soumission, etc. »

Extrait du « Mémorial de Sainte-Hélène » du Comte de Las Cases (édition 1895) - Tome II, page 682 – dont je possède un exemplaire. S Moroy

 

Adieu Bébel

Jean-Paul Belmondo a été la plus grande star du cinéma français, c’était l'un de nos derniers monstres sacrés et ses films font toujours les belles heures de la télévision. Les acteurs de la nouvelle génération, Jean Dujardin en tête, n’ont cessé de clamer haut et fort leur dette envers ce comédien qui ne s’est jamais pris au sérieux… au risque de ne pas être pris au sérieux, à commencer par l’intelligentsia cinéphile.

Mais c’est peut-être aussi pour cette raison qu’il était (justement) la coqueluche des Français. Avec « A bout de souffle », il a renouvelé la manière de jouer et les canons de la beauté masculine, soufflant même la vedette à son partenaire et ami Alain Delon. Insouciant et turbulent, rebelle et franchouillard, on l’aimait bien notre Bébel national. Avec son formidable culot, sa verve incisive et sa gueule de lion, il était le héros blagueur et intrépide dans des films où il n'hésitait pas à exécuter lui-même les cascades. Comment s’est forgé le mythe Belmondo ? Peut-être parce qu'il n’a jamais joué un rôle de salaud dans ses 80 films ; au contraire il les combattait. Que cachait donc ses facéties, sa gouaille, sa gentillesse, sa pudeur ? Parce qu'il était lui-même profondément sincère et authentique. Comment cet homme surdoué pour la vie, sportif accompli (boxeur professionnel à ses débuts : 9 combats-5 victoires-1 nul), a-t-il surmonté les épreuves de la vie et notamment la maladie qui l’avait happé en 2002 ? Bébel le magnifique, l’acteur sublime, le justicier, le séducteur, l'amant, le pote... Aujourd’hui, lundi 6 septembre, le cinéma français est en deuil.

S. Moroy

 

"Belmondo était le cinéma français à lui tout seul" ( "Le soir" du 6 sept 2021)

 

Un hommage national lui sera rendu le 9 septembre aux Invalides

JE ME SOUVIENS DE TOI, ANNIE..

 

JE ME SOUVIENS DE TOI, ANNIE...

 

Le 28 février 2011, Annie Girardot décédait âgée de 79 ans à l’hôpital Lariboisière, à Paris. L’actrice souffrait depuis plusieurs années de la maladie d’Alzheimer, révélée au public par sa famille en 2006 et dont elle était devenue un symbole, après avoir accepté de se faire filmer pour le documentaire « Ainsi va la vie » de Nicolas Beaulieu, diffusé le 21 septembre 2008 sur TF1. Un documentaire bouleversant. Il fallait du courage pour le tourner, et encore plus pour prendre la décision de le montrer aux téléspectateurs. Ainsi, j’ai été frappé par le drame quotidien enduré par Annie que l’on voit constamment aidée et sollicitée par ses proches pour recouvrer quelques bribes de sa mémoire craquelée.

Le diagnostic de sa terrible maladie avait été établi en 200. Et elle le connaissait. Certes, Annie Girardot n’est pas n’importe qui. Actrice préférée des Français, elle fut une véritable icône cinématographique, avec 50 ans de carrière et 217 films à son actif. Et quels films ! Elle a donné la réplique à Serrault, Blier, Galabru, Gabin, Delon, Noiret, De Funès, Piccoli, Cassel, Meurice, Ventura, etc. ; sous la direction de réalisateurs talentueux : Delannoy, Grangier, De Broca, Giovani, Zidi, Decoin, Lelouch, Jessua, Molinaro, Cayatte, Audiard… Souvenez-vous : le 2 mars 1996 au Théâtre des Champs-Elysées, à Paris, elle remerciait le public un César qu’on lui avait décerné (meilleur second rôle féminin dans « Les misérables » de Lelouch) après une (trop) longue absence devant les caméras. Elle avait pris la parole, émue : « Je ne sais pas si j’ai manqué au cinéma français, mais à moi, le cinéma français a manqué, follement, éperdument, douloureusement. Votre témoignage, votre amour me font penser que peut-être – je dis peut-être – je ne suis pas encore tout à fait morte ».

Le malaise que l’on éprouve devant ce documentaire provient du fait que l’on ne s’attend pas à voir Annie Girardot incarner ce rôle de malade, dans ce qui semble être, hélas, sa dernière prestation devant une caméra. Car, que reste-t-il de quelqu’un qui perd tous ses repères et oublie ce qu’il est ? N’est-ce pas déjà une mort avant l’heure quand l’esprit a foutu le camp ? Imagines poignantes d’une grande actrice de 77 ans qui récite son texte à l’aide d’une oreillette dans laquelle on le lui souffle.

Non, je ne veux pas garder cette image d’elle. Je me replonge dans ses films. Drôles, joyeux, vifs et nerveux, parfois graves, avec ce sens de la répartie qui la définissait si bien. C’est de cette Annie là dont je veux me souvenir. Du moins, vais-je essayer car c’est comme cela que je l’aimais.

S. Moroy

 

LA MÉMOIRE DE MA MÈRE

GIULIA SALVATORI

MICHEL LAFON

- Maman, tu n'es vraiment pas gentille avec moi ! Un frisson m'a parcourue. Elle faisait des mots croisés sur la table de la cuisine et c'est à moi, sa fille, qu'elle s'adressait ainsi. Dehors resplendissait le ciel toujours bleu de Sardaigne... - Comment m'as-tu appelée ? - Maman, pourquoi ? - Mais maman... C'est toi ma maman !

 Depuis cette scène, avec amour, Giulia Salvatori accompagne sa mère sur les sables mouvants et arides du désert d'Alzheimer, où affleurent pour elle les souvenirs intimes du passé d'Annie Girardot.

Dans ce livre, Annie Girardot est telle que nous ne l'avons jamais vue.

Sa fille, Giulia, raconte sa mère : ses débuts, ses rencontres, ses amours, sa tendresse et puis, dans les années 1990, les premiers symptômes de la maladie d'Alzheimer...

Au-delà du cri d'amour d'une fille à sa mère, Giulia Salvatori nous offre un témoignage sensible et émouvant ; un soutien pour tous ceux qui sont confrontés à cette maladie.

 

Ainsi va la vie de Nicolas Beaulieu.

RENDEZ-VOUS AVEC LA FÉERIE : UN FILM SUR MÉLIÈS, L'INVENTEUR DES EFFETS SPÉCIAUX AU CINÉMA

Georges MÉLIÈS est mort le 21 janvier 1938 à Paris, à 77 ans. Il a été l’une des figures les plus marquantes du cinéma naissant. Son œuvre (plus de 500 films), détruite ou dispersée, tombe rapidement dans l’oubli. A la fin de sa vie, pour survivre, il tenait un petit magasin de jouets dans le hall de la gare Paris-Montparnasse. Il reste presque totalement inconnu du grand public. Découvrez son histoire

Georges Méliès (1861-1938) tourna 520 films entre 1896 et 1913. C’est une œuvre considérable et sans pareille pour l’époque. Mais, dans un moment de détresse, il les détruisit en 1923. Alors, comment peut-on les voir encore aujourd’hui ?

Heureusement, des copies avaient été effectuées et aujourd’hui, aux États-Unis mais aussi dans le monde, on a parfois le bonheur d’exhumer un de ses petits chefs-d’œuvre, à l’instar du Voyage dans la lune, fantaisie qui connut un vif succès en 1902. Il convient alors de les restaurer très vite car la pellicule, inflammable, se décompose dans le temps.

Le mystère Méliès, documentaire exceptionnel de Serge Bromberg et Eric Lange, sera diffusé samedi 9 janvier à 00 h 30 sur ARTE.

C’est 59 minutes de pur bonheur retraçant l’histoire de ce magicien, alors directeur du théâtre Robert-Oudin et qui va se lancer dans la réalisation et la production de films noir et blanc puis coloriés. Il nous sera expliqué par quel heureux hasard il est encore possible de voir ses œuvres aujourd’hui.

« Notre film explore le monde enchanté du premier magicien du cinéma à travers des images extraordinaires et révèle le secret de cette réapparition, qui est peut-être son plus beau tour de magie. »

Serge Bromberg

Avec les témoignages de Costa-Gavras, président de la Cinémathèque de Paris, Laurent Mannoni, historien du cinéma, Michel Gondry, réalisateur, Béatrice de Pastre, directrice des collections au CNC, ainsi que des enregistrements de la propre voix de Georges Méliès.

Serge Bromberg, 59 ans, a fondé sa société Lobster Films en 1985 pour gérer et valoriser son importante collection de films anciens, notamment des burlesques et des films d’animation. Il poursuit sa recherche de vieux films disparus, qu’il entreprend de restaurer (Méliès, Keaton, Chaplin et Dziga Vertov) et œuvre pour diffusion des grands classiques du cinéma  auprès du plus grand nombre.

Serge Moroy

Le corbeau

Le regard bleu acier de la vieille dame indigne

 

L’actrice Louise SYLVIE, décédait il y a 51 ans, à 87 ans.

Elle a tourné avec les plus grands (Duvivier, L’Herbier, Bresson, Grémillon, Allégret, Cayatte, Verneuil, Vadim, Allio).

Elle interprétait souvent des rôles de second plan, personnage a priori insignifiant mais cependant capital. Si elle parlait peu, son regard, clair mais grave, vous transperçait l'âme avec éloquence.

Je me souviendrai toujours du film, « Le corbeau », chef-d’œuvre de Clouzot tourné en 1943, dans lequel elle fait une brève apparition finale. Son calme, sa froideur et sa détermination farouche et implacable m’avaient alors glacé le sang. Quel talent !

A la libération, « Le corbeau » avait valu des ennuis à Clouzot.

Son film, qui aborde le thème des lettres anonymes, alors fréquentes sous l’occupation où la délation était encouragée, pour ne pas dire en vogue, est mal compris puis interdit. Clouzot se voit mis à l’index de sa profession. Heureusement, sa disgrâce ne durera pas. Je ne peux que vous conseiller de voir (revoir) ce chef-d'œuvre, à l’atmosphère oppressante et au suspense quasi insoutenable… jusqu’à la fin.

S. Moroy

Vaires sur Marne, Le train

Le 20 octobre 1994 décédait Burt Lancaster, à l’âge de 81 ans.

L’acteur américain était venu à Vaires-sur-Marne (77) en octobre 1963 pour tourner un film de guerre à gros budget, « Le train », réalisé par John Frankenheimer avec notamment Paul Scofield,  Jeanne Moreau, Suzanne Flon, Michel Simon [inoubliable Papa Boule !],  Albert Rémy, Jacques Marin... 

Il se trouve que j’habite à Villevaudé, village qui se situe non loin de l’endroit où fut tourné ce film et qu’il tire parti d’événements historiques qui s’y produisirent 19 ans plus tôt en 1944.

Vaires-sur-Marne, en Seine-et-Marne, est une charmante bourgade des bords de Marne, à 25 km à l’est de la capitale. Elle dispose d’une gare de chemin de fer digne de ce nom depuis 1926 assurant la liaison entre Paris et Meaux. Vaires a surtout la particularité de posséder l’un des plus grands triages du réseau ferroviaire français. Ce dernier organise la formation des convois de marchandises vers toute la France et l’Europe. La ville comptait 5120 habitants en 1936 et on estime que près de la moitié de la population était constituée par les cheminots et leurs familles.

Les Allemands arrivent à Vaires le 13 juin 1940. La gare et son triage, aussitôt réquisitionnés, jouent alors un rôle logistique primordial pour les communications outre-Rhin. Les cheminots manifestent très vite leur opposition à la présence de l’occupant. Tout est bon pour gêner ou ralentir le trafic des trains servant l’effort de guerre allemand. Les erreurs d’aiguillage ne se comptent plus et provoquent le va-et-vient incessant des convois. Quelquefois, il y a de véritables actes de sabotage qui mettent hors d’usage le matériel roulant, provoquent des déraillements et nécessitent des réparations qui sont effectuées le plus mollement possible. Bien sûr, les employés des chemins de fer allemands qui surveillent leurs homologues français ne sont pas dupes. Mais, ces hommes de la Reichbahn sont âgés et le plus souvent des réservistes de la Wehrmacht. Bien qu’armés d’un pistolet, ils n’ont pas l’esprit guerrier et consentent bien souvent à fermer les yeux. De toute façon, ils savent que le triage de Vaires est un important foyer de résistance, qu’elle soit active ou passive, et que le sens de l’histoire est en train de tourner, surtout depuis la première défaite de l’armée allemande à El-Alamein (3 novembre 1942).

En 1944, la ville paiera un lourd tribut à la Libération en étant particulièrement éprouvée par les bombardements alliés. Le triage subira en effet six attaques aériennes en l’espace de cinq mois. Le premier se produira le 29 mars 1944. Ce jour-là, plusieurs trains militaires se trouvent assemblés au triage de Vaires. L’un d’eux transporte de l’essence, deux autres du matériel, un quatrième des munitions et le cinquième des troupes de soldats SS. Avertis par la Résistance, les autorités anglaises déclenchent l’offensive un peu plus de 12 heures seulement après avoir reçu l’information. « Les haricots verts sont cuits » annonce alors laconiquement Radio-Londres pour prévenir du bombardement imminent. Effectivement, à 21 h 15, les avions de la RAF surgissent et, quand ils s’éloignent à 21 h 40, le triage est en feu : le train de munitions a explosé, creusant une tranchée longue de 200 m, large de 20 m et profonde de 6 m ; le train transportant l’essence brûle ; les wagons contenant le matériel sont détruits et, pour celui transportant les troupes, plusieurs centaines de soldats ont péri. Les bombardements ont également causé une douzaine de morts dans la population civile. Au total, les chiffres des victimes, selon les estimations des témoins, oscillent entre 1200 et 2735. Quoi qu’il en soit, il semblerait qu’il n’y ait eu que 400 rescapés. Les cinq autres bombardements (28 juin, 8 - 12 - 18 et 27 juillet) surviendront après le débarquement en Normandie. Ils varieront par leur intensité et viseront surtout à désorganiser le trafic ferroviaire sur l’arrière de l’ennemi, tandis que les alliés progressent. A la Libération, la ville de Vaires apparaît comme l’une des plus sinistrées du département de Seine-et-Marne, ce qui lui vaudra de recevoir la Croix de guerre en 1948 pour le courage de sa population civile lors de ces tragiques événements (médaille figurant depuis au bas du blason de la ville).

En octobre 1963, les Vairois sont donc quelque peu surpris de voir débarquer 19 ans plus tard l’équipe d’un grand réalisateur américain pour tourner un film de guerre à gros budget au triage SNCF. Car, pour les besoins de ce tournage énorme en décors naturels, ce sera un pari de tous les instants : en fin de journée, il faut préparer une locomotive qui devra dérailler le lendemain ; il faut ajouter des feuilles aux arbres (l’action se déroule en effet en été et l’on est en automne !). Un poste d’aiguillage de l’époque est entièrement reconstitué, un dépôt désaffecté est sacrifié pour les besoins d’une scène d’explosion. John Frankenheimer était un cinéaste très exigeant et pourtant c’était Arthur Penn qui était prévu au départ pour la réalisation de cette superproduction franco-italo-américaine. En fait, le réalisateur de « Little Big Man » abondonna le tournage au bout de quinze jours à cause d’un désaccord avec Burt Lancaster, l’acteur principal du film.

L’histoire du film est basée sur des faits réels. Au moment de la retraite des Allemands en août 1944, le colonel von Waldheim (interprété par l’acteur Paul Scofield) réquisitionne un train pour transporter vers l’Allemagne des œuvres d’art entreposées au musée du Jeu de paume. Paul Labiche (Burt Lancaster), ingénieur responsable du réseau ferroviaire de l’Est et chef d’un réseau de la Résistance, est chargé d’empêcher à tout prix le train de parvenir à destination. Labiche organise une habile mystification à l’échelon du réseau ferroviaire national puis, finalement, le déraillement du convoi. Les Allemands ripostent par des exécutions d’otages et mettront tout en œuvre pour faire repartir le train mais, au terme d’un combat sans merci, la Résistance aura finalement le dernier mot (*).

Sur le tournage au triage ferroviaire de Vaires, Burt Lancaster faisait preuve d’une grande courtoisie. Dans cette note (document S. Moroy), il invitait les techniciens à prendre un pot avec la production le 23 décembre 1963. En post-scriptum de ce même document, il décline poliment l’invitation de l’un d’entre eux l’invitant pour Noël. On remarquera au passage l’humour de l’acteur américain lorsqu’il évoque ses 5 enfants !

Un grand acteur et, à l’évidence, un très grand Monsieur !
Le temps d’un tournage, le film a donc rapproché une petite ville française avec la grande et mirifique Hollywood. « Le train » fait ainsi partie de ces rares films avec « Ceux du rail » (1943) et « La bataille du rail » (1945), tous deux de René Clément, qui rendent hommage à l’héroïsme des cheminots français dont beaucoup d’entre eux ont payé de leur vie leur combat contre l’occupant.

Serge Moroy

Sources : archives municipales de Vaires-sur-Marne

(*) La réalité historique : sur ordre de Goering, 148 caisses comportant notamment des œuvres d'art moderne (peintures et objets précieux), quittent le Jeu de paume à Paris. Elles seront chargées dans cinq wagons du train n° 40 044, en attente de partir pour Nikolsburg. Renseigné in extremis par la résistante Rose Valland (conservateur au musée du Jeu de paume) et les cheminots, c’est un détachement de l'armée de Leclerc qui arrêtera le 27 août 1944 à Aulnay ce train contenant le dernier convoi d’œuvres d'art pour l'Allemagne.

 

Au parc floral de Paris... Plus que quelques jours...

Les festivals du parc floral aux portes de Paris, se déroulent en plein air du samedi 15 août au mercredi 23 septembre. Rafraîchissants, riches et colorés, ils sont gratuits et se déclinent en trois volets afin de mieux séduire tous les publics.

Pestacles

Il s’agit d’un festival destiné au jeune public réunissant une programmation particulièrement exigeante, qu’elle soit musicale ou interdisciplinaire (percussions corporelles, théâtre musical, contes des temps modernes…). “Pestacles” entend ainsi faire découvrir joyeusement aux enfants l’univers foisonnant des sonorités, mais aussi celui, tout aussi florissant, des esthétiques ; suscitant leur curiosité et favorisant leur participation.

Du mercredi 19 août au mercredi 23 septembre.

Festival de jazz

L’édition 2020 de “Paris Jazz Festival” poursuit son exploration des approches multiformes du jazz actuel. Elle mettra en avant le dynamisme d’une nouvelle génération émergente de musiciens, sans sacrifier pour autant la tradition ni oublier l’influence des résonances africaines. A ce propos, elle soulignera les bienfaits du métissage, qui contribue à faire évoluer cette musique à nulle autre pareille. Ray Lema clôturera le festival avec son hommage à Franco Luambo, le père de la rumba congolaise décédé en 1989.

Du dimanche 16 août au dimanche 20 septembre. S Moroy

Voir la programmation

La planète sauvage, René Laloux

Film d’animation de René Laloux (1973)
D’après le roman de Stefan Wul, « Oms en série »
Adaptation, scénario et dialogues : René Laloux et Roland Topor
Dessins originaux : Roland Topor
Graphisme des personnages : Josef Kabrt
Graphisme des décors : Josef Vanä
Production : Les films Armorial - Paris / Service de la recherche ORTF – Paris / Ceskoslovensky Filmexport - Prague
Musique : Alain Goraguer
Studio d’enregistrement : Davout Marignan

Synopsis

Sur la planète Ygam vivent les Draags, géants de 12 mètres de haut, à la civilisation très avancée. D'une exploration spatiale, ils ont ramené les Oms qu'ils ont découverts sur une planète dévastée, et qu'ils ont adoptés comme minuscules animaux domestiques…

Tiwa, une enfant Draag, adopte un petit Om dont la mère a été tuée par des jeunes Draags qui jouaient avec elle. Baptisé Terr, il grandit en profitant des leçons que sa jeune maîtresse reçoit à l’aide d’écouteurs. Devenu adolescent, Terr réussit à s'enfuir en emportant un précieux casque d'enseignement. Il rejoint le groupe d'Oms sauvages contre lesquels les Draags lancent régulièrement des opérations de "désomisation".

S'instruisant peu à peu, les Oms sauvages réussissent à tuer un Draag ; ce qui déclencle la guerre. Terr retrouve le cimetière de fusées des Draags et réussit à gagner la planète sauvage, où il découvre le secret de la méditation de ces derniers – nécessaire à leur survie – parvenant ainsi à jeter le désarroi au sein de leurs rites sacrés.

Les Draags frappés au plus profond d’eux-même et convaincus de l'intelligence des Oms, leur accordent enfin leur estime tout en souhaitant leur collaboration. Dès lors, Terr et son peuple vivront en paix sur la Planète Sauvage, respectés des androïdes géants qui deviendront leurs amis.

Commentaire

Film d’aventure fantastique, mêlant science-fiction et philosophie optimiste de la condition humaine, La planète sauvage de René Laloux met fin au cinéma d’animation réservé à des initiés privilégiés en trouvant une bonne programmation commerciale.

Le film résulte de la collaboration de René Laloux (Les dents du singe, Les temps morts, Les escargots) et de Roland Topor (dessinateur, écrivain, Grand prix de l'humour noir).

En 1966, René Laloux conçut avec Topor un scénario adapté du roman de Stefan Wul (Oms en série). Ainsi voit le jour La planète sauvage, long-métrage d’animation réalisé en coproduction franco-tchèque, signée en 1967. Le film comporte 1073 plans et réunit toutes les exigences d’un spectacle attrayant. Sa qualité artistique démontre que la production et la distribution de films d’animation, en France, peuvent rivaliser avec le cinéma en prise de vues réelles. La réalisation mobilisa une équipe de vingt-cinq personnes durant trois ans et demie aux célèbres studios Jiri Trnka, à Prague.

L’animation emploie la technique du papier découpé et tous les décors du film ont été réalisés à l’encre. René Laloux, dans un entretien accordé à la revue Cinéma Pratique (n° 128 - Janvier 1974), déclarait que « le dessin animé sur cellulo possède de merveilleuses possibilités quant au mouvement, mais il est limité sur le plan graphique. Avec ma technique du papier découpé phase par phase, j’obtiens la même souplesse d’animation tout en bénéficiant d’une qualité graphique bien supérieure puisqu’elle restitue la beauté et le raffinement du trait et des couleurs du dessin original ! ».

Récompenses

Les dessins sont réellement superbes et l’atmosphère de ce chef-d’œuvre d’animation est tout simplement fascinante. Il fut présenté au Festival de Cannes 1973, où il obtint le Prix Spécial du Jury. Il fut ensuite couronné au Festival de Science-Fiction de Trieste puis ensuite au Festival d'Atlanta.

S. Moroy

 

 

ADIEU MONSIEUR KIRK

ADIEU MONSIEUR KIRK

Un très grand du cinéma hollywoodien nous a quittés mercredi 5 février. Il avait eu 103 ans le 9 décembre.

L’acteur américain rayonnait incontestablement dans l’univers du western aux côtés de John Wayne, Gary Cooper et James Stewart, mais j’avoue que je l’ai toujours – et de loin - préféré aux trois autres, si bons fussent-ils.

Kirk Douglas a tourné avec les plus grands réalisateurs : Howard Hawks (La captive aux yeux clairs), Anthony Mann (Les héros de Télémark), René Clément (Paris brûle-t-il ?), John Sturges (Le dernier train de Gun-Hill), Stanley Kubrick (Spartacus), Brian de Palma (Furie), Richard Fleischer (Les vikings), etc. Tous ont su mettre en valeur son immense talent, livrant à des générations entières de cinéphiles de véritables pépites cinématographiques qui restent inoubliables. En France, la voix de Kirk était doublée par Roger Rudelle, une belle voix grave et pénétrante.

Outre sa célèbre fossette et ses yeux bleus, Kirk, c’était surtout une présence, une prestance, un regard ; bref une personnalité qui crevait littéralement l’écran, sublimée par une jovialité (quand le rôle s'y prêtait) et une énergie inébranlable. Vous avez bel et bien enchanté toute ma jeunesse de cinéphile et c'est grâce à vous que j'ai fini par aimer le genre western. Très grand respect Monsieur Kirk.

Serge Moroy

Epiphanie... Quand les fèves font leur cinéma...

Dimanche 5 janvier ... c'est la fête de l'Épiphanie, une fête chrétienne qui remonte au temps des Romains. Depuis cette époque, la galette des rois comprend toujours une fève. Nombreux sont ceux qui aujourd’hui les collectionnent et ils ont bien raison car elles prennent de la valeur au fil du temps.

La fabophilie

En France, on les appelle les fabophiles. Ils seraient ainsi près de 2000 qui auraient rejoint une association et environ une vingtaine d’entre eux posséderaient plus de 30 000 modèles.

Pour les puristes, une fève ne mérite d’être collectionnée que si elle a séjourné dans une galette. Et si la fête des rois est ancienne, il faudra toutefois attendre la fin du XIXe siècle avant de voir un petit sujet en porcelaine de Saxe se substituer au traditionnel mais banal haricot jusqu’alors glissé dans la galette, juste avant sa cuisson.

Les débuts de la collection

Les premières collections débutent véritablement vers 1910-1914. Leur valeur ne cessera d’augmenter avec la hausse des prix des objets d’art, surtout dans les années 1980. Il y aura bien sûr des santons destinés à reconstituer la crèche de Noël en miniature, mais pas uniquement. Car si la tradition populaire avait jusqu’alors inspiré des fèves plates en porcelaine illustrant principalement des Guignol, Pierrot, poupon, militaire, lune, soleil, animaux ; les matériaux vont progressivement changer. Ainsi, avec l’utilisation de plus en plus généralisé du plastique, les années 1960 voient apparaître des sujets plus modernes : la locomotive, l’automobile, l’avion, le bateau, la moto…

Mais on assiste également au retour des matériaux nobles (porcelaine, terre cuite, métal) en lieu et place du plastique habituel. La fabrication échoit aux porcelainiers de l’Asie du Sud-Est, qui assurent environ 90 % de la production des fèves circulant en France.

Quelques sociétés se partagent le marché mondial de la fève. Parmi celles-ci, la société Prime, implantée à Faverney (Haute-Saône), produit entre 40 et 50 nouvelles fèves par an. Elles seront fabriquées par milliers pour être vendues aux boulangers et magasins de grande surface. Créée en 1989, la société Prime a su innover en proposant des fèves originales en trois dimensions à l’occasion des fêtes de Pâques, Halloween et Noël. Les sujets sont peints à la main et les collections sont élaborées près d’un an et demi avant la date de leur mise sur le marché.

Aujourd’hui, on peut donc dire que les collectionneurs sont gâtés tant le choix des modèles est devenu extrêmement diversifié dans les thèmes proposés. Signe tangible d’un engouement populaire jamais démenti à ce jour, il existe sur internet de nombreux sites conçus par des particuliers. Certains collectionnent toutes les fèves sans exception, tandis que d'autres ont préféré choisir une thématique bien précise et qui leur est chère.

La thématique cinéma

Le thème du cinéma constitue pour sa part entre 3 et 10 % des créations mensuelles de la société Prime, pour en revenir à l’exemple de notre société franc-comtoise. Tout dépend en fait des héros du moment et, surtout, des licences qui auront pu être négociées avec les ayants-droit (Disney, Fox, pour sa part entre 3 et 10 % des créations mensuelles de la société Prime, pour en revenir à l’exemple de notre société franc-comtoise. Tout dépend en fait des héros du moment et, surtout, des licences qui auront pu être négociées avec les ayants-droit (Disney, Fox, Dreamworks, Warner…) en ce qui concerne la fabrication des petites figurines décoratives.

Certaines fèves de chez Prime sont d’ailleurs particulièrement recherchées, comme celles créées pour la coupe du monde 1994 de football et dont la cotation avoisine actuellement le prix de revient de fabrication de l’époque, soit 1906 euros ! Et si une ancienne série de Betty Boop, l’espiègle et  sémillante héroïne de cartoons créée par les frères Fleischer en 1930, affiche une cote exceptionnelle d’une centaine d’euros, les autres restent dans des prix plus abordables, c’est-à-dire entre 25 et 40 euros.

Notoriété du grand écran oblige, on trouve bien sûr des fèves consacrées à des artistes du cinéma français et des personnages du burlesque (Chaplin, Laurel et Hardy), des héros de dessins animés (Bécassine, Félix le chat, Bambi, Babar, Dingo, Bernard et Bianca, Popeye, Winnie l’ourson, Balto...) ou encore d’animation (Kiri le clown, Shrek, Wallace et Gromit).

Quant aux super-héros et autres courageux justiciers, ils ne sont pas en reste avec Zorro, Tarzan, Spiderman, James Bond ; sans oublier des blockbusters du grand écran : Toy Story, Star Wars, Batman…

Certaines séries poussent la particularité d’avoir été éditées avec des variantes (attitude, taille, couleur, modèle), ce qui accroît d’autant leur valeur. Il existe aussi des séries limitées, ainsi que quelques prototypes. Ces derniers ont été fabriqués pendant que la licence était en cours de négociation (gain de temps industriel), alors que celle-ci ne sera finalement pas accordée au fabricant.

Serge Moroy

Vaires-sur-Marne ► Nostalgia, un film dont on se souviendra

Près de 300 personnes ont assisté, mardi 7 mai, à la projection en avant-première du film « Nostalgia » au cinéma municipal Les Variétés, à Vaires-sur-Marne.

Qu’est-ce qui pourra sauver l’amour ? Ou tout du moins ce qu’il en reste quand on a perdu l’être cher. Les nouvelles technologies, auxquelles on voue aujourd’hui un culte démesuré, pourront-elles restituer nos plus beaux souvenirs, qui sont souvent les plus intimes ?

Revivre ses plus beaux souvenirs

Nostalgia est une entreprise high-tech qui assiste les humains en leur faisant revivre virtuellement leurs meilleurs souvenirs alors qu’ils traversent des épreuves douloureuses. « On est partis d’un rêve que l’on a suivi de façon très fluide. Nous sommes férus de nouvelles technologies et on a voulu en mettre beaucoup, mais avec tout ce que cela impliquait, notamment les risques qui pouvaient en découler. Le deuil est aussi un thème que l’on a voulu aborder » a expliqué Virginie Vancina, co-scénariste du film avec Romain Pacaud, son réalisateur.

Des acteurs issus de la comédie musicale

De gauche à droite: Sophie Delmas, Maxime Lannot, Alysée Lalande et Romain Pacaud

L’association Eliott existe depuis juin 2017. Basée à Serris, elle encourage la création de projets audiovisuels et Nostalgia est son troisième film. Toute l’équipe du film était présente, mardi soir, pour la projection sur grand écran. Parmi elle, les acteurs principaux : Maxime Lannot et Alyzée Lalande, qui a déjà participé à des comédies musicales (Grease, Notre-Dame de Paris, Peau d’âne…).

Dans le film, tourné à Lagny-sur-Marne, Chessy et Serris, leur rencontre est traitée avec beaucoup de pudeur. Pour tout dialogue, le fou rire de la jeune femme répond à l’émotion du jeune homme. « La première lecture du scénario m’a immédiatement touchée par la densité des émotions et la poésie qu’il contenait : je me suis tout de suite reconnue en Marie » confie Alyzée Lalande.  

De même, la séquence de leur ballet dans la rue se veut un clin d’œil à Jacques Demy, pour lequel Romain Pacaud ne cache pas son admiration (son prochain film sera d’ailleurs une comédie musicale). « Il y a eu tellement de bonnes surprises durant le tournage que, pour moi, cette aventure restera incroyable. Le réalisateur était très ouvert aux propositions et à l’improvisation. Une relation de confiance s’est établie et j’ai apprécié ce côté cool » reconnaît pour sa part Maxime Lannot.

L’actrice Sophie Delmas incarne la présentatrice virtuelle de Nostalgia. Elle a également joué dans plusieurs comédies musicales, dont Mamma Mia, La belle et la bête, Le magicien d’Oz : « C’est l’originalité du scénario, ce sentiment de vivre une histoire qui se répète encore et encore, qui m’a séduite. Dans cette tragique histoire d’amour sur fond de science-fiction, le challenge était de donner de l’humanité, même si j’étais entre le robot et l’hologramme ».

« Nostalgia est un petit miracle »

Une partie de l’équipe sur la scène du cinéma vairois

Pour Romain Pacaud, Nostalgia, est un « petit miracle ». Il l’a tourné en format 4K grâce au crowdfunding (financement participatif sur internet), avec un budget de 2000 euros et l’implication de 152 personnes. « Vous êtes venus très nombreux pour découvrir l’histoire de Nostalgia, mon dernier moyen métrage. C’est une soirée particulière pour vous remercier puisque la plupart d’entre vous ont aidé à l’organisation de ce film, qui a pu voir le jour grâce à vous car il m’a fallu réunir un grand nombre de talents et d’énergies autour de ce projet » a-t-il avoué au public.

D’une durée de 48 minutes, son oeuvre a nécessité 98 heures d’écriture, 43 jours de préparation, 10 jours de tournage, 250 heures de travail pour la post-production sonore, 53 heures de montage, 151 heures de travail sur les effets spéciaux, une musique originale et… 387 coups de fil.

Après le succès de cette avant-première, nul doute que Nostalgia ne laissera aucun jury indifférent dans les festivals où il concourra.

Un public unanimement conquis pour cette avant-première

Résumé

Marie décède des suites d’un attentat à la terrasse d’un café. Elle attendait un bébé et s’apprêtait à l’annoncer à Raphaël, son compagnon. Depuis, ce dernier s’est retranché dans le passé pour y revivre inlassablement ses moments de bonheur avec Marie via un logiciel développé par la société Nostalgia. Mais un bug va survenir, mettant brusquement Raphaël face à un dilemme : doit-il revenir à la réalité ou se replonger dans son passé « corrigé » par la nouvelle version 2.0 que lui propose Nostalgia ?

Serge MOROY

Facebook: Eliott

Le mystère Henri Pick, David Foenkinos

LE MYSTÈRE HENRI PICK

DAVID FOENKINOS

GALLIMARD

 

En Bretagne, un bibliothécaire recueille tous les livres refusés par les éditeurs. Parmi ces manuscrits, une jeune éditrice découvre une pépite écrite par un certain Henri Pick.

Elle part à sa recherche et apprend qu’il est mort deux ans auparavant.

Mais selon sa veuve, il n’a jamais écrit autre chose que des listes de courses… Aurait-il eu une vie secrète ?

Auréolé de ce mystère, le livre de Pick aura des conséquences étonnantes sur le monde littéraire.

 

David Foenkinos est l'auteur de plusieurs romans dont "Le potentiel érotique de ma femme", "Nos séparations", "Les souvenirs" et "Je vais mieux".

"La délicatesse", paru en 2009, a obtenu dix prix littéraires et en 2011, David Foenkinos et son frère Stéphane l'ont adapté au cinéma, avec Audrey Tautou et François Damiens.

Ils ont également réalisé le film Jalouse, avec Karin Viard. En 2014, Charlotte a été couronné par les prix Renaudot et Goncourt des lycéens.

 

"Le mystère Henri Pick" est actuellement sur les écrans, réalisé par Rémi Bezançon, avec Fabrice Luchini, Camille Cottin, Alice Isaaz, Bastien Bouillon, Josiane Stoléru

 

Charlot soldat (1918)

Dans un camp militaire, de nouvelles recrues s’entraînent avant de partir en France pour la guerre. L’entraînement est épuisant pour Charlot. Aussitôt l’exercice terminé, il s’endort. Dans les tranchées, Charlot doit s’accomoder de l’insalubrité et du mal du pays, tandis que les obus pleuvent dans sa tranchée et qu’un assaut va devenir imminent…
 
En octobre 1918, Chaplin jette un pavé dans la mare avec « Charlot soldat ». Voulant répondre à ses diffamateurs avec ses propres armes, il entreprend la réalisation d’un film antimilitariste. Mais ses amis lui conseillèrent d’en différer la présentation de crainte que cette satire de la vie militaire, projetée en temps de guerre, ne soit considérée comme de très mauvais goût.

Ce film anti-héroïque dénonce l’atrocité de la guerre non par l’indignation, mais par le rire. Un tel film, qui dépeint avec autant de sincérité et de vérité, la réalité quotidienne de la guerre, a sa place à côté des chefs-d’œuvre tels que « A l’Ouest rien de nouveau » (Lewis Milestone, 1930) ou encore « Les sentiers de la gloire » (Stanley Kubrick, 1957).


La tranchée et l’abri reconstitués offrent une remarquable représentation de la réalité du front occidental. Dans les scènes de tranchées, Chaplin et Sydney, ainsi que leurs collègues s’adaptent aux conditions des lignes de feu, la vermine, la pluie, la boue, les inondations et la peur. Ces scènes exigèrent quatre semaines de tournage.

Entre-temps, la chaleur de ce plein été était devenue si intense que l’on dut arrêter le travail toute une journée. Chaplin passa quatre jours de cette vague de chaleur à suer sous son camouflage d’arbre.
Il fut d’ailleurs récompensé de sa peine puisque cette scène est l’une des plus follement surréelles et cocasses de son œuvre : envoyé en mission derrière les lignes ennemies, Charlot s’enfuit à travers une zone découverte, caché à l’intérieur d’un tronc d’arbre. A  l’approche d’une patrouille allemande, il se fige dans une immobilité feuillue, échappant ingénieusement à un soldat qui, armé d’une hache, s’apprête à le débiter en bois de chauffage. Une vision mémorable montre Charlot-arbre sautillant vers l’horizon lointain.

Une conduite d’eau à demi-enterrée découverte par hasard inspira également un autre gag comique. Charlot s’y engouffre comme un lapin et ses poursuivants croient lui attraper les jambes, mais seuls ses bottes et son camouflage en arbre – dont il s’est débarrassé comme d’une peau de serpent – leur restent entre les mains. A la suite de quoi, le gros Henry Bergman, dans le rôle d’un officier allemand, s’y engouffre à son tour et se coince dans la conduite… qu’il faudra briser pour l’en sortir.

Tout aussi inoubliable, la scène où Charlot se trouve être le seul à ne recevoir ni lettre ni colis, le jour du passage du vaguemestre. Avec un orgueil hors de propos, il refuse le gâteau que lui tend un camarade et quitte l’abri pour la tranchée où un soldat de garde est en train de lire une lettre. Charlot, penché sur son épaule, fait écho à ses émotions qui se lisent sur son visage. Car même s’il en a tiré une comédie, l’absurdité, la tragédie et le gâchis de la guerre devaient toujours dérouter et tourmenter Chaplin.

Ayant capturé treize soldats allemands, Charlot leur offre des cigarettes. Les Prussiens acceptent volontiers, mais leur officier en prend une pour la jeter aussitôt par terre. Charlot se saisit du petit homme, le couche en travers de ses genoux et le fesse solidement, correction entreprise à la plus grande joie de ses hommes. Cet esprit de camaraderie entre simples soldats dépasse la seule volonté de guerre des gouvernements et des armées.

Ce film constitue, selon moi, l'un des chefs-d'oeuvre de Chaplin et a, en tout cas, fortement contribué à son succès. Serge Moroy

Réalisation : Charles Chaplin
Titre original : Shoulder Arms (1918)
Production : First National Pictures
Avec Charles Chaplin (la recrue), Edna Purviance (la Française), Syd Chaplin (le sergent et le Kaiser), Henry Bergman, Albert Austin, Jack Wilson...

Emile Reynaud (1844- 9 janvier 1918), un précurseur de l’image animée

Thaumatrope, phénakistiscope, zootrope, praxinoscope… créés sur le principe de la persistance rétinienne (illusion optique rémanente), ces premiers jouets optiques inventés au 19^e siècle figurent en bonne place dans la première salle consacrée à la genèse du dessin animé.

C’est Emile Reynaud qui perfectionnera le théâtre optique avec une bande de dessins peints sur des carrés de gélatine. En octobre 1892, « Les aventures de Pierrot » sont projetées au musée Grévin. On parle alors de « pantomimes lumineuses » et elles précèdent l’invention du cinématographe des frères Lumière, qui verra le jour à Lyon en décembre 1895. Il faudra néanmoins attendre 1908 pour voir apparaître le premier dessin animé sur pellicule argentique : « Fantasmagorie », soit 700 dessins sur une bande de 36 cm réalisés puis photographiés par Emile Cohl, projection d’une durée de… deux minutes.
En 1919, Félix le chat, personnage espiègle de Pat Sullivan, devient la première grande star de cartoon. Mais le chat sera finalement « mangé » par la souris Mickey, née en 1928 sous le crayon inspiré de Walt Disney. S. Moroy

Charlot émigrant (1917)

Ne terminons pas l'année sans rappeler que l'exposition "L'année 1917, face à la guerre"  présentée à la bibliothèque de la Roseraie, sera visible jusqu'au 30 janvier 2018 .. venez visiter le parcours de ceux qui ont combattu pour Villevaudé à travers une chronologie de grands événements sociaux et culturels dans le domaine de la peinture, littérature, théâtre, sport, musique...

A propos du film "Charlot émigrant":

Sorti le 17 juin 1917, « Charlot émigrant » est, après « Charlot vagabond », le film qui a le plus contribué à construire le mythe de Charlot, l'anti-héros au grand cœur. Pour ce film, les méthodes de travail de Charlie Chaplin devinrent beaucoup plus exigeantes que par le passé. Ainsi, ce film de 30 minutes demanda pas moins de deux mois de tournage.

Le film commence sur un bateau d’émigrants en route pour l’Amérique. Charlot qui y est passager coule une idylle avec Edna (Edna Purviance, l'actrice fétiche de Chaplin). Emu par sa pauvreté, il lui glisse alors en cachette une partie de l’argent qu’il a gagné au jeu.

Le bateau arrive en rade de New York. Déjà, au loin, se profile la statue de la Liberté qui est le symbole de la terre de la liberté pour tous ces émigrants venus de si loin. Ceux-ci se pressent avec joie sur le pont, mais leur enthousiasme est vite freiné par des fonctionnaires du service de l’immigration qui les enferment comme du bétail.

Charlot retrouve Edna dans un café. Il vient de ramasser une pièce dans la rue et compte bien inviter la jeune femme. Mais la pièce tombe de sa poche trouée et notre héros va avoir maille à partir avec le serveur du restaurant, un colosse pas commode (Henry Bergman).

A noter que la scène qui oppose Charlot au serveur au moment de régler l’addition fut filmée plusieurs fois durant… une semaine entière ! Chaplin s’aperçut qu’il faisait fausse route. Bergman n’était pas assez effrayant à l'écran pour rendre la peur de Charlot crédible. Il annula donc une semaine entière de tournage consacrée à cette scène (ce qui était révolutionnaire à l’époque, à Hollywood) et donna enfin le rôle du serveur à l’énorme Eric Campbell, beaucoup plus inquiétant comme serveur patibulaire. 

Cette même année 1917, Bécassine participait à la guerre ..

BECASSINE, la célèbre héroïne des bandes dessinées participe à la guerre dans « BECASSINE CHEZ LES ALLIES » qui parait le 1e janvier 1917.

La loi du 4 avril 1915 avait autorisé le mariage par procuration des mobilisés. Cette loi, était censée faciliter, pour les couples séparés, la traversée de l'épreuve ; cette politique devait favoriser le bon moral du soldat .... Mais à cause de la lenteur des procédures et la mise en place des permissions, certains soldats mobilisés ont été  spectateurs de leur propre mariage !!

Certains voient ainsi dans les situations étranges que l’application de cette loi engendre un sujet de raillerie facile qui a inspiré Caumery et Pinchon :

Dans cet album,  ils mettent en scène un mariage dans lequel les deux conjoints sont représentés par des fondés de procuration et qui aboutit par erreur au mariage de Bécassine avec La Pipe, un vieux garde champêtre.

 

Le système de Ponzi au lycée Bachelard ...

Les lycéens de Gaston-Bachelard ont interprété, mercredi 3 mai, à l’auditorium de la médiathèque de Chelles, une pièce de théâtre relatant une phénoménale escroquerie financière.

Laëtitia Boisseau, professeur de français, dirige l’atelier de théâtre au lycée Gaston-Bachelard. Cette année, elle a choisi de faire jouer à ses trente-deux élèves, soit deux groupes constitués parmi les classes de première et terminale, une pièce contemporaine de David Lescot  : «  Le système de Ponzi ».

La pièce est basée sur une histoire vraie qui s’est déroulée aux États-Unis, au début du XXe siècle. « Vous avez préféré être parmi nous plutôt que devant votre télévision pour assister au débat entre Emmanuel Macron et Marine Le Pen, et vous avez eu raison. Comme pour ces présidentielles, je vous promets quand même du suspens, de l’émotion, de la joie et des larmes » a-t-elle lancé aux 235 spectateurs, essentiellement des amis et parents des lycéens.

Une escroquerie qui a inspiré Madoff

D’origine italienne, Charles Ponzi (1882-1949) a immigré à Boston (États-Unis) où il a progressivement monté une gigantesque escroquerie financière. Le subterfuge reposait sur un principe simple : les intérêts étaient payés avec l’argent frais apporté par les nouveaux clients. Il s’agissait donc avant tout d’en trouver constamment de nouveaux, d’où une inévitable spirale spéculative.

L’arnaque de Ponzi a inspiré Bernard Madoff. Le célèbre escroc américain avait en effet réussi à abuser ses clients pendant près de 40 ans, en leur garantissant 50 % d’intérêts en seulement 45 jours. La leçon de la pièce devient dès lors limpide : les sirènes racoleuses de la finance ne doivent pas être prises pour argent comptant. La crise mondiale des Subprimes (2007-2008) est d’ailleurs restée dans toutes les mémoires comme étant la meilleure et la plus cuisante des preuves.

Les élèves ont été chaleureusement ovationnés et Marie-Christine Culioli, le proviseur, a souligné « le remarquable résultat fourni par le travail de l’atelier théâtre » de son établissement.

Au sujet de la troupe

L’atelier théâtre du lycée Gaston-Bachelard se compose d’une trentaine d’élèves. Les cours ont lieu le mercredi, de 13 h 30 à 16 h 30. Pour ses mises en scène, la troupe amateur bénéficie de l’expérience de véritables comédiens professionnels dont, depuis la rentrée 2016, Sophie Bézard et Elsa Bouchain. Le répertoire retenu est résolument éclectique : il va aussi bien de Sénèque (an 4 avant J-C) à Luigi Pirandello (XXe siècle), en passant par Pierre de Marivaux (XVIIIe siècle). S Moroy

Francis Huster fait revivre Molière sur scène

Francis Huster s’est produit dimanche 6 novembre devant quelque 170 personnes réunies salle Coluche à Compans. Il leur a donné la première représentation de son nouveau spectacle ‘’De Molière à Beethoven, la passion’’, avec la complicité du pianiste Elio Di Tanna.

La langue de Molière en danger

« Tout à l’heure, en me baladant parmi vous, j’étais en colère car j’ai constaté que la salle ne compte que six jeunes de 12 à 15 ans. Je n’ai pas de mots assez forts pour condamner les minables qui, depuis la disparition de la grande époque (Malraux, Jack Lang...), ont totalement laissé le pays dans la boue alors que c’est celui de la langue de Molière. C’est honteux ! Combien vont à l’Opéra, au théâtre, ont vu Le Misanthrope ou Le Cid ? » lance Francis Huster. « Cet après-midi, c’est Beethoven qui va jouer et c’est Molière qui va s’exprimer. Vous allez entendre l’âme du cœur, avec un piano et un virtuose. Ce n’est pas une histoire d’éducation et, quand on entend ça, on ne peut pas être un terroriste ou une ordure » poursuit-il, remonté.

Mentir pour raison d’État

Molière a présenté sa première pièce, L'Etourdi, en 1655. Il a défié le pouvoir royal, le clergé et la toute-puissance des médecins. Pour ces raisons, il a été empoisonné en 1673 lors de sa représentation du Malade imaginaire. Après la création en 1680 de la Comédie Française, "sa maison", on aurait rédigé sa biographie où tout aurait été sciemment déformé. « Ce qu’on a raconté sur la vie de Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière, est un scandale qui dure depuis quatre siècles. Je vais vous dire des vérités, et probablement neuf sur dix de celles-ci vont vous sidérer. Comment a-t-on pu mentir à ce point sur Molière ? La réponse est très simple : c’est une raison d’État » poursuit l’ancien sociétaire de la Comédie française.

Réhabiliter son génie

La réhabilitation sur scène du grand auteur n’intervient qu’à partir de 1920. On la doit à des compagnies de théâtre comme celles de Louis Jouvet, Jean-Louis Barrault et Jean Vilar. « Il était grand temps que l’on découvre enfin sa vraie vie et le sens profond de son œuvre. Molière est irremplaçable, il a redonné le théâtre aux hommes ». Tartuffe reste sa pièce la plus célèbre, celle qui est la plus jouée en France mais aussi dans le monde.

Dimanche, la sonate au clair de lune, la 6^e symphonie pastorale, ou encore l’Appassionata, morceaux choisis dans l’œuvre prolifique de Beethoven, un autre grand génie, étaient interprétées au piano par Elio Di tanna. Elles ont ponctué à souhait les périodes tumultueuses de la vie de l’illustre comédien de Louis XIV relatées par Francis Huster.

Fidèle en amitié

« C’est la troisième fois que Francis Huster vient se produire à Compans où il avait d’ailleurs rôdé l’un de ses spectacles. Une belle histoire d’amitié lie donc le comédien et notre village » glisse Jean-Pierre Bernet, adjoint au maire pour les fêtes et cérémonies.

Françoise Piazza présente son livre sur Francis Huster à Joël Marion, maire de Compans.

Françoise Piazza, venue de l'Oise, près de Pierrefonds, auteur de "Francis Huster, passeur de rêves", dédicaçait à l’entrée de la salle son livre publié en 2015. « Ce n’est pas une biographie, mais plutôt un portrait subjectif réalisé à partir des témoignages de sa famille et des comédiens qui ont travaillé avec lui. Outre son contenu fouillé, l’ouvrage bénéficie d’une iconographie riche avec, bien sûr, sa participation personnelle car il avait apprécié mes précédents livres sur Juliette Gréco, Petula Clark et Silvia Monfort ». Attirée par le théâtre et la chanson, elle songe à écrire un ouvrage sur la Comédie française, au travers les témoignages de Martine Chevallier, sa doyenne, ainsi qu’une biographie sur Jacques Perrin. Moroy

Soirée théâtrale samedi 9 janvier 2016

En savoir plus

Claye-Souilly, Au film de la danse

Sur une musique de John Powell, une chorégraphie intitulée "Assassin's Tango" au cours de laquelle les danseuses s'envolent.

Spectacle du conservatoire

C’est sur le thème du cinéma que les 80 élèves des classes d’éveil, d’initiation et de danse classique et contemporaine du conservatoire ont donné, samedi 7 juin, leur traditionnel spectacle de fin de saison, à l’espace André-Malraux. Un excellent prétexte pour rendre hommage à Charlie Chaplin, dont on commémore cette année le centenaire de son premier film, mais aussi à des musiques signées par quelques grands compositeurs du 7e art, dont N.H. Brown (Chantons sous la pluie), Yann Tiersen (Amélie Poulain), Howard Shore (Le seigneur des anneaux), Bruno Coulais (Himalaya), Bob Telson (Bagdad Café)...

Une chorégraphie fraîche et colorée, non dénuée d'humour, pour accompagner la musique du Seigneur des anneaux.

Ce sont ainsi 16 tableaux originaux, chorégraphiés par leur professeur Marie-Cécile Harcouët, que les jeunes danseurs ont interprété devant une salle remplie par leurs familles et amis.

Tous des pirates pour le tableau final qui a rassemblé les élèves des classes de danse classique et contemporaine.

La musique joviale et enlevée de Pirates des Caraïbes, signée Hans Zimmer, a rassemblé tous les élèves sur la scène pour l’apothéose finale. Prochain rendez-vous, samedi 14 juin, pour le spectacle des élèves de danse modern-jazz. Comme le précédent, il se déroulera en deux fois, soit à 17 h et à 20 h 30. Si l’entrée est  libre, il est toutefois obligatoire de réserver les places auprès du conservatoire à cause de l’affluence : 01 60 26 50 84.

S. Moroy

Tournage à Meaux, un film pour comprendre la bataille de la Marne

La petite équipe au complet. De gauche à droite : Pierre Larribe, Mégane Romano, Victor Dartinet, Ugo Le Roux.

Profitant des reconstitutions historiques qui ont eu lieu, ce week-end, sur l’esplanade du musée de la Grande Guerre, Victor Dartinet, un Chellois de 23 ans, a enregistré les premières images de son film. « L’histoire me passionne, surtout la Première et Seconde Guerres mondiales. De plus, c’est d’actualité avec le centenaire de la Première Guerre et cela s’est passé dans ma région. Il s’agit d’un documentaire retraçant le début de la bataille de la Marne (du 5 au 10 septembre) qui constitue une semaine décisive durant cette guerre » explique le jeune cinéaste. Il a décroché une licence d’histoire avant d’entrer à EICAR (École internationale de création audiovisuelle et de réalisation) située à La Plaine-Saint-Denis (93) où il achève actuellement sa deuxième année, comme les membres de son équipe. Cette dernière est volontairement réduire. Elle se compose d’une assistante réalisatrice, d’un cadreur et d’un ingénieur du son. « Il y a beaucoup de secrets sur cette bataille qui n’ont pas été dévoilés. Le film entend relater des faits locaux, verser des témoignages. A cet effet, il sera essentiellement composé d’interviews, d’images du musée de la Grande Guerre de Meaux, de reconstitutions historiques et de prises de vues des alentours : Villeroy où mourut Charles Péguy durant cette bataille, Crécy-la-Chapelle… » poursuit Victor. Il contactera prochainement le SHAT (Service historique de l’armée de terre) de Vincennes (94) afin d’étayer ses recherches. Samedi, compte tenu d’une météo pluvieuse, l’équipe a tourné principalement des scènes dans le musée. Pour les reconstitutions, elle s’est assurée le concours de Jean-Christophe Ponot, président de la Société des amis du musée de la Grande Guerre, association loi 1901 créée dans la foulée de l’ouverture du musée de la Grande Guerre de Meaux, en novembre 2011. D’une durée d’environ 26 minutes, le documentaire devrait sortir à partir du 5 septembre, « de façon à coïncider avec le début de la bataille de la Marne » confie Victor qui y tient énormément. 

S. Moroy

Le pitch du film : Le 5 septembre 1914 commença la bataille de la Marne, très exactement dans la région de Meaux. Les combats ont débuté sur les grandes plaines entourant la ville de Meaux. Les Français voulaient à tout prix empêcher les Allemands d’atteindre Paris, située à 45 km d’ici. Que s’est-il passé du 5 au 10 septembre 1914 ? Quels régiments étaient impliqués ? Comment était l’ambiance sur le terrain, les relations entre soldats, entre régiments ? C’est ce que le documentaire va s’attacher à révéler. On pourra le voir en septembre sur le site www.sam2g.fr.

 Légende photo : La petite équipe au complet. De gauche à droite : Pierre Larribe, Mégane Romano, Victor Dartinet, Ugo Le Roux.

CIV, Feydeau fait rire "au théâtre dimanche"

Salle des Merisiers, une cinquantaine de Villevaudéens ont assisté à deux pièces de Georges Feydeau, brillamment enlevées par la compagnie du Casse-Tête, troupe de théâtre de Chessy créée en 2004. Fidèle à sa vocation de contribuer à l’animation culturelle du village, le CIV (Comité d’initiative de Villevaudé) était à l’origine de cette programmation dominicale. Les spectateurs n’ont pas boudé leur plaisir et ont bien ri devant les péripéties de ces vaudevilles en un acte (Un bain de ménage et Feu la mère de Madame).

Il faut dire que les comédies de mœurs écrites par Feydeau gardent toujours la faveur du public, tant elles n’ont pas leur pareil pour procurer rire et détente.

La prochaine manifestation du CIV aura lieu samedi 14 juin.

Il s’agit d’une sortie à Barbizon et Fontainebleau pour découvrir leurs trésors historiques et artistiques. Le coût de la prestation, sur la base de 30 personnes minimum, est fixé à 55 euros pour les adhérents et 63 euros pour les non-adhérents. Elle inclut visites guidées et déjeuner au restaurant. Réservations (au plus tard le 12 mai) : 06 31 09 71 49.

S. Moroy

Bataille de sortilèges sur la Montagne de Chelles

Dans les traces d’Harry Potter

Le fort de Chelles a connu ce week-end un étrange remue-ménage. Des étudiants de l’École internationale de création audiovisuelle et de réalisation (Eicar), située à La Plaine-Saint-Denis, tournaient « Warren Flamel, la malédiction de l’immortalité », court-métrage inspiré par Harry Potter.

Une partie de l'équipe pose devant le fort autour du réalisateur Quentin Berbey (au centre avec le clap).

« Le monde créé par J.K Rowling a bercé mon enfance. De plus, entre 10 et 15 ans, j’étais le sosie de l’acteur Daniel Radcliffe. Depuis longtemps, j’avais le projet de réaliser un film pour lui rendre hommage. Aujourd’hui la technologie a évolué et les effets spéciaux se sont démocratisés donnant lieu à une multitude de web films sur Harry Potter. La plupart sont américains et médiocres. L’idée m’est alors venue de faire le premier fan-film Harry Potter français, d’une durée d’environ 10 minutes, et surtout de qualité » explique Quentin Berbey, 20 ans. Le film utilisera de nombreux effets spéciaux créés en postproduction par Quentin qui dispose de solides connaissances en ce domaine. « Pour autant, le support est à base de réel. Comme je n’ai pas suffisamment de ressources pour créer les sortilèges, j’utilise la photo d’une flamme que je déforme et colorise » précise le jeune réalisateur. Après plusieurs cascades sur l’esplanade, l’équipe, composée de cinq acteurs et d’une douzaine de techniciens, s’est dirigée vers la forêt pour y enregistrer une séquence de course poursuite.

Mangemort

Warren

La pierre philosophale comme intrigue 

« Étant fan d’Harry Potter, j’ai tout de suite accepté de tourner, même si c’est un challenge pour moi car je joue une méchante. Ce rôle m’a permis de toucher autre chose que ce que je connaissais de mon jeu jusqu’alors » confie Laura Tontini, 20 ans, future comédienne. Même enthousiasme chez Nicolas D. Coiffard, 21 ans, héros du film et co-auteur du scénario avec Quentin. « La pierre philosophale influe sur le comportement de Warren, d’autant qu’elle apporte l’immortalité. C’est cette ambivalence que j’aime dans mon rôle. Le film est en quelque sorte un pont entre le premier Harry Potter et le second. Il raconte comment, à la fin du premier, la pierre philosophale a été détruite. L’intrigue se déroulera sur trois épisodes ». Nicolas se relevait à peine d’une blessure suite à une chute de balai qu’il enchaînait une poursuite dans la forêt avec deux séides du seigneur des ténèbres à ses talons.

Warren sera aidé dans sa quête par une  belle sorcière : Lobelia Odbuck (Marion Denivan).

Heureusement, Warren sera aidé par Lobelia Odbuck, une belle sorcière interprétée par Marion Denivan, 20 ans, venue de Montpellier pour être comédienne à Eicar. Le premier Warren sera visible sur le web début mars. 

S. Moroy

Plus d’infos : www.facebook.com/warrenflamel

Le pitch du film
Après les évènements survenus à l’école des sorciers, l’alchimiste Nicolas Flamel est obligé de détruire sa création ultime : la pierre philosophale. Mais le vieil homme en est incapable et se résout à déléguer cette tâche à son neveu, Warren. Le jeune homme part donc en quête de l’objet magique en mesure de détruire la pierre. Mais les forces du mal se liguent contre lui pour l’empêcher d’accomplir sa mission.

Nelson Mandela est mort le 5 décembre 2013

« J'ai dédié ma vie à la lutte pour le peuple africain. J'ai combattu la domination blanche et j'ai combattu la domination noire. J'ai chéri l'idéal d'une société démocratique et libre dans laquelle tous vivraient ensemble, dans l'harmonie, avec d'égales opportunités. C'est un idéal que j'espère atteindre et pour lequel j'espère vivre. Mais, si besoin est, c'est un idéal pour lequel je suis prêt à mourir. » - Nelson Mandela, le 20 avril 1964

Torture

 Une partie de l’équipe et les deux actrices (laura Tontini et Virginie Molina) face au parc du Château de Brou

Des scènes de « Torture » tournées dans la région

Le parc du château de Brou a servi  jeudi 12 septembre après-midi de décor pour le tournage d’un court-métrage dont l’action se passe pendant la Seconde Guerre mondiale.

Torture… c’est le titre du court-métrage d’une durée de 8 minutes, écrit et réalisé par Victor Dartinet, un Chellois de 22 ans.

Victor, à gauche, surveille une scène. A la caméra, Pierre Wittermer, et au script Mathieu Dartinet.

Etudiant à l’Ecole internationale de création audiovisuelle et de réalisation (Eicar), il a déjà réalisé en mars un spot de prévention sur les acouphènes. « Épris d’Histoire, surtout celle du 20e siècle, j’ai voulu porter le choix du thème de mon premier court-métrage sur cette période qui me passionne particulièrement. Ce film entend montrer les sacrifices auxquels étaient prêts de nombreux résistants afin de conserver des informations ayant, pour la plupart, menées à la libération nationale ». Pour mener à bien son projet, Victor a fait appel à cinq jeunes comédiens et constitué une équipe de huit techniciens, la plupart issus de son école.

Petit budget mais grande émotion 
« Même si c’est court, mon rôle fait ressortir certaines émotions et c’est toujours un exercice intéressant pour un acteur. Le petit budget du film n’enlève rien à sa qualité et il y a une très bonne ambiance sur le plateau » reconnaît Léo Lesbègue, 20 ans, héros principal du film. Car côté financement, Victor a lancé une souscription via un site participatif bien connu des internautes (Ulule). Les fonds recueillis correspondent à un quart du budget total estimé à 850 euros, sachant que la location des uniformes allemands représente près de 20 % de ce budget. Victor financera le solde avec ses deniers personnels. Grâce à l’aimable autorisation des propriétaires, le tournage a débuté jeudi 12 septembre dans le décor du parc du château de Brou.

Comme de vrais pros… qu’ils seront
Élève en 1ère année à Eicar, spécialité son, Benoît Griesbach vient de Cergy (95). « C’est au moins mon 15e tournage. Je suis aussi musicien-compositeur à l’image. Auparavant j’ai fait des écoles d’ingénieur et puis j’ai tout arrêté pour me consacrer à ma passion » confie-t-il en veillant à ne mettre sa perche-son dans le champ de la caméra Panasonic HMC. « Silence, on tourne ! Évitez de marcher sur le gravier ! » clame Romain Bonningue. En tant qu’assistant réalisateur, il ne s’occupe pas des acteurs, dont la direction est du ressort du réalisateur, mais gère l’équipe technique. « Je suis en fait le pont entre l’imaginaire et la faisabilité » reconnaît-il en esquissant un sourire.

« Ce film est pour moi un challenge »
Tel un ressort, Eloïse Martin bondit entre deux prises pour un raccord maquillage. Agée de 20 ans, élève à l’Institut technique de maquillage artistique professionnel de Paris, elle a déjà participé à quatre tournages étudiants et définit sa prestation comme un challenge. « Le plus difficile sur un tournage comme celui-ci est de travailler rapidement, c’est-à-dire qu’on me donne un minimum de temps pour faire des choses parfois assez compliquées ». Laura Tontini écoute les dernières instructions de Victor. Future comédienne, elle a tourné en juin dernier au château de Valmath, (près de Limoges) dans un court-métrage, L’homme en rouge, qui sortira le 25 septembre à Paris. La scène de son arrestation a été enregistrée à la chapelle Sainte-Bathilde, à Chelles. Laurent Cussinet, 29 ans, acteur professionnel issu de l’école de théâtre corporel Jacques-Lecoq, campe le général SS qui vient l’arrêter. « J’ai rencontré Victor sur un tournage où je jouais un rôle d’inspecteur. Victor m’a demandé d’interpréter un personnage sombre, avec une voix grave et posée qui affirme à la fois son assurance et sa détermination ». L’occasion de faire apparaître les deux uniformes allemands loués chez « Le vestiaire », magasin parisien spécialisé dans les costumes et accessoires, bien connu des réalisateurs de cinéma et de télévision. La séquence de torture, quant à elle, a été filmée dans les locaux de l’école Eicar, à La Plaine-St-Denis (93).Le film sera visible sur le site du réalisateur, mais il envisage aussi de contacter le cinéma Cosmos pour une projection destinée aux Chellois.

S. Moroy

www.vectan-production.c.la

Les deux héros du film, Léo et Jeanne, font une pause avant d'enchaîner la scène romantique au début du film

Le pitch du film
Dans la France occupée de 1940, Jeanne Arpane (Laura Tontini) mène une vie ordinaire lorsque soudain son destin bascule. Son mari Léo (Léo Lesbègue) est capturé par la gestapo lors d’une opération de sabotage. Jeanne est à son tour arrêtée par les nazis. Confronté à son mari, elle fait l’objet d’un odieux chantage de la part du général Weissmuller (Laurent Cussinet) en vue de soutirer à son époux les précieux renseignements qu’il détient.

Le château de Brou
On ignore la date de sa construction car les archives ont en partie été détruites par les Prussiens en 1870. Le pigeonnier, privilège seigneurial, daterait de 1545 mais le château a été édifié vers le milieu du 17e siècle par Paul-Esprit Feydau, intendant du roi. Il a subi des travaux tout au long du 18e siècle avant de devenir en 1844 propriété de Charles-Floréal Thiébaut, fondeur en bronze d’art à Paris. Classé monument historique en 1984, il a été mis en vente par ses propriétaires fin 2011. Claude Chabrol y a tourné un film pour la télévision, juste avant sa mort en septembre 2010.

Le général SS Weissmuller pénètre dans la chapelle Ste-Bathilde pour arrêter Jeanne venue prier pour son mari.

La chapelle Ste-Bathilde, à Chelles
L’édifice se trouve au 39 avenue de la Résistance. A l’origine, c’était une ancienne grange à bois louée par la paroisse pour l’exercice du culte. Elle reçut en 1916 le nom de chapelle Sainte-Bathilde en souvenir de celle qui vécut à Chelles au 7e siècle. L’édifice devient la propriété de l’association diocésaine de Meaux en 1983.

Tournage dans la région, un film sur le « dernier voyage »

Une scène-clé du film de Pierre a été tournée dans une chambre de la clinique de Brou-sur-Chantereine.

Séance de repérage au milieu du bois de Brou. De gauche à droite : Victor Dartinet, 22 ans, étudiant à l’école de cinéma Icart et qui a apporté son aide pour le casting des acteurs, Pierre Win et Lucas Guénand.

 

Dimanche 23 juin, 22 h 30. Une étrange effervescence règne au cœur du bois de Brou. Autour d’une carcasse de voiture, sous la lumière blafarde de phares automobiles et de deux projecteurs, Pierre Win et son équipe tournent un court-métrage de fiction.

« C’est la scène capitale du film, la plus difficile. Pour l’instant, tout se passe bien. C’est un travail collectif où chacun y trouve son compte. Mais on peut toujours avoir des imprévus… comme la pluie par exemple » confie le jeune réalisateur en installant son appareil Canon qui filmera en vidéo haute définition. Pierre a fait appel à son réseau d’amis, mais aussi au bénévolat de techniciens et acteurs professionnels pour réaliser son court-métrage financé pour partie par une subvention du Conseil général allouée aux jeunes réalisateurs. « Illusion obscure » relate le drame d’un grand blessé de la route, Victor, qui effectue son dernier voyage. Un thème cher au réalisateur, photographe de formation, qui travaille sur le projet depuis septembre dernier et dont c’est le premier film (voir l'article publié le 20 février dans La Marne).

Après avoir obtenu l’autorisation de tourner dans le bois, interdit à la circulation depuis qu’il est devenu liaison douce en février 2012, Pierre a demandé en début de soirée au Garage-Breuillois de déposer une épave de Polo Volkswagen, à mi-chemin entre Villevaudé et Brou. « Elle sera retirée demain pour ne pas gêner les promeneurs. Il se trouve que j’ai exactement la même, pratique pour le film ! » précise Lucas Guénand, assistant à la réalisation.

Un rôle surprenant mais intense. « Mardi 18 juin, nous avons tourné la scène du réveil de Victor dans une chambre de l’hôpital privé de Brou. C’était le premier jour de tournage. L’ambiance est sympa car, comme dans tous les courts-métrages, on a affaire à des passionnés, même si on n’a pas le budget et le confort d’un long-métrage professionnel » avoue Gilles Cherqui, acteur et scénariste parisien de 34 ans. « L’accident automobile est la 3e séquence du film. C’est le moment où tout bascule, où l’histoire commence. Victor m’a séduit parce que c’est un rôle fort, surprenant, et aussi parce que c’est rare d’avoir des rôles aussi intenses, même si c’est troublant d’interpréter un personnage qui perd l’usage de ses jambes » poursuit Gilles qui a joué dans la série « Platane » diffusée sur Canal+. Camille Combes, 24 ans, est venue elle aussi de Paris. Elle est entre les mains de Morgane Vandé, maquilleuse chelloise. Tout comme le conducteur, elle perdra la vie, tandis que Victor, à l’arrière, sera projeté à travers le pare-brise avant.

Pierre met du (faux) sang sur la chemise de Gilles. Ce dernier est couché sur des coussins afin de ne pas se blesser. A l'arrière-plan, dans l'obscurité, Camille grelotte de froid

« Mon rôle est court puisque je meurs au début, mais le scénario m’a beaucoup plu. Je suis toujours prête à tourner dans un maximum de films de ce genre… surtout quand la rencontre avec le réalisateur se passe bien ».

Sortie de boîte de nuit, juste avant le tragique accident. La séquence a été tournée mardi 25 juin à 23 heures près du parking Auchan, à Chelles. De gauche à droite, les comédiens Gilles, Camille et Cédric.

Actrice professionnelle, Camille a joué dans plusieurs courts-métrages dont le dernier « Intimité », de Christelle Juteau, est passé récemment au festival de Cannes. On la verra également dans « Je ne suis pas morte », long-métrage de Jean-Charles Fitoussi programmé à la Cinémathèque française pour janvier 2014.

Reproduire une fracture ouverte. Escalope et fragments d’os de volaille dans les mains, Yann Messalti, un Chellois de 25 ans, s’affaire pour reconstituer une fracture ouverte sur le bras de Camille. Yann assiste la maquilleuse qui dessine maintenant des filets de sang sur le crâne rasé de Cédric Welsch. Ce dernier incarnera le conducteur de la voiture accidentée. Guillaume lance un fumigène sous le châssis du véhicule. « Silence, moteur, action ! ». Kévin, photographe de plateau, arrête de mitrailler dès que Lucas actionne le clap. D’épaisses volutes de fumée grises enveloppent les trois victimes inanimées.

Loïc et sa perche, Guillaume au réflecteur et Pierre au cadre. Il s'est déchaussé pour ne pas que l'on entende crisser ses chaussures.

Sa perche-son tendue à bout de bras, Loïc Joyeux suit le lent travelling arrière de Pierre le long de la carcasse de métal. « En tant que professionnel, je suis défrayé pour la location du matériel, mais la prestation technique est offerte. Cela me plaît d’aider les autres » glisse le jeune ingénieur du son.

Collision frontale. Fabien Savall, Breuillois de 21 ans, ne cache pas son admiration. « Les effets spéciaux sont vraiment bluffant ! ». C’est lui le chauffard à l’origine de la collision.

Lucas prend les consignes de Pierre qui prépare la scène de la collision en travelling. Kévin déploie un projecteur led qui va éclairer la prise.

Pour la simuler, deux voitures sont accolées avant de se séparer rapidement : l’une en marche avant et l’autre en arrière. La prise de vue, accélérée et montée en sens inverse, donnera l’illusion du choc frontal. Les prises sont bonnes, Pierre se détend. Il enregistre quelques inserts (détails) dans l’habitacle de l’épave.

2 h 30 du matin. Le tournage est terminé. L’aventure se poursuivra à Chelles puis à Égreville. Enfin, courant juillet, l’équipe tournera la séquence finale dans les Côtes-d’Armor, en Bretagne. Après montage et post-production, le film sera prêt en octobre, date à laquelle Pierre promet une projection au cinéma Cosmos de Chelles avec tous les intervenants.

Serge Moroy

L'histoire du film: Après un violent accident de voiture au sortir d’une boîte de nuit, Victor se réveille à l’hôpital, paraplégique et atteint d’un traumatisme crânien qui le condamne à compter ses jours. On lui propose de subir une opération qui peut lui donner la chance de vivre, comme elle peut aussi le tuer. Face à ce dilemme, et contre toute attente, Victor choisit une autre option.

Meaux, Le guetteur de lumière, nouveau spectacle historique

Vendredi  14 juin 2013, 22 h 15, quelque 650 personnes pénètrent dans la cour de l’évêché pour prendre place dans la tribune, face au vieux chapitre, et assister à la toute première représentation du « guetteur de lumière » concocté par Dominique Martens.

Cela fait 31 ans que la Ville et l’OCAM (Office de concertation et d’animation de Meaux) retracent avec audace et panache l’histoire de la capitale de la Brie, mobilisant 500 bénévoles qui se relaient pour donner corps et âme au passé. « On a eu beau répéter, j’ai quand même le trac car c’est une grande première. Je joue plusieurs rôles : gueuse, marchande, lavandière… Le metteur en scène nous a demandé d’entrer à fond dans la peau de notre personnage tout en tenant compte des autres » confie Denise Hocquaux pour l’instant au point accueil. Le spectacle historique de Meaux, c’est pour elle une histoire de famille qui dure depuis plus de 15 ans. Sa fille Carole, 29 ans, a débuté à l’âge de 8 ans et participe maintenant en tant que danseuse. Le petit-fils de Denise, Nicolas 10 ans, joue également et a commencé à l’âge de 3 ans et demi. Avec pour prétexte la première bataille de la Marne (septembre 1914), le nouvel opus a séduit les petits comme les plus grands. « C’est très coloré, grandiose, les effets sont superbes et les scènes variées. Ma fille y joue un rôle » applaudit Michel Grandgirard à la fin de la représentation.

Trac et liesse à la fois

Même enthousiasme chez Guy et Nicole, un couple de retraités résidant à Esbly. «C’est la première fois que l’on vient au spectacle historique de Meaux. C’est très beau, original et réjouissant, avec des tableaux remarquables comme ceux des lavandières et du sculpteur de statues ». Et Guy d’ajouter : « Réjouissant aussi parce que l’on sent une véritable liesse chez les acteurs, un sentiment collectif qui déborde quelquefois et que le metteur en scène n’avait peut-être pas prévu ». Leur petite-fille, Niaouli 16 ans, interprétait la scène des épouses recevant les lettres des soldats écrites au front. A la surprise des spectateurs, elles lisent quelques lignes tout en circulant  parmi eux dans la tribune. Impression plus critique pour Pierre qui a vu tous les opus depuis « Meaux en marche vers la liberté » produit en 1984. Il avoue avoir été perturbé par quelques épisodes qui s’entremêlent sans souci de chronologie. « Pour l’instant je suis déçu. Par rapport aux précédents spectacles, il y a des temps morts entre les changements de tableaux. Et les seules scènes d’action sont celles des danseuses ». Mais Pierre admet que c’est la première représentation et que les suivantes iront en s’améliorant. Camille Chaslin, 12 ans, avoue aussi avoir eu le trac pour sa première participation, et surtout avoir été impressionnée par l’ambiance de certaines scènes. « Lorsque l’on a répété, c’était en journée et ça faisait moins peur ». Promis, Camille n’aura plus peur pour son prochain spectacle, vendredi 21 juin à 22 h 30. 

S. Moroy

L’histoire :

Septembre 1914. Augustin, personnage principal, est un jeune poilu de 20 ans chargé de guetter les mouvements de l’ennemi au loin. Du haut de sa tour, il observe les méandres d’une guerre qui n’en finit pas. Pour passer le temps, Augustin se remémore avec nostalgie ses souvenirs d’enfance ; car s’il est soldat aujourd’hui, il est avant tout un talentueux tailleur de pierres meldois. Il se rappelle chaque trésor historique de sa ville, tous les lieux qui ont accompagné son enfance : la cathédrale Saint-Etienne, le Palais Episcopal, la Chapelle et le Vieux Chapitre... L’événement le plus marquant de sa vie est sans aucun doute sa rencontre avec Jeanne, à l’âge de 10 ans à la Cité épiscopale. Depuis ce moment,  elle n’a plus jamais quitté ses pensées. Tout deux séparés par la guerre, l’un au front, l’autre à l’arrière, ne rêvent que d’une chose : se retrouver.

Prochaines représentations : Les 21-22-28-29 juin à 22 h 30. Les 6-13-20 juillet à 22 h 30. Les 30 et 31 août à 21 h 30. Les 6-7-13-14 septembre à 21 h 30. Plein tarif : 17 euros. Enfants de moins de 12 ans : 8 euros. Enfants de moins de 4 ans : gratuit. Tarif groupes : 14 euros. Renseignements et réservations : www.spectacle-meaux.fr - Tél : 01 64 33 02 26 

Ce que le jour doit à la nuit, Yasmina Khadra

CE QUE LE JOUR DOIT A LA NUIT

YASMINA KHADRA

JULLIARD

Algérie, dans les années 1930. Les champs de blés frissonnent. Dans trois jours, les moissons, le salut. Mais une triste nuit vient consumer l'espoir. Le feu. Les cendres.

Pour la première fois, le jeune Younes voit pleurer son père.
Et de pleurs, la vie de Younes ne manquera pas.

Confié à un oncle pharmacien, dans un village de l'Oranais, le jeune garçon s'intègre à la communauté pied-noire. Noue des amitiés indissolubles, françaises, juives : «les doigts de la fourche», comme on les appelle.

Et le bonheur s'appelle Emilie, une «princesse» que les jeunes gens se disputent.

Alors que l'Algérie coloniale vit ses derniers feux, dans un déchaînement de violences, de déchirures et de trahisons, les amitiés se disloquent, s'entrechoquent. Femme ou pays, l'homme ne peut jamais oublier un amour d'enfance...

Yasmina Khadra est né en Algérie. Il est l'un des écrivains francophones les plus lus au monde.
Ses romans sont traduits dans 37 pays.
Ce que le jour doit à la nuit, paru aux éditions Julliard en 2008, a été élu meilleur livre de l'année par la rédaction du magazine Lire et a obtenu le prix
France Télévisions.

Il a été adapté au cinéma par Alexandre Arcady.

«Le vrai talent de Khadra est là. Sa puissante empathie pour chaque personnage donne chair au chaos d'une époque. Son fatalisme reste, obstinément, un humanisme.»

Grégoire Leménager - Le Nouvel Observateur

Ernest et Célestine en albums et au cinéma

Trois extraits du film commentés par Benjamin Renner (Télérama)

Cinémathèque de Paris, "Les enfants du Paradis"

A travers cette exposition qui se terminera le 27 janvier 2013, la cinémathèque de Paris nous donne l'occasion de découvrir ou redécouvrir l'histoire du véritable chef d'oeuvre  de Marcel Carné "Les enfants du Paradis", film sorti en 1945, d'après un scénario et dialogues de Jacques Prévert.

Décès de Sylvia Kristel

L’actrice hollandaise Sylvia Kristel est décédée jeudi 18 octobre 2012 à l’âge de 60 ans des suites d’un cancer. Elle avait acquis une célébrité internationale grâce à son rôle de femme facile dans le premier (vrai) grand film érotique de l’histoire du cinéma. Un rôle emblématique mais piégeant, dont cette femme intelligente et belle (dans son enfance elle sauta 4 classes !) aura pourtant tenté de se défaire par la suite. En vain, l’image de sex-symbol lui collait définitivement à la peau. Bref retour sur un mythe qui a fait d'elle une véritable égérie de l'érotisme.

La saga Emmanuelle

Au début des années 70, la censure pourchasse le cinéma pornographique laissant le champ libre au cinéma érotique. Avec Emmanuelle, le film de Just Jaeckin sorti en 1974, les choses sérieuses commencent. L’érotisme s’affiche sur grand écran. Désormais, plus rien ne sera comme avant.

Résumé :

Mélodie d’amour chantait le cœur d’Emmanuelle / Qui bat cœur à corps perdu / Mélodie d’amour chantait le corps d’Emmanuelle / Qui vit corps à cœur déçu (refrain de la chanson de Pierre Bachelet).

Emmanuelle a vingt ans, elle va rejoindre son mari qui est diplomate à Bangkok. Ce jeune couple professe la liberté réciproque. Lors d’un voyage, la jeune femme se donne successivement à deux passagers de l’avion. Lorsqu’elle arrive à Bangkok, Emmanuelle fait la connaissance d’un monde frivole et perverti. Elle ne voit que des jeunes femmes européennes désœuvrées, occupant leurs journées entre les bains à la piscine, le tennis et la galanterie…

Ce film est resté dans toutes les mémoires grâce au charme de son héroïne et à la musique de Pierre Bachelet. Pourtant, lors de sa sortie, il fut censuré dans de nombreux pays et l’on venait en France pour le voir. Emmanuelle incarne un mythe érotique idéal : celui de la femme facile, sans tabou, toujours prête à toutes sortes d’expériences sexuelles. Il influencera bon nombre de réalisateurs qui se lanceront dans des réalisations médiocres pour copier le charme de l’actrice hollandaise qui restera malgré tout inégalé. Si le film a un peu vieilli, il reste l’esthétisme très ''hamiltonien'' des images, l’audace du scénario (adapté d’Emmanuelle Arsan, romancière d’origine thaïlandaise) et la beauté très sensuelle de Sylvia Kristel. Alain Cuny (1908-1994) a 66 ans et joue ici le rôle du vieil initiateur lubrique. Dans la France du milieu des années 70, le succès est fulgurant avec près de 9 millions d’entrées en salles (50 millions dans le monde) et la présence ininterrompue à l’écran sur les Champs-Elysées pendant 10 ans.

Le succès phénoménal du film appelait tout naturellement une suite. Ce fut Emmanuelle 2 de Francis Giacobetti réalisé en 1975. Toujours sous la plume d’Emmanuelle Arsan, Sylvia Kristel quitte la Thaïlande pour Hong Kong afin de rejoindre son diplomate de mari. Une autre destination exotique pour d'autres jeux érotiques. Intitulé au début L’antivierge, le film risque de peu un classement X à cause « non pas pour ce qu’il était, mais de ses intentions ». Il sort finalement sur les écrans fin janvier 1978 avec un nouveau titre, Emmanuelle 2, et… une interdiction aux moins de 18 ans afin que la morale soit sauve. A noter la présence de Laura Gemser, au top de sa beauté, qui interprète le rôle d’une masseuse et poursuivra par la suite une carrière d’Emmanuelle… beaucoup plus exotique eu égard à son origine indonésienne.

Durant l’été 1978 sort Goodbye Emmanuelle de François Leterrier, toujours avec Sylvia Kristel, encore en vacances (cette fois aux Seychelles), décidément infatigable, et toujours sous la plume inspirée de l’écrivaine Emmanuelle Arsan. Umberto Orsini est toujours à ses côtés pour poursuivre son initiation aux plaisirs et jeux de l’amour. Les paroles et la musique de la chanson du film sont signées cette fois Serge Gainsbourg.

Enfin, c’est Julia et les hommes, autre film de Sylvia Kristel réalisé par Sigi Rothemund en 1974, mais qui n’a plus rien à voir avec la saga Emmanuelle. Dans la distribution hétéroclite de ce film érotique allemand, et pour l’anecdote, on relèvera la présence de Jean-Claude Bouillon, l’inoubliable commissaire Valentin des Brigades du Tigre (série TV). S. Moroy