Bibliothèque de la Roseraie-Villevaudé

« Charlot émigrant » 1917

« Charlot émigrant » était l’un des films préférés de Charlie Chaplin. Le film raconte l’arrivée de Charlot à New York, à bord d’un paquebot bondé d’émigrés. Une chronique sociale, un mélodrame, mais aussi une comédie burlesque qui marquera le cinéma américain du XXe siècle : la longue traversée de l’Atlantique, l’espoir devant la statue de la Liberté, les fonctionnaires autorisant ou non les étrangers à fouler la terre promise…

Sorti le 17 juin 1917, « Charlot émigrant » a contribué plus que tout autre film à construire le mythe de Charlot, l’anti-héros au grand cœur. Pour le tourner, les méthodes de travail de Charlie Chaplin vont devenir beaucoup plus exigeantes que par le passé.

Le film commence sur un bateau d’émigrants en route vers l’Amérique. Charlot, passager, coule une idylle avec Edna (Edna Purviance, l'actrice fétiche de Chaplin). Emu par sa pauvreté et sa beauté, notre héros lui glisse en cachette une partie de l’argent qu’il vient alors de gagner au jeu.

Premières désillusions

Le bateau arrive à New York. Au loin, se profile la statue de la Liberté, symbole de la terre promise et de prospérité pour ces émigrants venus de si loin. Déjà, tous se pressent avec joie sur le pont quand  leur enthousiasme se trouve aussitôt refroidi par les fonctionnaires zélés du service de l’immigration, qui vont les parquer comme du bétail.

Une fois débarqué, Charlot retrouve par hasard Edna dans un café. Il a trouvé une pièce dans la rue et l’invite. Mais la pièce tombe de sa poche trouée et notre héros va du coup avoir maille à partir avec le serveur du café, un colosse totalement dépourvu d’humanité.

La perfection sinon rien

« Vingt fois sur le métier remettez votre ouvrage » disait Boileau. L’exigence de Chaplin à l’époque était telle qu’il tourna 25 000 mètres de pellicule et passa quatre jours et quatre nuits sans repos pour monter le film dans sa forme définitive. D’une durée de près de 25 minutes, sa réalisation nécessita pas moins de deux mois de tournage. Ainsi, la scène de l’addition opposant Charlot au serveur patibulaire, fut filmée plusieurs fois durant une semaine entière ! Chaplin s’aperçut en effet qu’il faisait fausse route: Henry Bergman n’était pas assez effrayant pour rendre la peur de Charlot crédible. Il annula une pleine semaine de tournage consacrée à cette scène (ce qui était révolutionnaire pour l’époque) pour donner finalement le rôle à Eric Campbell, beaucoup plus inquiétant à l’écran. 

Victime du maccarthysme

« Depuis 1840, l’Amérique symbolise l’ascension sociale où nos pionniers espèrent reconstruire leur vie sur un nouveau modèle » ai-je lu dans un magazine. Mais, l’Amérique a-t-elle vraiment été un Eldorado pour Chaplin ? Malgré son immense succès, il est permis d’en douter. Alors qu’il entreprend en 1952 un voyage avec sa famille à Londres, sa ville natale, son visa de retour est supprimé. On lui reproche ses sympathies communistes et il devient Persona non grata aux États-Unis. Frappé par tant d’ingratitude, il s’établira alors en Suisse pour y vivre les 25 dernières années de sa vie avec sa famille.

En septembre 1957, soit 40 ans plus tard, Chaplin réglera ses comptes dans « Un roi à New York », réalisé en Angleterre. Il s’agit d’une satire au vitriol du mode de vie américain, ainsi qu’une dénonciation féroce du maccarthysme et de la chasse aux sorcières dont il a lui-même été victime. Le film sera d’ailleurs interdit aux Etats-Unis jusqu’en… 1976.

Mais en avril 1972, Hollywood l’invite. Chaplin oublie alors sa rancœur et traverse l’Atlantique pour fouler à nouveau le sol du pays qui l’a tant fasciné, rendu célèbre, enrichi puis chassé.

Devant 2700 personnes, qui l’acclament debout en fredonnant la mélodie des « Temps modernes », il reçoit un Oscar spécial pour l’ensemble de son œuvre. Charlot tenait enfin sa revanche.

Serge MOROY

Federico Fellini, un grand maître du cinéma italien

Alors que « La Dolce Vita » fêtait ses 50 ans, le musée du Jeu de Paume (à Paris) proposait début 2010 de découvrir et de revisiter l’œuvre de Federico Fellini (né à Rimini en 1920, mort à Rome en 1993). L’exposition « Fellini, la grande parade » s’inscrivait en effet dans le cadre de l’événement Tutto Fellini organisé en hommage à Federico Fellini par la Cinémathèque française, l’Institut culturel italien de Paris et le musée du Jeu de Paume. Les visiteurs ont pu pénétrer dans l’univers du maestro par le biais de quatre grandes séquences : la culture populaire, Fellini à l’œuvre, la cité des femmes, l’invention biographique.

On retrouvait les thèmes chers au génial réalisateur italien : le music-hall, le cirque, la caricature, la femme, la psychanalyse et les rêves, ou encore ses relations houleuses avec les médias.

Cette expo entendait être aussi un laboratoire visuel interrogeant plus largement le 20^e siècle qui connut les premiers balbutiements du cinéma, mais aussi celui de la presse, de la télévision et de la publicité. À travers la présentation d’une sélection de photographies, d’affiches originales de films, de magazines d’époque, d’extraits de films et de dessins de Federico Fellini (véritables archives de travail), l’expo mettait en lumière la construction d’une œuvre. Elle explorait également la présence autobiographique du cinéaste dans ses films, ainsi que son obsession pour la femme, à la fois figure de l’altérité et incarnation de tous les possibles. Enfin, deux films étaient au cœur même de l’expo : La Strada et La Dolce Vita.

Avec La Strada (1954) et La Dolce Vita (1960), Fellini signe deux des chefs-d’œuvre les plus révélateurs de son cinéma. Ces deux films sont en effet les plus connus de son œuvre de cinéaste et peut-être aussi du cinéma italien tout court : "Fellini, c’est l’Italie" n’hésitait pas à déclarer le personnage du metteur en scène dans La Ricotta (1963) de Pier Paolo Pasolini.

C’est grâce à La Strada, film primé au festival de Venise en 1954 et couronné d’un oscar à Hollywood en 1956, que Fellini se fit connaître en France et rencontra un succès unanime à la fois auprès du public et de la critique. Un doublé plutôt rare… quand il est dans le bon sens. Jean de Baroncelli, l’ancien critique de cinéma du quotidien Le Monde, affirmait ‘’La Strada est comme une transfiguration du néo-réalisme. Tout y est quotidien, familier, parfaitement plausible. Cette histoire de saltimbanque a l'apparence d'un fait divers, pourtant nous sommes aux confins de l'étrange, sinon du fantastique". Jusqu’alors les personnages essentiels de l’œuvre fellinienne étaient bien souvent des êtres purs ou innocents aux prises avec la déchéance du monde, et quelquefois dominés par elle. Ses premiers films s’achevaient d’ailleurs sur une espérance (vertu théologale par excellence) à laquelle on a souvent prêté un sens religieux que les influences catholiques initiales du réalisateur ne démentaient pas a priori. La Strada doit énormément au génie de son interprète féminine, Giuletta Masina, l’épouse du cinéaste, et bien sûr à la musique tellement envoûtante de Nino Rota.

A contrario c’est un parfum de soufre qui accompagne la sortie de La Dolce Vita dont la première à lieu le 3 février 1960 en Italie. Le film sera accusé de blasphème par le Vatican (Fellini frôla l’excommunication) et interdit en Italie aux moins de 18 ans, ce qui ne l’empêchera pas de recevoir un prix au festival de Cannes en mai 1960. Ce film donnant la vision d’une société romaine, désespérément désœuvrée, a-t-elle choqué à ce point la bourgeoisie bien pensante comme la sainte église ? C’est aussi le prétexte pour Fellini de libérer son imaginaire et de faire exploser la structure narrative du récit. Ainsi les personnages du film ouvrent-ils les portes du rêve et de l’inconscient. Comme dans la majorité de ses films, le réalisateur utilise de nombreux éléments autobiographiques : jeunesse désœuvrée, rêveries adolescentes, farces de collégien, charme discret des scènes de la vie de province... On retrouve cette atmosphère puérile et nonchalante dans son autre film sorti en 1953, Les Vitelloni. La fameuse baignade d’Anita Ekberg dans la fontaine de Trévi reste gravée dans les mémoires et représente un morceau de choix dans l’anthologie fantasmatique. A noter que l’on doit à l’un des personnages de ce film (Paparazzo, l’un des photographes), l’invention du terme « Paparazzi ». S. Moroy

A LA DECOUVERTE DU CINEMA ITALIEN

SAMEDI 5 MARS 2011 A 18H 30 : de 1945 à 1978

SAMEDI 26 MARS 2011 A 18H 30: de 1979 à 2010

Découvrir le cinéma italien à travers une présentation chronologique des réalisateurs et des oeuvres les plus importants, agrémentée d'extraits de films.

Salle Planète Oxygène, public ados et adultes

Réservation obligatoire à la médiathèque de l'Orangerie

4, allée Benoist, Claye Souilly, au 01 60 26 92 10

Les séances seront animées par Christophe Champclaux

Christophe Champclaux a produit la série documentaire "Les Maîtres du regard" racontant l'âge d'or du cinéma hollywoodien. Historien de formation, réalisateur et conférencier, il a publié plusieurs ouvrages consacrés à l'histoire du cinéma.

Fantasmagorie, auditorium du Louvre

Spectacle de Fantasmagorie

Dimanche 6 mars 2011, 14 h 30 et 18 h, Auditorium du Louvre ( cliquez sur ce lien)

Dans le cadre de l’exposition et du cycle de conférences « Revenants. Images, figures et récits du retour des morts », la Cinémathèque française et le musée du Louvre présentent une reconstitution inédite du spectacle de Robertson.

« Apparitions de Spectres, Fantômes et Revenants, tels qu’ils ont dû et pu apparaître dans tous les temps, dans tous les lieux et chez tous les peuples. Expériences sur le nouveau fluide connu sous le nom de Galvanisme, dont l’application rend pour un temps le mouvement aux corps qui ont perdu la vie… »

C’est ainsi que le « physicien-aéronaute » venu de Liège, Etienne-Gaspard Robert, dit Robertson, fait réclame pour son premier spectacle de Fantasmagorie, présenté à Paris le 3 janvier 1798. Cette technique issue du perfectionnement progressif de la lanterne magique, capable d’électriser le public par des « images mouvementées » et macabres, a en fait été inventée une décennie plus tôt par un autre « fantasmagore », Paul Philidor. Robertson perfectionne cependant à un degré sans égal cet art de faire revenir les morts, mêlant dans le mouvement et le volume apparitions fantastiques ou grotesques, visions de memento mori et résurrections de personnages célèbres. Effets de surprises, dispositifs optiques, acoustiques et catoptriques, dramaturgie et pyrotechnie créent un théâtre inédit de sensations, jouant de l’engouement de l’époque pour les sujets terrifiants du Romantisme noir, avec un propos dont le caractère supposé « scientifique » suscita une certaine perplexité auprès du public d’alors.

Conception : Laurent Mannoni
Comédien : Nathan Willcocks
Bruiteur : Chaab Mahmoud
Harpiste : Aliénor Mancip
Lanternistes : Laurent Mannoni et Laure Parchomenko
Durée : 60 min. environ

Images issues des collections de la Cinémathèque française, du Centre national du cinéma et de l’image animée, du musée Gassendi de Digne-les-Bains, des collections privées de François Binétruy et Thomas Weynants

Lieu : Auditorium du Louvre

Accès : Métro : Palais-Royal / Musée du Louvre.

Entrée par la pyramide, le passage Richelieu ou les galeries du Carrousel.

Parking du Carrousel ouvert de 7 h à 23 h.

Tarifs : 8 euros, 6,50 euros (réduit), 5 euros ("solidarité"), 3 euros (tarif "jeunes")

Informations : 01 40 20 55 55 (de 9h à 19h du lundi au vendredi).

Réservations : au 01 40 20 55 00, du lundi au vendredi (sauf le mardi), de 11 h à 17 h, uniquement par carte bancaire.

Groupes scolaires et centres de loisirs : 01 40 20 50 01 ( conseillé à partir de 8 ans)

Groupes adultes (associations, comités d’entreprise…) : 01 40 20 54 55.

A la caisse de l’auditorium : du lundi au samedi (sauf le mardi) de 9 h à 17 h 30.

Sur le site de la Fnac : www.fnac.com

Le grand retour de Pierre Etaix

Collaborateur de Jacques Tati, dessinateur, musicien, cinéaste, Pierre Étaix est aussi le digne héritier des grands maîtres du burlesque américain : Chaplin, Keaton, Laurel et Hardy. Après ses débuts au cirque et music-hall, il se lance au début des années 60 dans la réalisation de films avec son ami Jean-Claude Carrière. Dix ans de collaboration donneront ainsi naissance à 5 longs-métrages et 3 courts jusqu’au moment où, suite à un incroyable imbroglio juridique, ses films disparaîtront des écrans pendant près de 20 ans. Plus de 58.000 personnes se sont émues de cette situation en signant une pétition réclamant la ressortie de son œuvre. C’est maintenant chose faite !

Endommagés par le temps et par de mauvaises conditions de stockage, les éléments originaux et de tirages étaient dégradés. Les outils photochimiques et numériques ont permis de retrouver la texture originale des images ainsi que la richesse sonore des films. Et c’est grâce à la Fondation Technicolor pour le patrimoine du cinéma (ex fondation Thomson), Studio 37 et la Fondation Groupama pour le cinéma, les deux seules à œuvrer en France en faveur du cinéma, que les films de Pierre Etaix ont pu être restaurés et édités dans ce superbe coffret regroupant l’œuvre cinématographique de cet auteur inclassable, aujourd’hui âgé de 82 ans, et unique « French Keaton », comme certains critiques aiment à le surnommer.

Les longs-métrages
- Le soupirant (1962) – N & B – 83 mn – Prix Louis Delluc 1963 – Prix du film comique de Moscou 1963 – Grand prix du festival international d’Acapulco 1963.

Un jeune homme d’excellente famille part à la recherche d’une épouse. Pas si simple…

- Yoyo (1964) – N & B – 96 mn – Grand prix de la jeunesse du festival international de Cannes 1965 – Grand prix OCIC festival international de Venise 1965.

Un châtelain est amoureux d’une écuyère… Pierre Etaix rend ici un magnifique hommage à ce qu’il aime le plus : le cirque. 

- Tant qu’on a la santé (1966) – N & B – 80 mn – Film en 4 actes (Insomnie / Le cinéma / Tant qu’on a la santé / Nous n’irons plus au bois) – Sirène d’argent au festival international de Sorrente – Concha d’argent au festival international de San Sebastian.

 

- Le grand amour (1969) – N & B – 87 mn – Avec Annie Fratellini et Nicole Calfan - Grand prix du cinéma français - Prix de l’Office catholique au festival de Cannes – Prix d’interprétation au festival international de Panama.

 

- Pays de Cocagne (1969)- N & B – 74 mn.
Quand Pierre Etaix filme la France en vacances au lendemain de mai 1968. Tour de France cycliste, caravane publicitaire, radio-crochet dans les villes, scènes de plage, interviews des jeunes… Entre humour et dérision, moments choisis sur un visage insolite de notre beau pays de France. On n’en sort pas indemne. Reste à savoir s’il faut-en rire ou bien en pleurer…

 

Les courts-métrages

- Rupture (1961) – N & B – 11 minutes – Prix FIPRESCI Mannheim 1961 – Grand prix festival Oberhausen 1961.

Un homme reçoit une lettre de rupture de sa fiancée. Quelle sera sa réaction ?

- Heureux anniversaire (1962) – N & B – 12 mn – Oscar à Hollywood en 1963 – Grand prix du festival Oberhausen 1962 – Prix Simone Dubreuilh à Mannheim 1962 – Meilleur film de court-métrage British Film Academy London 1963 – Mention spéciale à la semaine internationale des films à Viennes 1963.

Une jeune femme attend son mari afin de fêter leur anniversaire de mariage. C’est sans compter sur les imprévus de la circulation parisienne…

- En pleine forme (1965-1971) – N & B – 14 mn.

Les joies du camping en pleine nature s’avèrent finalement emplies de mauvaises surprises…

Les compléments du DVD

- Pierre Etaix, naturellement – Documentaire d’Odile Etaix (2010) – Couleur – 30 mn
- L’île aux fleurs – Documentaire de Jorge Furtago (1989) – Couleur – 12 mn
- Le cauchemar de Méliès – Réalisation vidéo de Pierre Etaix (1988)- Couleur – 4 mn - Avec Christophe Malavoy – Musique originale de Stéphane Grappelli.
- La grosse tête - Livret de 112 pages conçu par Pierre Etaix et contenant des documents d’archives : photos, dessins, sculptures, textes, dont une rédaction de Pierre Etaix datant de 1940 (classe de 5e) très émouvante. Le sujet était « Que voulez-vous faire plus tard ? » et Etaix de répondre : « Je veux être clown pour m’amuser en amusant les autres ».

S. Moroy

L’intégrale de Pierre Etaix – Coffret 5 DVD – DVID Zone 2 – Pal. 5  – Prix 48 euros (prix public moins cher constaté).

Dogora, Etienne Perruchon, Concert contre le cancer à Meaux

Salle comble au théâtre Luxembourg dimanche 21 novembre après-midi pour le concert donné au profit des malades du Nord Seine-et-Marne atteints du cancer …

Oeuvre contemporaine d’Etienne Perruchon, "Dogora" est un aussi un concentré de notre monde car dans cette œuvre il y a la vie, la mort, la tristesse de l’éloignement, la joie des retrouvailles, la mélancolie, la haine, la violence, la guerre. Vous ne comprendrez pas les paroles, mais vous ne pourrez pas rester insensibles à ce que vous allez entendre. Ouvrez vos yeux, vos oreilles, votre cœur et laissez-vous porter par la musique. Partageons ensemble ces instants uniques qui permettent aux hommes grâce à quelques notes de musique d’oublier momentanément leurs peines et leurs souffrances » a annoncé Marie-Hélène Caspar, présidente du Festival de musique de Claye-Souilly et chef du Chœur Odyssées, au début de ce concert exceptionnel réunissant 235 choristes des chorales de Seine-et-Marne et 80 musiciens de l’orchestre symphonique du Val-Maubuée.

Etienne Perruchon déclarait dans une interview le 16 juin dernier à Annecy : « Quand j’écris une œuvre comme Dogora ou Tchikidan, je n’ai pas d’idée préalable sur l’effet qu’elle doit avoir sur les gens. J’invente juste la musique que j’aime entendre et je constate ce qui se passe. Bien sûr, je me rends compte de ce que cela provoque et je ne tourne pas le dos à cela. J’essaie simplement de comprendre et d’accompagner les effets collatéraux de ma musique en toute humilité ».

Et le rêve devint réalité

« Un jour, j’ai découvert sur Radio-Classique l’œuvre d’Etienne Perruchon, Dogora, et à l’instar du cinéaste Patrice Leconte et de beaucoup d’autres, je fus subjuguée par cette musique fascinante, obsédante, tour à tour douce et violente, musique comparable à nulle autre. Produire un concert Dogora devint à ce moment-là pour moi un rêve. Mais Dogora nécessitait non seulement un orchestre symphonique, mais également la participation de centaines de choristes, enfants et adultes, ainsi que de solistes. Seules les villes d’une certaine importance avaient déjà pu mettre en place ce type de spectacle » reconnaissait Marie-Hélène Caspar. Sa rencontre avec Véronique Audoli, directrice du Conservatoire du Val-Maubuée, Jean-Michel Henry, chef de l’orchestre symphonique du Val-Maubuée, et Francine Desmarchelier, présidente de l’AVACS (Association « Vaincre le cancer solidairement »), a permis de monter ce projet grandiose de rassembler au bénéfice d’une grande cause huit chorales (*) avec l’orchestre symphonique du Val-Maubuée.

« L’AVACS avec ce concert clôt l’année anniversaire de ses 10 ans. Elle a été créée par des malades pour venir en aide aux autres malades » a ajouté Francine Desmarchelier. Son association, dont le siège est à la clinique Saint-Faron de Mareuil-les-Meaux, vise l’amélioration du confort des malades, leur accompagnement et le soutien du programme « Apprendre à vivre avec le cancer ». Dans le cadre de son action, l’AVACS a mis en place six ateliers de retour au bien-être qui sont gratuits pour les malades.

Des frissons à l’unisson...

Dès que les chants dogoriens ont résonné dans l’espace du théâtre sous la direction de Jean-Michel Henry, ils ont envoûté par leur beauté et leur puissance émotionnelle les quelques 600 spectateurs. Une musique de douceur et de tempête, une ode flamboyante à la vie. Les compliments ont fusé à la fin du spectacle. « C’était magnifique, j’ai eu des frissons dès le début, au tout premier chant » a avoué Yvette Gilardin venue de Chelles pour le concert. « Je ne connaissais pas Dogora. J’ai beaucoup apprécié cette langue imaginaire qu’est le dogorien avec ses consonances slaves et j’ai envie d’en savoir un peu plus sur cette oeuvre » déclarait pour sa part Bernard, un Meldois solidaire de la lutte contre le cancer.

Un prochain concert aura lieu dimanche 30 janvier 2011 à 16 heures au centre culturel Jacques-Prévert à Villeparisis. Il sera donné au profit de l’association « Le rire médecin : de vrais clowns à l’hôpital » dont la marraine est l’actrice Anny Duperey. S. Moroy

(*) l’ACVM de Noisiel, la chorale des enfants du Conservatoire du Val-Maubuée, la chorale des enfants de la Maîtrise Sainte-Marie (Meaux), la chorale des enfants du Conservatoire de Claye-Souilly, Chant’Annet (Annet-sur-Marne), Chœur Odyssées (Claye-Souilly), Petit Chœur du Grand-Morin (Villiers-sur-Morin) et Vocalizes (Lizy-sur-Ourcq),

Plus d’infos sur Dogora : festivalclaye.over-blog.com
Plus d’infos sur l’AVACS : www.avacs.fr

Semaine de l'énergie: Réchauffement climatique

« The Age of Stupid »… pas si stupide !

Il y eut l’âge de pierre, de bronze, du fer et puis, en 2008… l’âge de la stupidité. Près de 80 spectateurs ont assisté mardi 28 septembre à la projection-débat du film « The Age of Stupid »… annoncée dans la note du 26 septembre.                       

Pour fêter la semaine de l’énergie, l’Espace Info-Énergie de Marne-et-Chantereine organisait au cinéma Cosmos de Chelles la projection du documentaire d’anticipation britannique réalisé par Franny Armstrong. ( ci contre: Jérémy Dieulot, chargé de Développement Local)

Sorti en septembre 2009, avant la conférence de Copenhague sur le réchauffement climatique qui s’est tenue durant la première quinzaine de décembre, « The Age of Stupid » eut un succès retentissant, à l’égal du film « Home » sorti la même année, mais dans un registre très différent.

En l’an 2055, un homme (l’acteur Pete Postlethwaite) se retrouve seul sur la terre dévastée. En consultant des documents filmés de 2008, il va tenter de comprendre pourquoi nous n’avons pas agi quant il était encore temps. Les témoignages sélectionnés dressent vite un constat édifiant, terrible et accablant. L’escalade infernale de la surconsommation, le déséquilibre chronique entre pays riches et pauvres, la non-répartition des fruits de la croissance ne s’infléchiront pas. Il est avéré que le réchauffement climatique a des effets néfastes pour l’homme et sa planète. La solution idéale serait de réduire ces gaz nocifs de 50 % d’ici à 2050. Pas si simple dès lors que s’ajoutent des problèmes liés à la qualité de vie de chacun et présents de façon inégale selon les pays et régions (inondations, tempêtes, accroissement du trafic aérien et routier, accumulation des déchets, déforestation, pollution industrielle). Les scientifiques prévoient une augmentation de la température de 1 à 6 degrés sur terre entre 2000 et 2100 si l’émission de gaz à effet de serre se poursuit. Le degré 6 serait, selon Mark Lynas, le seuil à ne pas atteindre car catastrophique pour la terre et ses écosystèmes.

Dans le film, il n’y a pas – il n’y a plus –  d’espoir. D’ailleurs, comme le souligne à la fin l’unique survivant : « Méritions-nous finalement d’être sauvés ? ».

 Lutter au quotidien 

 

Le débat s’est déroulé avec Christian de Perthuis - au centre sur la photo -  professeur d’économie à l’université Paris-Dauphine et auteur de « Et pour quelques degrés de plus » (paru chez Pearson Education en 2009), Philippe Quirion - à droite - membre du réseau Action Climat et chercheur au CNRS (Centre National de la Recherche Scientifique) et Paul Brunel - à gauche - chargé de mission énergie climat pour WWF (World Wildelife Fund).

Si les questions des participants ont inévitablement reflété leur inquiétude, elles ont aussi révélé une réflexion teintée de pragmatisme : la plupart adoptant déjà des règles au quotidien pour limiter l’ampleur du problème à leur échelle.

Ce réflexe éco-citoyen fera-t-il école ?

S. Moroy

Contact:

Espace INFO->ENERGIE Marne-et-Chantereine, Maison de l'Artisanat et de l'Habitat Ecologique

31, avenue de la Résistance 77500 Chelles
Tél: 01 64 72 11 73
Mail : [email protected]

The age of stupid, Franny Armstrong

L'Espace Info Énergie  de Marne et Chantereine organise une projection-débat le 28 Septembre 2010 à 20H30 au Cinéma Cosmos à Chelles :

Film « The age of stupid », de Franny Armstrong, 2009.

Synopsis : En 2055, l’unique survivant sur Terre se demande pourquoi nous n’avons pas agi pendant qu’il était encore temps.

Projection suivie d’un débat en réaction au film, avec la présence de : 
 - Christian De Perthuis, professeur d'économie à l'Université Paris-Dauphine, auteur de "Et pour quelques degrés de plus".
 - Philippe Quirion, chargé de recherche au CIRED (Centre International de Recherche sur l'Environnement et le Développement) et membre du Réseau Action Climat.
 - Paul Brunel chargé de mission Énergie Climat pour WWF.

Entrée libre sous réserve des places disponibles.

Contact :
Espace INFO->ENERGIE Marne-et-Chantereine
Tél: 01 64 72 11 73
Mail : [email protected]

5e Festival de Musique de Claye Souilly

 

Le festival de Musique de Claye-Souilly existe depuis cinq ans seulement. Mais que de chemin parcouru depuis !

En cinq ans, des orchestres ou des ensembles venus parfois de très loin ont régalé de leurs sonorités et de leurs musiques exotiques le public clayois: l'Orchestre National de Shanghai, le Choeur de la Radio et de la Télévision de Mongolie intérieure chinoise, le Duo Wang, l'Ensemble Subboteya de St-Pétersbourg, l'Ensemble Klapa Šufit de Split, les Cosaques de Kouban, etc.

A ces artistes se sont joints les professeurs du Conservatoire de Claye-Souilly et le Choeur « Odyssées » dirigé par Marie-Hélène Caspar qui se sont produits régulièrement à l'Espace Malraux pour partager ce quelque chose d'ineffable, d'irremplaçable et d'indispensable qu'est la musique.

Cette année encore, pour la cinquième édition, trois concerts de styles différents furent proposés.

Que dire du concert inaugural (vendredi 26 mars) qui fit presque salle comble ? Que ce fut un feu d'artifice de musiques du monde où tous les continents étaient réunis: Amérique (du Nord et du Sud), Asie (Japon et Chine), Europe. Guitare, harpe, percussions, piano vinrent tour à tour accompagner la voix de Sanaé Rodière (soprano) et celles des choristes d'« Odyssées » tandis qu'en deuxième partie, les Cosaques de Kouban enflammèrent la salle en enchaînant les airs, plus entraînants les uns que les autres, jusqu'au fameux « Kalinka » repris en choeur par la foule…

Soirée inoubliable qui fit place, le lendemain samedi 27 mars, à un plus grand recueillement autour d'un chef d'oeuvre musical, malheureusement peu interprété de nos jours : le « Requiem » de Luigi Cherubini interprété magistralement par l'Ensemble Vocal Philippe Caillard, maître du chant choral français.

Dimanche 28 mars, le troisième concert se devait de clore en beauté ce festival éclectique. Le Quintette de cuivres « Magnifica » réussit ce pari dans un programme où la dextérité, la finesse de l'interprétation, la musicalité, la joie de vibrer en harmonie firent des merveilles. A l'honneur des grands compositeurs : Bach, Caccini, Mozart (avec le Choeur « Odyssées » et un très beau solo de Sanaé Rodière dans l'Ave Maria de Caccini) mais aussi Haendel, Gounod, Böhme, Williams, Chostakovith (la fameuse valse) ou encore le contemporain Marc Mir dans une « Suite celtique » qui fut très appréciée du public.

Après les remerciements d'usage, notamment aux partenaires qui contribuèrent à pérenniser cet événement, et à l'équipe technique de l'espace Malraux, le festival s'est achevé dans la bonne humeur avec l'espoir que la 6e édition soit tout aussi festive et agréable. Tel est d'ores et déjà le souhait des organisateurs.

Prochains rendez-vous du Choeur « Odyssées » :

-        le 12 juin à 20 h 30 (église de Messy) : concert avec le « Choeur de Nath »

-        le 20 juin (église de Claye-Souilly) avec la chorale de l'IUFM de Livry-Gargan (Fête de la Musique)

-        le 21 novembre à 16 h (Théâtre Luxembourg de Meaux : grand concert pour les malades du cancer (« Dogora » d'Etienne Perruchon – 200 choristes – solistes – Orchestre symphonique du Val Maubuée sous la direction de Jean-Michel Henry).

Informations complètes et actualisées sur le Blog du festival: www.festivalclaye.over-blog.com

Jean Sébastien Baye, un peintre en quête de Paix

 

Jean-Sébastien Baye est un peintre clayois de 37 ans. Dans son atelier de Bois Fleuri, il exprime sa quête de sérénité dans une peinture moderne et abstraite qu’il définit comme une « peinture du ressenti, du cœur et de l’âme ».

Rencontre…

Après des études supérieures d’arts appliqués, Jean-Sébastien Baye entre en décembre 1998 au musée du Louvre dont les collections sur l’Antiquité et la peinture française le fascinent tout autant qu’elles nourrissent sa propre démarche artistique. Il y fait la rencontre d’une étudiante chinoise des Beaux-arts de Paris qui deviendra son épouse. Un voyage en Chine en 2002 le conforte dans ce qu’il pressentait déjà : un besoin impérieux de sérénité. Dès lors, il n’aura de cesse d’expérimenter différents styles et techniques afin de tendre vers cette « nécessité intérieure » comme se plaisait à la définir Kandinsky. A la faveur d’un voyage à Shanghai en 2004, il réalise ses premières toiles dans un style abstrait et approfondit ses connaissances sur le milieu artistique contemporain chinois. De retour en France, il reprend son travail au Louvre et aborde parallèlement son thème qu’il nomme « A(bs)traction » et dans lequel « la couleur se suffit à elle-même puisqu’elle est magnétique ». Habité par une vocation (et non une passion), le peintre se considère plus comme « artisan » que comme un « artiste ». Ses œuvres exposées en décembre 2006 à la 12e Foire International d’Art Contemporain de Canton lui valent d’être reconnu et de figurer dans différentes galeries chinoises.

Pour consulter le site de Jean Sébastien Baye, cliquez sur ce lien

La concordance des sens

La couleur est traductrice des émotions de l’âme. Elle peut aussi bien évoquer la fureur que la quiétude… toute la dualité de l’être humain. « Je travaille avec la concordance des sens, c’est-à-dire les liens qui unissent les cinq sens. Une couleur possède ainsi un parfum, un goût, un son, un toucher particulier et, bien sûr, un esthétisme visuel qui lui est propre. J’utilise aussi beaucoup le symbolisme et la chromothérapie ». Chez Jean-Sébastien Baye, vive ou nuancée, s’étalant sur des toiles de un mètre sur un mètre (le « format parfait » selon lui) avec des médiums comme l’acrylique, les pigments, les matériaux (chanvre, sable, thé, café, curry, sable, etc.), la couleur transcende sa sensibilité et révèle son identité intérieure : celle d’un pacifiste inspiré et déterminé.

Un militant de la Paix

Début 2007 son travail sur « A(bs)traction » prend une tournure de plus en plus spirituelle. L’artiste est en recherche perpétuelle de Paix. La paix intérieure, bien sûr, celle nécessaire à notre équilibre, mais aussi la Paix universelle, celle vers laquelle tout homme doit tendre… Sa peinture devient messianique, délivrant un appel à la Paix en trois langues (arabe, hébraïque et latine) gravé au cœur même de ses toiles. « Le fossé entre chrétiens, juifs et musulmans ne cesse de se creuser. De part ma conviction chrétienne, le conflit en Palestine me touche beaucoup. J’ai donc choisi de mettre en valeur ces trois écritures qui se ressemblent et doivent coexister car nous n’avons pas d’autre choix que de nous aimer ».

« Rejoindre la couleur pure, le céleste »

La naissance de sa fille  en avril 2007 lui apporte une période de repos dont sa peinture va bénéficier sous forme de renaissance et d’apaisement. Depuis cet heureux évènement, Jean-Sébastien Baye est retourné en Chine pour exposer à Canton, a effectué un voyage au Maroc sur les pas d’Eugène Delacroix qu’il admire, et participé à plusieurs salons en région parisienne. « A(bs)traction » a été exposé à Meaux en mai 2009 (Eclats d’Arts) et à Claye-Souilly en octobre 2009 (salle Planète Oxygène). Aujourd’hui le peintre cherche un galeriste sur Paris ou dans la région et envisage de « varier la subtilité des couleurs afin de faire évoluer son style ». A l’instar de Rothko ou d’Olivier Debré, il tend vers la simplicité des formes et la pureté des couleurs apanage du  Divin. Sa peinture n’a donc pas fini de rayonner. « La paix est le seul combat qui vaille d’être mené » disait Albert Camus.

Légende des photos:

«  La couleur c’est aussi un voyage au cœur de l’Orient et de ses mystères, tout autant qu’un voyage intérieur »

Jean-Sébastien Baye devant l’une de ses œuvres intitulée « Palestine »

Un message de Paix gravé en 3 langues au cœur de ses toiles

S. Moroy

Le Pin, 13 février 2010: Jean Claude Blahat chante Brassens

Le 13 février 2010 à 20h30,

Salle polyvalente, LE PIN

Réservation spectacle au 06 87 49 18 00

Jean Claude Blahat a 23 ans, en 1967, lorsqu'il fait connaissance de Georges Brassens dans sa loge de l'Olympia grâce à Boby Lapointe dont il est à l'époque le pianiste.Une amitié s'installe alors dont témoignent ces deux heures de récital.

Depuis1999 qu'il perpétue le répertoire, Jean Claude Blahat est un chanteur à part dans le paysage "brassenien". Accompagné par Alix Merckx à la contrebasse, il feuillette le grand livre du poète avec des incontournables "les copains d'abord", "les bancs publics", "Brave Margot", "les passantes", Quatre-vingt-quinze fois sur cent", Auprès de mon arbre", "Dans l'eau de la claire fontaine", et des inédits qu'il a mis en musique, "le fidèle absolu", "Je bivouaque au pays de Cocagne","L'inestimable sceau","Les croque-morts améliorés".

Avec Jean Claude Blahat, on ne va pas à un concert: on va à la rencontre du plus respectueux des interprètes du Maître. Isabelle Crochard

Photo, laurent Prouteau

L'affaire Seznec, au théâtre de Paris

L'affaire Seznec a toujours intrigué puisque depuis 1923 elle défraie la chronique judiciaire française. Portée à l'écran en 1992 par Yves Boisset avec Christophe Malavoy, cette histoire a également donné lieu à de nombreux ouvrages. Cette fois-ci, c'est Robert Hossein qui a choisi de faire vivre une nouvelle fois Guillaume Seznec, mais au théâtre, à travers une pièce où les spectateurs auront leur mot à dire sur ce procès.
Souvenez-vous, Guillaume Seznec est né en 1878, à Plomodiern, dans le Finistère. Maître de scierie à Morlaix, il a été reconnu coupable de faux en écriture privée et du meurtre d'un marchand de bois : Pierre Quéméneur, un conseiller général du Finistère. Ce dernier a étrangement disparu dans la nuit du 25 au 26 mai 1923, au cours d'un voyage d'affaires effectué de la Bretagne à Paris. Il se trouve que Pierre Quéméneur était en compagnie de Guillaume Seznec lors de ce voyage. Étrangement, le corps n'a jamais été retrouvé. Mais étant la dernière personne à avoir vu Quéméneur vivant, Seznec devient immédiatement le principal suspect. Il est très vite arrêté.
Au cours de son procès, près de 120 témoins furent entendus pendant 8 jours. Il prit fin le 4 novembre 1924. Verdict? Seznec est reconnu coupable et condamné aux travaux forcés à perpétuité. En 1927, il est conduit au camp de la Transportation de Saint Laurent-du-Maroni puis transféré au bagne des Îles du Salut en Guyane Française en 1928.
Seznec rentre enfin au Pays en 1948. 5 ans plus tard, il est renversé par une camionnette qui prend la fuite. Il meurt le 13 février 1954 des suites de ses blessures.
Durant tout son procès et pendant les années qui lui restent à vivre, Seznec ne cessa de clamer son innocence. Pendant plusieurs années, ses descendants, et notamment son petit-fils, ont sollicité la justice pour rouvrir le dossier, afin de le blanchir des accusations portées contre lui et obtenir sa réhabilitation. Quatorze demandes ont été examinées par la justice et ont été rejetées.
Au travers de la pièce interactive « L'affaire Seznec », le réalisateur Robert Hossein vous invite à assister au procès de Guillaume Seznec, tel qu'il a eu lieu à Quimper en octobre 1924. Est-il coupable? Est-il innocent? À vous, spectateurs, de décider en votant tous les soirs au théâtre de Paris. Vous suivrez minute par minute cette affaire. Vous aurez la possibilité de vous mettre dans la peau des jurés en rendant votre verdict. Après délibération, le président du jury annoncera le verdict de l'époque, puis les jurés feront connaître le leur.
L'occasion de donner votre avis sur cette enquête, de vivre le temps d'un spectacle ce véritable procès qui a longtemps divisé la France en deux et qui passionne encore les foules.

A noter que Robert Hossein mettra en scène deux autres pièces interactives retraçant deux autres affaires : L'affaire Dominici et L'affaire Weber.
S.Moroy

L'Affaire Seznec : une pièce réalisée et présentée par Robert Hossein

Du 26 janvier 2010 au 24 avril 2010. Au théâtre de Paris, Du mardi au samedi à 20h30

 

Durée du spectacle : 2 h 00 avec entracte.

Archives secrètes du cinéma français (1945-1975)

ARCHIVES SECRETES DU CINEMA FRANCAIS (1945-1975)

PUF

Cet ouvrage paru le 6 mai aux éditions PUF (Presses Universitaires de France) révèle la première étude sur les archives de la censure cinématographique en France pour la période 1945 à 1975, une période communément appelée « les trente glorieuses ».

« Vous vous débrouillez mais ce film ne sort pas, c’est un ordre ! » (Dixit le Général de Gaulle à son ministre Alain Peyrefitte en 1965 à propos du film « La religieuse » de Jacques Rivette).
1966 – Quatorze membres sur vingt-trois de la Commission de contrôle des films votent en faveur de la délivrance du visa d’exploitation du film. Yvon Bourges, alors secrétaire d’Etat à l’information, décide pourtant de son interdiction, ce qui créera un scandale et une énorme mobilisation dans les milieux culturels et politiques.
1967 – Le film repasse en commission. Il est finalement autorisé à sortir.

Voici donc la première histoire contemporaine de la censure cinématographique en France. Et il était temps de lever le voile sur cette institution de l’ombre. L’ouvrage de Laurent Garreau (philosophe et historien de formation, archiviste au service audiovisuel du Centre National de Documentation Pédagogique) résulte d’une thèse de doctorat. Le lecteur pourra y découvrir les mobiles et décisions justifiant les interdictions, coupures et classifications de films aussi célèbres que, entre autres, « Le petit monde de Don Camillo » (1952), « Belle de jour » (1967), « Le dernier tango à Paris » (1972). On pourra ainsi juger du bien-fondé des motivations des fonctionnaires en charge de la bonne garde de nos mœurs et de la cohésion de notre identité culturelle. Grâce à de nombreux exemples et témoignages, on découvrira combien la commission de contrôle des films reflète les évolutions de notre société depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale jusqu’à la fin des trente glorieuses, cette période véritablement bénie pour la France (boom social et prospérité économique sans précédent). Les sources utilisées proviennent de documents inédits que l’auteur a pu consulter auprès du CNC dans le cadre de son travail universitaire : archives des comités d’épuration, des autorités coloniales et de la commission de contrôle. Tout au long de ces trente années, ces documents révèlent les multiples facettes de la censure et la vigilante attention portée sur les films par une administration soucieuse de surveiller la production cinématographique nationale. Une administration sourcilleuse qui avait bien compris que le cinéma était devenu un art extrêmement populaire, détenteur d’une force extraordinaire de persuasion, jusqu’alors inégalée par les autres formes d’expression. Laurent Garreau analyse de façon détaillée la fonction politique en même temps que le rôle moral de la censure, laquelle aura bien évidemment des effets sur le contenu de la production cinématographique à venir. On comprendra enfin comment, par les effets des interdictions qu’elle décide et recommande, la censure incite les producteurs à proposer un cinéma de « pur divertissement ». Egalement  par quels biais des négociations entre censeurs et producteurs ont pu finalement s’établir pour façonner, progressivement, ce qui allait devenir sous la Ve République le cinéma français, européen et international que l’on connaît aujourd’hui.

Ce livre, dont le récit est « juridiquement impeccable et culturellement passionnant » comme le souligne dans la préface Jacques Rigaud (administrateur de l'INA et de l'établissement public du Musée du Louvre), nous amène jusqu’au moment où le contrôle de la censure devient archaïque, voire totalement déplacé. Autres temps, autres mœurs. Sa lecture constituera un excellent complément au livre d’Edouard Sablier (La télé du général) paru en 2000 et à celui, dans un tout autre genre, d’Ignacio Ramonet (Propagandes silencieuses) paru fin 2002. « Qui ne sait que les loups doucereux de tous les loups sont les plus dangereux » déclarait Charles Perrault.             Serge MOROY

Archives secrètes du cinéma français 1945-1975 - Laurent Garreau – 352 pages - Editeur : PUF / Collection : Perspectives Critiques – Parution : mai 2009 – ISBN : 2130574866 – Prix public relevé : 19,95 € (FNAC).

Disponible à la bibliothèque de la Roseraie

Théâtre à Charny: Le coupable est dans la salle

Lors du Marché de Noël de l'Atelier Créatif au Mille Club, on a pu voir l'affiche sur le stand d'une exposante et aussi comédienne de La Compagnie de la Dandinière.

Le coupable est dans la salle 

Dimanche 6 décembre à 15h30, sur l’initiative du Comité des Fêtes de Charny, 150 spectateurs sont venus assister à la salle polyvalente à la représentation d’une pièce d’Yvon Taburet, un auteur contemporain qui écrit des pièces de divertissement depuis une quinzaine d’année. « Le coupable est dans la salle » est une comédie réjouissante en deux actes qui démarre comme un vaudeville classique (sempiternelle trilogie de l’épouse, du mari et de l’amant) mais dérive très vite vers une intrigue policière. Car, cette fois, à la grande surprise du public, l’amant est retrouvé mort dans le placard où il s’était caché à l’arrivée du mari. Y a-t-il un médecin dans la salle ? Oui ! Quelqu’un se précipite sur scène. Il constate que ce n’est pas un accident mais un meurtre. Panique sur le plateau. Faut-il faire évacuer la salle ? La metteuse en scène s’y oppose formellement : après tout, c’est une bonne pub pour la popularité de sa pièce. La police arrive et mène aussitôt l’enquête. Des comédiens à la metteuse en scène, en passant par la maquilleuse et le vigile, tout le monde sera considéré comme suspect par l’inspecteur et son inséparable adjoint gaffeur, l’agent Barbier. Une seule certitude au sein de cette joyeuse effervescence : le coupable est bel et bien dans la salle.

Une pièce dans la pièce avec un indicible parfum d’Hercule Poirot et de Cluedo, agrémentée d’un brin d’interactivité avec le public qui lui confère toute son originalité et sa saveur. Le public s’est d’ailleurs visiblement délecté et  n’a pas ménagé ses applaudissements. Dix personnages auront occupé la scène pendant quatre-vingt-dix minutes sous la houlette de la metteuse en scène Nathalie Lovighi. Une prestation sans faute qui atteste de la complicité réelle et de l’entente parfaite entre les membres de cette petite troupe amateur, dont certains d’entre eux ont déjà un talent confirmé. Tous ces comédiens font partie de la Compagnie de la Dandinière, association loi 1901 créée il y a maintenant neuf ans du nom de la célèbre pièce de Molière (George Dandin). Précisons également que cette compagnie propose des cours de théâtre sous forme d’ateliers pour tous les âges et qu’il en existe un à Messy (ouvert le mercredi à 21h pour les adultes). Après cette représentation et le succès de cette même pièce enregistré le 13 novembre à Moussy-le-Vieux, la petite troupe se reproduira à Thieux le samedi 20 février 2010. Nul doute que le coupable sera à nouveau dans la salle. Pour faire frissonner le public de plaisir.

S M

Bardot, les années d'insouciance

Exposition

Bardot, la belle insouciante

B.B star mondiale avec son déhanchement sensuel, sa frimousse ingénue, sa choucroute blonde et ses robes roses à petits carreaux Vichy… Inoubliable femme-enfant. A l’occasion du 75e anniversaire de notre icône nationale, la ville de Boulogne-Billancourt (connue aussi, outre ses usines Renault, pour ses studios de cinéma créés en 1942) accueille depuis le 29 septembre une exposition sur 1000 m² qui lui est entièrement consacrée. Grâce à des photos, archives, affiches, extraits de films, le mythe Bardot apparaît pour une fois au grand jour et dans toute sa splendeur avec, bien sûr, ses innombrables satellites : de Vadim à Saint-Tropez, en passant par Gainsbourg et Harley Davidson. Et bon sang, qu’est-ce qu’elle dansait bien !

1 m 68, pointure 37, tour de poitrine 91, tour de taille 51, tour de hanches 89… A la fois mythe vivant et véritable sex-symbol, couronnée plus belle femme du monde, Brigitte Bardot incarne aussi la libération de la femme. Loin de masquer les contradictions et les rebellions de celle qui déchaîna les passions (et polémiques) les plus vives, l’exposition s’attache à rendre compte et tente de faire revivre l’intensité et la beauté du phénomène Bardot.

En 1949, Brigitte Bardot a à peine 15 ans. Elle rêve d’être danseuse et accepte de poser en couverture du magazine Elle. Toutefois, afin de préserver son nom, elle utilise ses initiales. Désormais sa voie est tracée, son destin scellé. La suite tout le monde la connaît avec le choc provoqué en 1956 par le film de Vadim  « Et Dieu créa la femme ».

De nos jours, les années 50-60 n’en finissent pas d’être tendance tandis que B.B inspire toujours la mode, la déco, l’art de vivre… Femme libre et libérée, d’une beauté incendiaire symbolisant à elle seule toute l’insouciance des Sixties, scandaleuse, amoureuse et tumultueuse, Bardot se livre dans tous ses états, dans tout son éclat, ponctuant dans cette galerie boulonnaise des étapes clefs qui ont jalonné ses 20 ans de sa carrière.

De ses succès cinématographiques (48 films) à ses combats contre le commerce de la fourrure des bébés phoques (création de la fondation Brigitte Bardot en 1986 qui sera reconnue d’utilité publique six ans après), de sa rencontre puis son mariage avec Roger Vadim aux innombrables couvertures de magazines qui lui furent dédiées (Vogue, Elle, Cosmopolitan, Paris Match, Playboy, etc.), de l’éducation bourgeoise et disciplinée qu’elle reçut à ses chansons pop et acidulées (plus de 80 dont la plupart écrites par Gainsbourg), c’est tout l’univers de B.B qui nous est subitement dévoilé ici.

Des photos de la France austère de René Coty (dernier président de la IVe République, de 1954 à 1959), des sérigraphies d’Andy Warhol, des objets personnels de la star, des décors de clips ou des ambiances de la Côte d’Azur reconstitués, des pochettes de disques, des partitions, des affiches de produits publicitaires auxquels elle prêta son image, des extraits de ses meilleurs moments télévisés (le « Bardot Show ») et de quelques-unes de ses chansons, des témoignages inédits, des tirages de Richard Avedon, des œuvres d’Aman et d’Antonio Saura ; autant d’objets donnant à cette expo un caractère ludique et foisonnant, certes un peu fétichiste, mais ce genre d’évènement nostalgique ne le recèle-t-il pas toujours un peu ?

Au final cette expo qui s’est ouverte le lendemain de son 75e anniversaire retrace le bilan de toute sa vie. « C’est sur les épreuves qu’on bâtit la réussite si on n’en meurt pas » écrivait-elle dans la préface de son livre « Initiales B.B. » paru fin 1996. Ce que ne démentira pas Gainsbourg quand il évoquait son égérie : « caustique, nostalgique, malicieuse, acidulée, poivrée »…. Shebam ! Pow ! Blop ! Wizzz ! Bon anniversaire Brigitte.

A noter : pendant toute la durée de l’exposition, le cinéma de l’Espace Landowski nous fait redécouvrir les plus grands films de B.B. (www.cinemaboulogne.com). Et pour les « bardotphiles » les plus endurcis, la boutique, à la sortie de l’expo, vend les espadrilles en Vichy rouge ou rose de la star, des meubles à son effigie et une sélection de livres, CD, DVD.
Serge MOROY


Exposition Brigitte Bardot, les années insouciance - Jusqu’au 31 janvier 2010 au musée des années 30 – Espace Landowski – 28 av. André Morizet, Boulogne-Billancourt (92) – Métro : Marcel Sembat ou Boulogne Jean-Jaurès - Tous les jours (sauf lundi) : de 11h à 18h – Entrée : 11 et 8 € - www.expobrigittebardot.com

A lire (le livre de l’exposition) :
 « Bardot la légende » d’Henry-Jean Servat, préface de Brigitte Bardot – Edition Hors-Collection - 176 pages - 35 €.

A relire (disponible à la bibliothèque de Villevaudé) :
- « Initiales B.B. » Mémoires de Brigitte Bardot – Edition Grasset – Septembre 1996 – 558 pages

L'enfer du bagne ou la guillotine sèche

Dur, dur d’être bagnard…

Pichegru, Dreyfus, Lagrange, Seznec, Papillon… Quel est le trait commun entre ces hommes ? Le bagne, bien sûr ! Dans le cadre de l’exposition sur le bagne de la Guyane ou « la guillotine sèche » (ainsi appelé par des députés de la IIIe République hostiles à la peine capitale) qui se tient actuellement à la bibliothèque de la Roseraie, Bernard Borghésio-Ruff a donné vendredi 6 novembre à 20h30 une conférence très intéressante sur les anciens bagnes équatoriaux français. Une leçon d’histoire qui a littéralement captivé l’assistance villevaudéenne.

Pendant 2h30, le conférencier a tenu en haleine un auditoire de 35 personnes, ce qui attestait bien de l’intérêt de son sujet. Il faut dire que l’homme sait de quoi il parle : il a résidé en Guyane française pendant 24 ans, dont 8 ans consacrés à exercer des fonctions de conseilleur pédagogique en pays amérindien et 3 en tant que documentaliste. Passionné d’histoire, il a soigneusement consigné les récits d’anciens bagnards restés sur place et photographié les vestiges des camps encore existants. Parallèlement il a publié un livre sur la Guyane pour inviter les touristes à découvrir ce lointain département exotique situé sur la côte nord-est de l’Amérique du Sud, bordé au nord par l’océan Atlantique, au sud par le Brésil et à l’ouest par le Suriname.

Une ordonnance royale de septembre 1748 fixe les nouvelles peines et conditions de détention (les galères sont alors en passe d’être supprimées depuis l’essor de la marine à voile). Les bagnes, à l’époque, sont situés en métropole et la Guyane, territoire français d’outre-mer, ne reçoit alors que des déportés politiques, surtout après la Révolution française. La France tente bien une mise en valeur de la Guyane, mais ses différentes tentatives échouent en raison de la dureté du climat. Dans les années 1780, un timide développement économique s’amorce grâce à un contingent d’esclaves que la France fait venir d’Afrique, mais c’est à partir de 1795 que la Guyane devient un lieu fréquent de déportation pour les opposants politiques aux régimes qui se succèdent en France. L’esclavage est aboli en avril 1848 et Napoléon III décide par une loi promulguée le 30 mai 1854 d’établir une colonie pénitentiaire hors de France avec les bagnes de Saint-Laurent-du-Maroni, de l’île du Diable et de Cayenne. Cette même loi prend également soin de définir « le doublage »: c’’est-à-dire que le déporté sera astreint à résidence en Guyane à la fin de sa peine pour une durée égale à celle-ci si elle est comprise entre 5 et 8 ans ; à perpétuité si elle atteint ou dépasse 8 ans. Mais Cayenne, capitale de ce territoire, contrairement à ce que l’on a souvent cru, ne fut qu’un centre pénitentiaire mineur (environ 200 condamnés et les libérés devaient obtenir une autorisation spéciale pour y résider).

 

Boris Vian, Philippe Boggio

BORIS VIAN

PHILIPPE BOGGIO

FLAMMARION

Boris Vian, c'est une légende.
La " trompinette " dans les caves de Saint-Germain des Prés, le Déserteur, le poète de l'Ecume des jours, le pornographe de J'irai cracher sur vos tombes, le pataphysicien et l'ingénieur. Visage émacié, silhouette tout en os, il est devenu un emblème qui, entre Gréco et Sartre, résume une époque, une nostalgie.
Philippe Boggio a voulu voir ce qu'il y avait derrière le masque d'éternel jeune homme triste.
Une vie pleine de drames et de secrets, pas mal de bruit et de douleur.
Son enquête commence par l'enfance heureuse à Ville-d'Avray, avant la guerre.
Les soirées zazou.
La mort du père, assassiné.
L'espoir d'une vraie carrière littéraire, entre Gallimard et Les Temps modernes. Les nuits du Tabou. Le jazz. Une production frénétique, des projets, des chansons, des pièces, des romans. Le scandale de J'irai cracher. Une vie de galère aussi et la maladie qui le ronge. Les déboires. Les amours perdues et retrouvées.
La fin marquée par l'ironie du sort, dans une salle de cinéma, lors de la projection de l'adaptation de J'irai cracher... Boggio a interrogé les témoins de la vie de Vian. Claude Luter, Henri Salvador,
Jacques Canetti, Michèle, sa première femme, Ursula, la seconde, tant d'autres.
Une série de mondes se rejoignent, celui des lettres, celui du jazz et de la chanson, celui du journalisme et du cinéma.
ça swingue et ça commence même, juste avant sa mort, à avoir un air de rock'n'roll.

Ancien grand reporter ou Monde, Philippe Boggio est l'auteur de nombreux ouvrages parmi lesquels les biographies de Coluche (Flammarion, 1991), de Bernard-Henri Lévy (La Table Ronde, 2005) et de Johnny Hallyday (Flammarion, 2009).

Fêtons Boris Vian

2009 est l’année Boris Vian. Chanteur, poète, auteur, provocateur disparu il y a 50 ans (le 23 juin 1959 exactement, à l’âge de 39 ans). Il a débuté sa carrière artistique en tant que trompettiste dans les clubs de jazz de Saint-Germain-des-Prés, dont le Tabou, rue Dauphine, redevenu Café Laurent. Il fréquente le Café de Flore, les Deux Magots où il côtoie Jean-Paul Sartre, Juliette Gréco, Simone de Beauvoir, Miles Davis. Il écrit également des pastiches de romans noirs américains sous le pseudonyme de Vernon Sullivan, parmi lesquels : Et on tuera tous les affreux - Les Morts ont tous la même peau …
Et bien sûr l’incontournable :
J’irai cracher sur vos tombes, un des best-sellers de l'année 1947, interdit en 1949 qui le voit condamner pour outrage aux bonnes mœurs.
J'irai cracher sur vos tombes sortira au cinéma sous la réalisation de Michel Gast en 1959.

Il publie sous son véritable nom :
Vercoquin et le plancton, L' Ecume des jours, L' Arrache-cœur

Pour le théâtre il écrit : L'Oie bleue, La Brume, Les Fourmis

Enfin il nous laisse des chansons inoubliables telles :
Le Déserteur
La Java des bombes atomiques
Fais-moi mal
Johnny fais moi mal
J'suis snob

De multiples occasions (émissions TV, conférences, expos, etc.) vont bientôt nous être offertes pour fêter cet artiste exceptionnel et atypique et prouver, n’en déplaise à un récent et malheureux commentaire laissé sur ce blog à propos du décès de Maurice Druon, que son œuvre était tout sauf d’une « niaiserie affligeante » et que sa chanson du déserteur n’avait absolument rien de… « pitoyable » !!!

Serge M

Docteur Tati, mystère Hulot

Jacques Tati, deux temps, trois mouvements, exposition organisée par la Cinémathèque française, sous la houlette de Macha Makeïeff et Stéphane Goudet, se déroule en ce moment, du 8 avril jusqu’au 2 août 2009. Une occasion inespérée de s’immiscer dans l’univers privé et professionnel du génial réalisateur. « Je veux que le film commence quand vous quittez la sortie » déclarait Tati à propos de la sortie de son film Playtime en 1967. Alors, si vous êtes tatiphile, vous n’avez aucune excuse pour rater l’entrée !

On a tellement écrit sur Tati (1907-1982) et son œuvre - courte mais exceptionnelle - qu’on a l’impression de bien le connaître. Un peu comme Chaplin en quelque sorte. Cependant il faut bien souvent s’immiscer dans leur univers pour bénéficier d’une cure de rafraîchissement bienfaisante. Tati, c’est en effet un monde joyeux et coloré (même si ses deux premiers longs métrages sont en noir et blanc). Un parfum tenace d’insouciance, mâtiné de gaieté puérile, conforte sa modernité intemporelle en même temps que sa patte inégalée. Mais n’allez pas croire que tout n’était que facilité chez Tati. Bien au contraire, l’homme était un perfectionniste invétéré (ce qui lui valut le surnom de « tatillon » sur le tournage de Playtime) et un véritable bourreau de travail. Le 3 octobre 2009 Tati aurait eu 102 ans et c’est une excellente initiative que de lui rendre hommage à la Cinémathèque française et d’ensoleiller, grâce à sa poésie, un début de printemps jusqu’alors plutôt morose. En cette belle journée du 17 avril, on ne fait pas la queue pour visiter l’expo. Le ticket d’entrée (10 €) vous donne aussi le droit de voir l’expo Méliès (au 7e étage) ainsi que le musée de la Cinémathèque française (au 2e). Au 5e étage, lieu de l’expo Tati, se dressent sur un manège rotatif le vélo du facteur de Jour de fête et un cheval bleu cobalt statufié. Face à lui la superbe affiche du même film signée Jean Jacquelin (lithographie 161 x 242 cm). Dans ce décor épuré unissant l’architecture d’après-guerre au design avant-gardiste (certains diront « kitsch ») des seventies le ton est donné, confirmé par une signalétique printanière où le vert et le jaune prédominent. C’est donc avec plaisir que l’on répond à l’invitation de cheminer dans ce parcours ludique et bucolique s’étendant sur une surface de 650 m², illustré de courtes projections thématiques et de scènes de films coupées. Penchons-nous sur l’arbre généalogique des Tatischeff, les lettres, dessins et carnets griffonnés du maître, témoins immuables de toute une vie dédiée à une passion et au travail pour concrétiser cette même passion : « Le rire que je préconise, c’est celui qui naît de l’observation des choses de la vie ».  Plus qu’un aveu, une thérapie par le rire proposée à ses semblables.

Tativille
Admirons les dessins qui sont autant de chefs-d’œuvre de Cabu, Sempé, Etaix, Steinberg, les photos de Cartier-Bresson et de Willy Ronis, la sculpture monumentale de tôle froissée de César (ami de Tati qui fit une brève apparition dans Les vacances de M. Hulot), les costumes, les affiches, les maquettes (dont celle de la villa Arpel de « Mon oncle »). Rêvons à un petit village bousculé par les préparatifs d’une fête foraine. Rions aux maladresses d’un Hulot dégingandé devant les facéties d’un objet affligeant de banalité. Découvrons la villa ultra moderne des Arpel (imaginée par Tati et le peintre Jacques Lagrange). Regarder, écouter, pour mieux « sentir » ce monde qui nous entoure et qui façonne ce que nous sommes. Il n’était pas permis de toucher les objets exposés. Pas plus que de les photographier. Dommage, dans ce contexte on eût aimé tâter du Tati : le verre intransigeant, l’acier froid mais poli, le formica implacable… Victimes consentantes d’un consumérisme glouton, héritiers du progrès bâillonnés par le confort, vacanciers empêtrés dans l’absurdité des conventions, conducteurs avides de ce « béton bétonnant » que fustigeait Armand Lanoux ; le monde de Tati symbolise un urbanisme déshumanisé et ordonné où erre infatigablement un Hulot imperturbable et perturbant. Même le silence chez Tati est un bruit à l’instar de ces « bibelots d’inanité sonore » si chers à Sartre. Des correspondances s’établissent entre les éléments qu’ils soient visuels ou sonores, les dimensions et les volumes prennent une forme irréelle, subitement mus par un désir irrépressible d’évasion, pour devenir volutes dans la fragile pipe en terre de Hulot. Tout ici n’est qu’ordre et futilité.

Mister Hulot
L’œuvre de Tati est décidément immortelle. Elle s’échappe encore. Elle interpelle toujours. Guidés puis délicieusement désorientés, on se sent finalement plutôt bien dans cette expo qui nous révèle les facettes infinies de la modernité (Trafic, Playtime) en passant par l’art forain des débuts (Jour de fête) et le monde du music-hall où le burlesque a débuté (Parade). Buster Keaton déclarait en 1959 : « Tati a commencé là où nous avons terminé ». L’œuvre de Tati évolue à contretemps, invariablement comique, profondément poétique. Avec leur aspect faussement désuet, ses films exhalent un art subtil et inachevé, en constant équilibre sur l’équivoque et l’improbable. En un sens la quête incessante de Monsieur Hulot, vagabond universel et pourtant anonyme des temps modernes, pourrait ressembler à celle du Don Quichotte de Cervantès… le blason et la folie laissés à la consigne SNCF. C’est un point de vue sur l’inaccessible car Hulot, personnage énigmatique, sommeille (veille) en nous : « Hulot, c’est un peu moi, mais c’est aussi un peu de vous tous. Chacun a sa demi-heure de hulotisme par jour ». François Gorin concluait par ces mots son édito pour le Hors-série Télérama sur Tati paru en mai 2002 : « Ami du paradoxe et meneur de parade, Jacques Tati, amuseur un peu maudit, un peu dandy, n’envisageait de paradis que perdus – perdus, mais… Sur ces points de suspension marche l’impossible M. Hulot ». Tout est dit.

Serge MOROY

Nota : Un catalogue de 310 pages retraçant les grandes lignes de cette expo est proposé au prix de 45 €. Il comprend les témoignages et contributions de Michel Gondry, Wes Anderson, David Lynch, Elia Suleiman, Otar Iosseliani, Olivier Assayas, Jean-Jacques Annaud, Jean-Claude Carrière, Pierre Etaix, Cédric Klapisch, Blanca Li, Sempé, Jean Nouvel, Dominique Perrault, Jean-Philippe Toussaint, Philippe Delerm.

Jacques Tati, deux temps, trois mouvements - Exposition organisée par la Cinémathèque française en collaboration avec Les Films de Mon Oncle, avec le concours du Ministère de la culture et de la communication et du CNC. Du 8 avril au 2 août 2009 - Cinémathèque française – 51, rue de Bercy 75012 Paris (01 71 19 33 33) - www.taticinematheque.fr 

Leni Riefenstahl, une ambition allemande, Steven Bach

 

 Leni Riefenstahl,

une ambition allemande

Biographie

STEVEN BACH

Editions Jacqueline Chambon

Leni Riefenstahl (1902-2003) fait partie de ces artistes les plus controversés de l’histoire de la Seconde Guerre mondiale. Elle créait des images avec l’ombre et la lumière, du mouvement, du courage physique et surtout une ambition sans bornes. Elle cherchait la beauté dans la nature, au sommet des montagnes, mais aussi dans les drapeaux des parades militaires, dans les compétitions sportives, dans la perfection morphologique et érotique des guerriers Massaï qu’elle photographiera beaucoup plus tard et, depuis le début, au plus profond d’elle-même. A 101 ans, Leni Riefenstahl mourut tranquillement chez elle dans son lit face à un portrait la représentant âgée de 30 ans dans son film ‘’La lumière bleue’’ (1). Elle n’avait aucun remords.

 

‘’Le Triomphe de la volonté’’ et ‘’Les Dieux du stade’’ restent les films phares de Leni Riefenstahl et figurent même parmi les deux plus grands documentaires jamais réalisés. Il n’est pas possible de les voir en Europe suite à une interdiction persistante car ces films sont des hymnes à la gloire d’Adolf Hitler, du III^e Reich et de la nauséabonde idéologie nazie. Pourtant, toute sa vie, la cinéaste allemande prétendra ne s’être jamais intéressée qu’à l’art et à la beauté. Mensonge ou vérité ?

 

 

Je veux devenir quelque chose de grand (1920)

Après avoir débuté comme danseuse dans le Berlin des années 20, la jeune Leni fait une brève apparition dans ‘’Wege zu Kraft und Schönheit’’ (Chemins vers la force et la beauté - 1925), un long-métrage ‘’culturel’’ promouvant la culture physique et la gymnastique… dans le plus simple appareil. Elle rencontre le cinéaste Arnold Fanck (considéré alors comme le pionnier des films alpins) - qui devient son mentor et son amant - et obtient le premier rôle dans son film ‘’Der heilige Berg’’ (La montagne sacrée -1926). Comme en toutes choses qui la passionnent, Leni apprend vite et fait preuve d’un sens du cadrage et du montage impressionnant qu’elle confirme en 1932 avec son premier film ‘’Das blaue Licht’’ (La lumière bleue). Parmi ses admirateurs, un homme d’état en pleine ascension : Adolf Hitler. Leni réalise sur sa demande deux documentaires sur les congrès annuels de son parti à Nuremberg. Ce sera d’abord en 1933 ‘’Der Sieg des Glaubens’’ (La victoire de la foi) puis, l’année suivante, ‘’Triumph des Willens’’ (Le Triomphe de la volonté), grandiose hommage qui a le plus contribué à façonner le culte du Führer. ‘’Quiconque a vu le visage du Führer dans Le Triomphe de la volonté, ne peut l’oublier. Cette image le hantera jour et nuit et restera gravée dans son âme’’ dira Goebbels enthousiaste. Et la nouvelle égérie du III^e Reich de surenchérir : ‘’Ce film ne contient aucune scène reconstituée. Tout y est vrai. C’est de l’histoire. Un pur film historique’’. Aujourd’hui encore, la vision que l’on a d’Hitler en orateur fascinant vient pour une bonne part de la façon dont la cinéaste l’a représenté dans ce film, même si c’est à Albert Speer que l’on doit la construction monumentale des décors et la mise en scène de l’iconographie nazie. Le philosophe allemand Walter Benjamin dira des Nazis qu’ils ‘’ont inventé l’esthétisation de la politique’’ et le journaliste américain William L. Shirer remarquera que ‘’ce qu’Hitler disait importait moins que la façon dont il le disait’’. Bénéficiant de l’estime du dictateur et surtout de son soutien financier, L. Riefenstahl réalise ensuite ‘’Olympia’’ (Les Dieux du stade), une ode pharaonique en deux parties (deux heures chacune) sur les jeux olympiques organisés à Berlin du 1^er au 16 août 1936 dans laquelle elle exprime son esthétisme cinématographique grandiloquent car, comme elle le déclare volontiers ‘’Je n’aime pas faire les choses à moitié. Je déteste les moitiés’’. La première a lieu à Berlin le 20 avril 1938 pour coïncider avec le 49^e anniversaire du Führer. Le succès en Allemagne est foudroyant. Son film remporte le premier prix (la coupe Mussolini) au festival de Venise de 1938, grâce à l’influence d’Adolf Hitler, au détriment de ‘’Quai des brumes’’ (Marcel Carné) et de ‘’Blanche-Neige et les sept nains’’ (Walt Disney). Alors Leni se met à rêver de Hollywood et se rend à New York fin octobre 1938 pour faire sa propre promotion. Mauvaise pub pour elle : dans la nuit du 9 au 10 novembre (cyniquement baptisée ‘’Nuit de cristal’’ par Goebbels), Hitler fait organiser par Reinhard Heydrich un vaste pogrom à travers l’Allemagne, prélude au génocide des Juifs. Les ligues américaines antinazies se mobilisent pour un boycott de celle qu’elles considèrent comme une ambassadrice d’Hitler. C’est réussi. Leni a fait le voyage pour rien : Hollywood ne veut pas d’elle.

 

 

Ils ont filmé la guerre en couleur, René-Jean Bouyer, David Dufresne

France 1939-1945

Ils ont filmé la guerre en couleur

Les trésors des archives,
L'histoire de leur découverte, le choc de la couleur

Editions Bayard

Après le succès rencontré par la série des émissions TV, un livre de « mémoire » se devait de voir le jour. C’est chose faite grâce à David Dufresne, chroniqueur et journaliste à ‘’Libération’’, qui s’est associé à René-Jean Bouyer, le réalisateur de la série « Ils ont filmé la guerre en couleur », pour éditer cet ouvrage consacré à la période 1939-1945, c’est-à-dire des préludes de la guerre en France jusqu’à sa libération par les Alliés.

Le livre offre une sélection des photogrammes les plus significatifs tirés des films argentiques 8 mm et 16 mm retrouvés parmi les descendants des protagonistes du conflit et les archives secrètes des pays belligérants. Le texte, même court, est important pour apporter un éclairage, un commentaire ou un complément d’information bienvenu (notamment sur les procédés de traitement du film couleurs selon les fabricants Agfa [pour l’Allemagne] ou Kodak [pour les Etats-Unis]).

Au cours d’un entretien sur le Web, le réalisateur R-J Bouyer déclarait : ‘’On filme plus volontiers sa victoire que sa défaite. C’est une constatation qui se vérifie chez les Allemands, qui ont tourné beaucoup d’images de l’invasion et de l’occupation de la France mais très peu de leur propre déroute’’. 

On appréciera au passage les efforts des chercheurs et leurs difficiles mais néanmoins indispensables travaux pour l’identification puis la conservation de ces petits bouts de films amateurs réalisés sans autre prétention que celle de témoigner.

Et David Dufresne de préciser : ‘’Aujourd’hui, ces images nous étonnent encore. Elles ébranlent nos certitudes et brouillent nos repères. Tirées de l’oubli, elles bouleversent tout, nos chronologies, nos chromos, nos idées toutes faites : hier la vie était en noir et blanc, celle d’aujourd’hui s’exhibe en couleur’’. 

C’est donc un « livre d’images » vraies qu’il faut posséder et ranger à côté de ses vieux livres d’histoire poussiéreux. Quand le cinéma d’amateur obtient enfin sa reconnaissance « d’utilité publique »… ( Serge Moroy)

Noël me porte chance, Paulette Dubost, la doyenne du cinéma français

 

C'est de Noël dont je vais vous parler, tout simplement. Car j'ai une tendresse particulière pour cette fête et que je ne veux pas manquer une aussi belle occasion de vous dire combien je l'aime. Et vous me comprendrez quand vous saurez que j'ai eu des Noëls magnifiques. 

Imaginez-vous, d'abord, que j'ai trouvé le moyen de me marier un 23 décembre, dans un des pays de France où ce jour est unique au monde et prend le visage le plus poétique : à Saint-Paul-de-Vence, au-dessus de Nice, en plein pays des santons et des chants anciens... Selon la tradition, tous les habitants de Saint-Paul nous ont lancé du riz, de leurs fenêtres, pour nous porter bonheur (précisons que ceci se passait avant guerre). Les noces, mordant sur le Réveillon, durèrent deux jours.

 J'ai vécu un autre beau jour de Noël, que je n'ai encore raconté à personne. C'était en 1938, dans un village perdu du Sud Marocain où mon frère était méhariste. Une compagnie de la Légion était cantonnée là, et je fus invitée avec ma mère à fêter Noël avec eux. Les légionnaires avaient construit une vraie crèche en plein air, avec un toit de paille. L'âne et le bœuf, en chair et en os, veillaient sur l'enfant, et des moutons bien vivants se pressaient tout autour. Des légionnaires vêtus en Rois Mages vinrent faire leur visite.

 Et surtout, au-dessus de nous brillait une de ces nuits comme nous n'en connaissons pas en Europe... Les étoiles sont plus près de nous, on a l'impression qu'on pourrait les toucher de la main. Tout cela était si vrai, si admirable qu'un instant je me suis crue à Bethléem.

 Il y eut, bien sûr, des agapes : moutons entiers rôtis à la broche, et tout le reste. Nous avons chanté, raconté des histoires ; chaque légionnaire a reçu son cadeau... Et je n'ai pas manqué de danseurs.

 Mais le souvenir le plus vif que j'ai gardé de cette nuit-là, c'est la tendresse si étonnante de ces hommes pour le rite de leur enfance et cette nuit étoilée, pareille à la Judée elle-même.

Paulette DUBOST 

Propos recueillis par Martial Dassonville le 16-10-2008 à Drancy pour Infos-Ciné, la revue des collectionneurs du cinéma et des cinéastes amateurs , publiés avec son aimable autorisation.

 

Christian Zuber (1930-2005)

Christian ZUBER 

ou  le combat par l’image

 Le célèbre reporter animalier, décédé en 2005, avait bien voulu nous recevoir fin novembre 2002 dans un studio de vidéo professionnelle de Boulogne-Billancourt où il effectuait un montage de films pour la Fondation Brigitte Bardot.

A 72 ans, l'œil est toujours scrutateur et vif, la poignée de main ferme et la parole volubile dès qu’il s’agit des animaux. Entretien inédit avec un homme qui a parcouru toute la planète et pour qui l’existence serait un non sens si elle ne s’inscrivait pas dans un engagement personnel.

Ci contre: Photo de couverture, Galapagos 1970.

Christian Zuber filme un couple d’Albatros avec une Paillard-Bolex 16 mm. Deux mois sur une île déserte avec la pellicule enterrée dans le sable pour lutter contre la chaleur !

Entretien conduit par Serge Moroy  pour Infos-Ciné

Infos-Ciné : Christian, vous êtes l’inoubliable réalisateur de la série télévisée « Caméra au poing ». Mais, on vous connaît assez mal avant ces expéditions qui vous ont rendu célèbre. Pouvez-vous nous en dire un peu plus ?

Christian Zuber : Tout commence au Maroc où je travaille à l’Education nationale de 1954 à 1960 avant de me lancer dans un métier passionnant : le reportage photo. Je couvre, entre autres, les émeutes au Maroc, le scandale de l’huile frelatée et l’affaire des survivants du voilier Palmir. Je fus aussi le premier non musulman à avoir été autorisé à photographier le roi Mohammed V dans la mosquée de Rabat. Mon premier appareil, acheté d’occasion, était un Leica avec trois objectifs : un 35 - 50 et 90 mm. Je prenais plaisir à travailler l’aspect technique de mes photos, bricolant souvent le matériel qui m’était confié pour l’utiliser dans ses moindres possibilités. Pour des raisons alimentaires, j’ai photographié des starlettes, fait de la photo publicitaire, de la mode et des nus. Mais ma véritable passion était les photos d’animaux dans ce pays d’Afrique du Nord où, hélas, la faune était déjà menacée. En 1959, première expédition aux Galapagos ! Je me sers de mon objectif comme d’une arme, c’est-à-dire pour témoigner et convaincre. Car la préservation de la nature, c’est l’affaire de tous. Tenez, regardez ce nid de mésange [C. Zuber me désigne un nid au faîte d’un arbre, à Boulogne, en pleine ville]. C’est bien de le voir, c’est encore mieux de le sauver. J’ai fait un courrier au maire de Boulogne en ce sens pour qu’il reporte l’élagage des arbres après la période de nidification.

Et j’ai obtenu gain de cause !

100 ans de cinéma

100 bougies pour le cinéma d’animation

Du 10 novembre au 19 décembre se déroule une exposition (entrée libre) consacrée aux 100 ans du cinéma d’animation dans le hall de l’hôtel de ville de Tremblay-en-France (Seine-Saint-Denis).

Phénomène artistique mais aussi économique et technologique, le cinéma d’animation a connu la plupart des consécrations et les longs-métrages d’animation comptent désormais parmi les plus grands succès de l’industrie du cinéma. Ils révèlent les prouesses techniques les plus innovantes, et que ce soit de Walt Disney à Miyazaki, en passant par Frédéric Back, ils ont donné naissance à de véritables chefs-d’œuvre qui sont restés gravés dans nos mémoires.

S’adressant aussi bien aux enfants qu’aux adultes, le cinéma d’animation a longtemps été considéré comme une récréation puérile, un sous-genre du cinéma en quelque sorte. Le centenaire du cinéma d’animation qui se déroule en ce moment à Tremblay-en-France revêt un aspect original et festif et entend rendre hommage au savoir-faire et au talent de ces cinéastes d’animation qui ont imaginé des univers fantastiques, peuplés de personnages célèbres ou inconnus dont on se souvient parfois encore. L’exposition s’attache particulièrement à présenter la technique la plus populaire qui soit, c’est-à-dire le dessin animé, ainsi que des documents originaux et rares réunis par Pierre Lambert, spécialiste du cinéma d’animation, auteur d’ouvrages sur ce thème et commissaire de l’exposition ‘’Il était une fois Walt Disney’’ présentée fin 2006 – début 2007 au Grand Palais, puis au musée des Beaux-arts de Montréal. L’expo vise bien entendu le public scolaire qui peut ainsi découvrir les différentes étapes de la fabrication d’un dessin animé, des premières esquisses (story-boards) à l’image définitive en couleur (cellulos et décors).

Destinée aux spécialistes comme aux inconditionnels du genre, cette manifestation permet aussi d’approcher l’univers visuel du cinéma d’animation en respectant, par une représentation rigoureuse des documents, l’aspect artistique de cet art. Toutes les techniques de dessin y sont pratiquement représentées : des pastels de Norman Mc Laren aux encres de couleur utilisées pour ‘’La planète sauvage’’ (Roland Topor et René Laloux), sans oublier la gouache chère à Paul Grimault et les crayons de couleur utilisés par Frédéric Back pour son chef-d’œuvre ‘’L’homme qui plantait des arbres’’ (1987). Ce panorama initiatique passe par quelques grands réalisateurs qui ont marqué l’histoire du cinéma, d’Emile Cohl, créateur de ‘’Fantasmagorie’’ le 17 août 1908, à John Lasseter, producteur du dernier nouveau né du studio Pixar, ‘’Wall-E’’ ; sans oublier les nouvelles tendances du cinéma d’animation avec ‘’Valse avec Bachir’’ (Ari Folman) et ‘’A scanner Darkly’’ (Richard Linklater) films qu’il est d’ailleurs possible de visionner au cinéma Jacques Tati. C’est d’ailleurs dans ce cinéma que les tout petits peuvent assistent à la projection de courts-métrages chinois réalisés en lavis (Les trois moines, L’aigrette et l’huître ; Les têtards à la recherche de leur maman), ainsi que ‘’Princes et princesses’’ (1990) une animation de papiers découpés et animés en ombres chinoises et signée par Michel Ocelot.

Aujourd’hui le dessin animé a considérablement évolué avec l’avènement de l’image de synthèse et les outils informatiques. Revers de cette évolution, la disparition de certains métiers, notamment le traçage et la mise en couleur sur cellulos (gouache sur rhodoïd). Malgré tout, on peut encore rêver.

S. Moroy

Expo : 100 ans de cinéma d’animation (exposition, spectacle, cinéma)

Du 10 novembre au 19 décembre 2008

Du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 13h à 17h (samedi : 8h30 à 12h)

La Grande Guerre vue sur le petit écran

Sur le pied de guerre

90^e anniversaire de l’armistice du 11 novembre oblige, des documentaires sur la Grande Guerre furent diffusés sur le petit écran. J’en ai retenu trois : ‘’14-18, le bruit et la fureur’’ - ‘’L’héroïque cinématographe’’ et ‘’Le siècle de Verdun’’, trois documentaires différents mais finalement complémentaires malgré le fait qu’ils utilisent souvent des images similaires en provenance du même fonds d’archives (ECPA-D). Un rendez-vous poignant avec l’Histoire pour tenter de comprendre l’incompréhensible.

14-18, le bruit et la fureur

 

Sur France 2 – Mardi 11 novembre à 20h50 – Durée 108 minutes – Images colorisées - Réalisateur : Jean-François Delassus – Commentaire : Alexandre Astier – Doc. interdit aux – 12 ans.

Documentaire entièrement conçu à partir d'images d'archives sur les batailles qui se sont déroulées en France et en Belgique. Ces images proviennent des archives de la SCA (Service Cinématographie des Armées), elles sont colorisées et sonorisées pour mieux ressusciter l’ambiance de ces quatre années de guerre et accompagnées du commentaire d'un soldat français imaginaire. Elles montrent comment les Poilus acceptèrent la perspective d'une mort, ou au mieux d'une blessure quasi certaine, sans broncher et surtout sans rien connaître des objectifs stratégiques de leur état-major. La haine du prussien érigée au rang de vertu cardinale incitait alors les soldats à se battre. La montée des Anglais au front, le 1^er juillet 1916, dans la sanglante bataille de la Somme (10 000 Anglais tombent la première heure, 20 000 sont tués le premier jour), le travail des femmes dans les usines d’armement (200 000 obus produits par jour en 1916), la réquisition des travailleurs dans les zones occupées par les Allemands, la libération de l’Alsace, etc. révèlent des images saisissantes, mêlées à quelques extraits de grands films pour les batailles reconstituées (dont notamment ceux de Griffith et Milestone). Ce conflit extrêmement meurtrier parce que moderne (20 millions d’obus furent lancés dans la bataille de la Somme qui dura 4 mois et demi !) a plongé des armées entières dans un paroxysme de souffrances inouïes, en même temps qu’il changeait totalement l’idée que l’on se faisait de la guerre (jusqu’alors de type ‘‘napoléonienne ’‘). Cette vision du quotidien où règnent la peur, le froid, la maladie, les rats, l’humidité et la mort, conforte le spectateur que s’est tournée dans ces tranchées une page épouvantable de notre histoire qui dépasse tout entendement humain. La couleur, même blafarde et maladroite par instants, apporte cette touche de véracité contemporaine à des images d’un autre âge qui auraient pu s’en dispenser. Mais n’est-ce pas devenu courant maintenant de diffuser ce genre de documents en les colorisant pour mieux sensibiliser le téléspectateur ?

L'héroïque cinématographe

Sur Arte – Mercredi 12 novembre à 21h – Durée 48 minutes – Images noir et blanc - Réalisateurs : Agnès de Sacy et Laurent Veray.

Peu après le début du conflit, des cameramen sont enrôlés dans les deux camps car l’on a vite compris que le cinéma pouvait être aussi une ‘‘arme redoutable ’‘… dixit le Maréchal Ludendorff. Désormais, témoin implacable, l’opérateur de prise de vues partage le quotidien des soldats sur le front. Le reportage cinématographique en est alors à ses balbutiements (création en février 1915 de la SCA côté français et de la BUFA côté allemand), mais malgré tout donne l’impression que l’image filmée est bien celle de la réalité. Pour autant est-ce bien l’exacte vérité dès lors que l’on sait que la violence des combats était telle qu’il était impossible de filmer ? Filmer l’ennemi c’est donc surtout filmer des morts ou des prisonniers car le combat… c’est justement ce que l’on n’a pas pu filmer. Les scènes de bataille sont donc toutes reconstituées. De ce point de vue, ce n’est plus du cinéma-vérité, mais plutôt du cinéma de propagande : il convient de rassurer l’arrière et maintenir l’ardeur à combattre l’ennemi de la patrie. ‘’La vérité, c’est une agonie qui n’en finit pas. La vérité de ce monde, c’est la mort. Il faut choisir, mourir ou mentir’’ affirme L-F Céline dans son roman Voyage au bout de la nuit. Pour faciliter la narration de ce documentaire, on a imaginé un opérateur français et un opérateur allemand contant leurs souvenirs. Leurs témoignages s'inspirent de faits authentiques consignés dans des carnets de tournage. Des scènes tragiques furent enregistrées dans la Somme à l’issue des combats. Cette réalité crue et sans fard s’accommodait mal avec ce que voulait l’on faire croire à l’arrière. Ces images, qui n’exaltent pas l’élan patriotique pas plus qu’elles ne glorifient l’acte de bravoure, sont donc censurées. Pourtant, des séquences enregistrées à l’arrière n’en sont pas moins tragiques, telles celles tournées dans un hôpital lyonnais spécialisé dans la reconstruction maxillo-faciale où des ‘‘gueules cassées ’‘ s’exhibent devant la caméra. Laurent Veray, est maître de conférences à Paris X où il enseigne l’histoire du cinéma. Il préside aussi l’AFRHC (Association Française de Recherche sur l’Histoire du Cinéma) qui publie la revue 1895. Ce film est plus qu’un simple documentaire. C’est un précieux outil pour analyser les mécanismes d’un cinéma oscillant entre fiction, reportage et propagande avec, à la clef, une certitude : celle qu’il est difficile de filmer la guerre.

 

Le siècle de Verdun

 

Sur France 5 – Lundi 17 novembre à 21h30 – Durée 55 minutes – Noir et blanc et couleurs – Réalisateurs : Patrick Barbéris et Alain Prost.

Voici l'une des batailles les plus terribles du 20^e siècle livrée du 21 février à décembre 1916. L’affrontement a marqué un tournant décisif de la guerre sur le front français et constitue aujourd’hui l’un de ses principaux symboles (‘’qui a fait Verdun a fait la guerre’’). Mais Verdun c’est aussi un lourd sacrifice inutile. Une boucherie qui fit tout de même 500 000 victimes (250 000 dans chaque camp). Pétain, chef de la bataille (avant d’être remplacé par Nivelle) déclare : ‘’Ils ne passeront pas !’’. Les soldats rétorquent : Si les généraux des deux pays passaient une nuit sur champ de bataille, le lendemain la paix serait signée ! ’‘. Avant même la fin de la guerre, Verdun devient un lieu de recueillement et de mémoire nationale (“On a pu dire que le principal vainqueur de Verdun c’était la mort, mais c’était peut-être le souvenir”) et en 1920 on érige son mémorial et son ossuaire (inaugurés en 1932). Son nom sera maintes fois cité à des fins pacifistes, avant d'être récupéré par les Nazis qui ont compris la nécessité de rallier à leur cause les anciens combattants allemands, tandis que Pétain, âgé de 84 ans en 1940, s’appuie sur les anciens combattants français pour sa ‘‘France nouvelle ’‘. S’appuyant sur des archives filmées et les interventions d’historiens français (Antoine Prost, Pierre Laborie) et d’un professeur d’université allemand à Düsseldorf (Gert Krumeich), cet excellent documentaire analyse très bien l’impact mémoriel de Verdun dans la conscience collective au fil du temps et donne un éclairage intéressant sur son rôle dans les prémices du deuxième conflit (‘’pour les Allemands la deuxième guerre mondiale n’est que la suite de la première’’) jusqu’à la réconciliation franco-allemande du 22 septembre 1984 avec cette image inoubliable de François Mitterrand et d’Helmut Kohl main dans la main devant le mémorial de Verdun.

Serge MOROY

Louis Feuillade, Maître du cinéma populaire, P. Gauthier et F. Lacassin

LOUIS FEUILLADE, Maître du cinéma populaire

Patrice Gauthier et Francis Lacassin

Collection Découvertes

Editions Gallimard

  
« Mon domaine est celui où rien n’est impossible, où l’on fait arriver tout ce qui vous passe par l’esprit »

(Louis Feuillade)

 

Quand Louis Feuillade (1873-1925) se lance en 1905 dans le cinéma, celui-ci n’est encore qu’un divertissement forain. Scénariste et réalisateur, directeur artistique de la puissante société Gaumont (la grande rivale de Pathé), il va contribuer à lui donner ses lettres de noblesse. Louis Feuillade, avec sa culture classique et son goût pour les fêtes populaires, est en effet le relais idéal entre le cinéma des forains et l’éclosion des salles de cinéma qui vont petit à petit essaimer à partir de 1910. Il prend la direction artistique de la cité Elgé en 1907, année ou Charles Pathé chamboule la distribution des films en remplaçant la vente des copies aux exploitants par la location. Parallèlement, les spectateurs sont devenus plus difficiles et les metteurs en scène plus ambitieux. Feuillade est sans conteste l’un des principaux artisans de cette révolution. Films historiques, comédies, drames, Feuillade s’essaie à tous les genres.... Et réussit. Surtout les serials : dès 1913, ses films policiers à épisodes (Fantomas, Les Vampires, Judex), qui ont pour héros d’ingénieux criminels ou d’obscurs justiciers issus de la littérature populaire du XIX et début XX^e siècle, le propulsent au sommet de sa carrière. Unissant avec bonheur réalisme et poésie, Feuillade filme leurs poursuites sur les toits ou dans les égouts de Paris, suit la mystérieuse Irma Vep dans les couloirs d’un hôtel, installe Judex dans les souterrains d’un château en ruines. Ce réalisateur inspiré et prolifique atteint toujours son objectif : séduire le grand public. Il réalise ainsi 800 films entre 1905 et 1925 (date de sa mort) et devient le maître incontesté du cinéma populaire, celui dont Alain Resnais (entre autres) n’hésitera pas à dire : « Il est l’un de mes dieux ». Les auteurs, Patrice Gauthier et Francis Lacassin, ressuscitent cette période exceptionnelle qui favorise l’émergence d’une jeune industrie en même temps que la reconnaissance internationale d’un art nouveau. Grâce à une foule de documents, ils brossent le destin passionnant d’un homme qui s’inscrit dans la foulée des frères Lumière et de Méliès, en même temps qu’ils lèvent un coin du voile sur les coulisses de la Gaumont à ses débuts.

Cet ouvrage, au format de poche, fait partie de la série « Découvertes » lancée avec succès par Gallimard. Tout le talent de Feuillade est mis en valeur par l’abondance de scénarios, manuscrits, photos de films et de plateaux de tournage. Avec l’évocation des acteurs fétiches du cinéaste (hommes et bêtes), ainsi que la reproduction des superbes affiches éditées par Gaumont à cette époque, ce sont en tout plus de 140 documents qui retracent l’œuvre et le portrait du maître. Parmi les témoignages (22 pages), je vous recommande les lettres de Léon Gaumont faisant part de ses réflexions et directives à Feuillade et qui nous renseignent sur les relations entre les deux hommes. Captivant.

Une véritable petite réussite bibliographique qui réactualise merveilleusement le trop ancien ouvrage que lui avait déjà consacré Francis Lacassin (paru chez Seghers en janvier 1964). Feuillade méritait bien ce dépoussiérage. ( Serge Moroy)

Louis Feuillade, Maître du cinéma populaire - Patrice Gauthier et Francis Lacassin - 128 pages - Dimensions : 12,5 x 17,5 cm – Illustrations noir et blanc et couleurs -
Editions Gallimard - Collection Découvertes n° 486 – Dépôt légal : février 2006 – ISBN : 2-07-031926-1 – Prix : 13,10  €.

 

 

 

 

Les chevaliers de la pellicule, Madeleine Aubert

LES CHEVALIERS DE LA PELLICULE

MADELEINE AUBERT

EDITIONS PAGES DU MONDE

 

« Tout ce qui s’est fait en ce monde s’est fait au nom d’espérances exagérées »

(Jules Verne)

 

« Sur l’écran un grand film, sur scène l’auteur »… Un concept simple qui verra le jour le 4 février 1936 mais dont le développement sera contrarié par l’approche de la guerre. Dès lors, ce livre relate l’aventure extraordinaire de la plus grande organisation de conférences filmées du monde, « Connaissance du monde », qui a fêté en 2005 ses 60 ans d’existence.

L’auteur est étudiant en lettres quand elle rencontre en 1967 son futur mari, Michel Aubert. Ce dernier est alors un explorateur fraîchement rentré de la forêt amazonienne où il a réalisé un reportage filmé sur les indiens Jivaros. Sa passion depuis l’enfance : le dessin et l’image. Sa passion à elle depuis l’enfance : l’écriture. Ces incorrigibles rêveurs chroniques vont alors former un couple d’écrivain et de cinéaste voyageurs. Ils sillonneront le globe, lui caméra au poing, elle, bloc-notes et stylo à la main.

Forte de cette expérience, Madeleine Aubert a pris la plume pour s’attacher à retracer le plus fidèlement possible l’aventure extraordinaire de « Connaissance du monde », de ses précurseurs et de ses acteurs hors du commun, ces derniers que l’un d’entre eux, Alain Bombard, appela fort justement « les chevaliers de la pellicule ». Car certains sont des personnalités célèbres : Jean-Baptiste Charcot, Paul-Emile Victor, Norbert Casteret, Jean Rouch, Roger Frison-Roche, Maurice Herzog, René Desmaison, Haroun Tazieff, Maurice Kraft, Christian Zuber, Jean Raspail, Pierre Tairraz, Lionel Terray, Gaston Rebuffat. D’autres le sont moins : Maximilien Daubert, Guy Thomas, Gérard Givet, Hervé Haon, Freddy Boller, Patrick Bernard, etc. Mais tous sont animés par la même boulimie d’exploration et de connaissance. A la tribune de « Connaissance du monde », ils furent nombreux et comme échappés des pages d’un Hergé ou d’un Jules Verne, à parcourir ce monde pour témoigner et sensibiliser le public à sa cause, à son immensité, à sa beauté. Explorateurs au long cours avec leur caméra 16 mm en bandoulière, ils voient le monde derrière un viseur étroit mais le dévoilent exclusivement sur grand écran, en même temps qu’ils le commentent avec la voix pleine d’émotion dans une salle, hélas, pas toujours bondée.

Et, quelque part dans une ville du fin fond de la France, grâce aux images lumineuses des Chevaliers de la pellicule, les yeux d’un gosse brilleront dans la pénombre de la salle que l’on aura hâtivement obscurcie pour la circonstance. Le petit spectateur rêvera d’escalader la muraille de Chine, se promener dans les jardins de l’Alhambra, toiser la pyramide de Kheops ou se fondre dans la Médina de Meknès. Et il n’oubliera pas d’enregistrer ses souvenirs sous la forme d’une étrange bande d’acétate perforée pour mieux les faire partager à ses contemporains.

Les chevaliers de la pellicule – Madeleine Aubert  – 112 pages - Dimensions : 24 x 16 cm
– 33 photos noir et blanc et 37 photos couleurs - Editions Pages du Monde – Dépôt légal : 2^ème trimestre 2006 – ISBN : 2 915867 07-0 – Prix : 15  €.

(Serge Moroy)
 

 

Cinéma Repères pratiques,F.Vanoye, F.Frey, A.Goliot-Lété

LE CINEMA, REPERES PRATIQUES

F. Vanoye - F. Frey – A. Goliot-Lété

EDITIONS NATHAN

Voici un petit ouvrage synthétique très intéressant pour faire un tour d’horizon, rapide mais complet, sur l’univers du cinéma.

Divisé en six parties (L’histoire du cinéma / Les genres et les formes / La réalisation / La production-diffusion / Les techniques / Lire un film), l’ouvrage s’organise par doubles pages. Chaque double page fait le point sur un thème et fonctionne de la façon suivante :

- A gauche, une page de synthèse apporte toutes les informations nécessaires pour bien comprendre le sujet de la double page en question.

- A droite, une page d’explication développe un point particulier qui illustre et complète la page de gauche. Exemples : Alexandre Trauner pour le thème consacré au décor (partie ‘’techniques’’) ; la Hammer Films pour le thème sur le fantastiques (‘’genres et formes’’) ; Eisenstein pour celui relatif au montage (‘’lire un film’’) ; Pierre Braunberger pour la rubrique producteur, etc. Après avoir feuilleté quelques pages, on se rend compte que ce parti pris pédagogique porte ses fruits dès lors que l’on se surprend à chercher un thème spécifique qui nous tient à cœur, ou bien que la simple curiosité du début fait place à un intérêt appuyé. La qualité d’un ouvrage ne se juge pas sur son épaisseur. C’est encore vrai ici avec ce petit guide, pratique et mnémonique, que je conseille sereinement à tout cinéphile qui souhaite disposer de quelques bons et solides repères sur les étapes fondamentales qui donnent vie à son art de prédilection. Les ouvrages de la collection ‘’Repères pratiques’’ publiés chez Nathan entendent répondre à une exigence de formation générale et/ou professionnelle. Il est vrai que cet illustre éditeur a une longue tradition de savoir-faire dans ce domaine. Chaque titre de cette collection propose des références précises et actualisées régulièrement (pour ce livre sur le cinéma, il s’agit en l’occurrence de la 8^e édition), ainsi que des synthèses relativement faciles à mémoriser.

Serge Moroy

A emprunter à la bibliothèque

 Le cinéma – Repères pratiques (F.Vanoye - F. Frey – A. Goliot-Lété) – 160 pages – Dim :15 x 21 cm
- Dépôt légal : 2006 – Editeur : Nathan – ISBN : 2 09 183126-3 – Prix : 10,90 €.

Grand/Petit au cinéma, Nathalie Bourgeois

GRAND/PETIT

NATHALIE BOURGEOIS

ACTE SUD JUNIOR

LA CINEMATHEQUE FRANCAISE

 

Grand ou petit ? Tout est relatif.
Surtout au cinéma où les choses et les personnes sont rarement représentées à leur taille réelle. Quel est donc le point commun entre le Grand Canyon, un génie libéré d’une bouteille, l’œil d’un bébé hippocampe et d’un gorille géant au sommet de l’Empire State Building ? Comment raconter l’histoire d’un homme qui rétrécit ? De Microcosmos à Métropolis, le cinéma a le pouvoir vertigineux de filmer l’infiniment petit, de faire entrer le spectateur dans d’immenses panoramas, de réinventer le monde avec des maquettes, de réunir sur un même écran géants et Lilliputiens.

A peine inventé, le cinéma racontait déjà des histoires extraordinaires en modifiant les dimensions des personnages et des choses.

‘’Les éléphants sont généralement dessinés plus petits que nature, mais une puce toujours plus

grande’’

note judicieusement Jonathan Swift, l’auteur des Voyages de Gulliver. Car il y a toujours plus petit

que le grand et plus petit que le petit.

Et la vraie taille ne correspond pas toujours à celle perçue par l’œil : un grand vu de loin paraît petit

tandis qu’un petit vu de près semble très grand.

C’est similaire au cinéma où les choses et les individus projetés sur un écran ne sont presque jamais représentés en fonction de leur taille réelle. Au spectateur de la deviner ou de la déduire d’après ce qu’il sait déjà et la clef du mystère semble bien être que rien n’est petit ni grand sinon par comparaison. Les histoires extravagantes tournées avec les trucs des magiciens, les effets trompeurs des décors et des maquettes, les trucages mécaniques et optiques, ces films-là n’ont pas fini de nous enchanter. La notion de grand et de petit y cohabitent grâce aux collages et ‘’bricolages’’ que l’on peut repérer facilement si l’on y prête un peu attention. Tous ces trucages, à la technique parfois imparfaite, révèlent finalement quantité d’informations sur les savoir-faire des différentes époques et pays qui les ont conçus puis fabriqués. 

 

Ce petit livre de 72 pages, joliment illustré, révèle ainsi comment le cinéma se joue des proportions et des distances en réinventant la relativité dans des films tels (entre autres) ‘’Godzilla’’ (1954), ‘’Jason et les argonautes’’ (1963), ‘’Métropolis’’ (1927), ‘’L’homme qui rétrécit’’ (1957), ‘’King Kong’’ (1939), etc.
Y sont notamment décrits des procédés comme l’incrustation, la plongée et la contre-plongée, le cache contre cache, la perspective, l’animation image par image, la maquette comme décor, la transparence, le travelling.

L’auteur, Nathalie Bourgeois, dirige le service pédagogique de la Cinémathèque française. Celle-ci s’est associée à l’éditeur Actes Sud Junior pour lancer une nouvelle collection de livres de cinéma pour les enfants et les adolescents, dont cet ouvrage fait partie avec deux autres titres sortis également début octobre 2006 : ‘’Lanternes magiques’’ et ‘’La peur au cinéma’’.

 
Bien que l’approche soit séduisante et la démarche pédagogique louable, le résultat et le label ‘’Cinémathèque française’’ ne justifient pas selon moi le prix (qui est trop grand) de cet ouvrage destiné à sensibiliser les jeunes lecteurs au décodage de la sémantique cinématographique. Dommage, car il est plus que probable que son coût constituera un grand handicap à la soif d’apprendre des petits.(Serge Moroy)

Grand/petit au cinéma – Nathalie Bourgeois - 72 pages –
–  Acte Sud Junior / La Cinémathèque Française –
Dépôt légal : octobre 2006 – ISBN : 2-7427-6309-0 – Prix : 16 €

 

Jacques Tati, Jean Philippe Guérand

JACQUES TATI

JEAN PHILIPPE GUERAND

COLLECTION FOLIO-BIOGRAPHIES

EDITIONS GALLIMARD

"Le rire que je préconise, c’est celui qui naît de l’ observation des choses de la vie’’

(Jacques Tati interviewé par Jean Lhôte en 1980)

C’est parce qu’il savait s’inspirer de ce qu’il était assurément le seul à voir que Jacques Tatischeff, comique perfectionniste, passe des planches du music-hall d’avant-guerre au cinéma et réalise six longs-métrages qui sont autant de chefs-d’œuvre inclassables et indémodables.

Le chaînon manquant entre François le facteur de ‘’Jour de fête’’ (1947) et le monsieur Loyal de ‘’Parade’’ (1973) est certainement ce grand escogriffe qui promène sa silhouette désinvolte sur les plages des ‘’Vacances de monsieur Hulot’’ (1953) et jusque dans les entrailles labyrinthique de ‘’Playtime’’ (1967).

Monsieur Hulot est l’alter ego de son créateur. Pour autant, ‘’François le facteur n’était qu’un prénom sans patronyme, et Hulot, lui, n’est qu’un patronyme sans prénom’’ se plaira à remarquer Michel Chion dans sa biographie sur le cinéaste considéré comme l’un des dix plus grands cinéastes vivants lors du festival de Cannes de 1982. Tati, pour sa part, avait sa propre définition, plus laconique : ‘’Bien sûr, Hulot, c’est un peu moi, mais c’est aussi un peu vous’’ ; avant de nous quitter le 5 novembre de cette même année 1982, emporté par une embolie pulmonaire.

 

Cet ouvrage inédit est donc sorti à pic pour commémorer le centenaire de la naissance de Jacques Tati (né le 3 octobre 1907 au Pecq, Seine-et-Oise). Si vous êtes un Tatiphile pur jus ou si un zest de Hulot sommeille en vous, vous l’achèterez sans hésiter car ce livre est un régal tant le sujet est fouillé, riche en détails et anecdotes tant sur la vie du génial cinéaste, de ceux qui l’ont entouré (famille, amis, collaborateurs) que sur son œuvre magistrale. De plus, il fait aussi le point sur l’’après-Tati’ : la sortie (enfin !) de ‘’Jour de fêtes’’ en couleurs (11 janvier 1995), la création en 2001 des Films de Mon Oncle par Jérôme Deschamps et Macha Makeïeff pour sauver et gérer l’œuvre de Tati, la présentation de la version restaurée de ‘’Playtime’’ au festival de Cannes puis sur les écrans en 2002.

L’auteur J-P Guérand, journaliste de profession, a réalisé ici un remarquable travail d’investigation qui mérite d’être salué pour le soin apporté dans la recherche biographique et le souci de la chronologie.

Au centre du livre, sont insérées huit pages d’illustrations (dont Tati photographié à Hollywood en 1959 en compagnie de Buster Keaton et Harold Llyod). Dans les annexes, des repères chronologique, bibliographiques (sur et autour de Tati, ses textes et scénarios, les sites Internet, les expos), des références théâtro-filmographiques (spectacles, spots publicitaires, cinéma) et, en fin d’ouvrage, les indispensables renvois de notes. Bref, en deux mots, comme pour le titre du livre : j’ai aimé.

(Serge Moroy)

Jacques Tati – Par Jean-Philippe Guérand – Editions Gallimard – Collection Folio-Biographies – 418 pages – 8 pages illustrées – Dépôt légal : septembre 2007 – Format poche (4,5 x 7 cm) – ISBN : 978-2-07-033788-0 – Prix : 8,70 €.

 

 

Un concert pour 100 ans de musiques de films à Claye Souilly

En ce samedi de veille de Pâques du 22 mars 2008, à 20h30, les professeurs du conservatoire de Claye-Souilly  rendaient hommage à la BOF (Bande Originale de Film) apparue au cinéma depuis ‘’L’assassinat du Duc de Guise’’, un drame produit par Pathé en 1908 et dont la musique originale fut composée par Camille Saint-Saens.

C’est à l’espace André Malraux, salle bénéficiant d’une acoustique de qualité et située au centre ville, que s’est tenu ce concert exceptionnel qui dura le temps… d’un film (105 minutes). Les formations musicales se sont succédées sur scène pour le plus grand plaisir des 200 spectateurs présents. L’entrée du concert était gratuite. Par la qualité d’ensemble des morceaux interprétés et l’émotion qui s’en dégagea, cette initiative rencontra un vif succès, faisant honneur à la musique de film, ainsi qu’au conservatoire de Claye-Souilly. Voici les extraits musicaux des films suivants, représentatifs d’un genre ou œuvres marquantes d’un musicien, qui furent joués :

- Tous les matins du monde (Alain Corneau – 1991). ‘’Une jeune fillette’’ (anonyme du XVIe siècle) interprété par Sanaé Rodière et Kléber Besson (au théorbe).

- Huit et demi (Federico Fellini – 1963). La musique de Nino Rota exécutée par le sextuor à vents : Thierry Varest et Stéphane Baunach (clarinette), Gilles Miton et Thiphaine Bourgoin (saxophone), Jean Gobé (cor) et Xavier Lebeau (contrebasse).

- Jacquou le croquant (feuilleton ORTF de Stellio Lorenzi diffusé en 1969). Musique de Georges Delerue. Partition jouée par Kléber Besson (guitare) accompagné par ses élèves.

- Barry Lindon (Stanley Kubrick – 1975). Trio pour piano, violon et violoncelle en mi b Opus 100 de Franz Schubert. Interprétation : Cécile Chanu, Isabelle Descamps-Fralin et Mathilde Sternat.

- The Cat Concerto (W. Hanna et J. Barbera – 1947). Thomas Ballarini (percussions) et Thiphaine Bourgoin (piano) accompagnent musicalement ce dessin animé (connu en France sous le titre ‘’Tom et Jerry virtuoses du piano’’) projeté en muet sur un écran installé sur scène. Le morceau interprété est la Rhapsodie hongroise n° 2 en Do # mineur de Franz Liszt, sur un arrangement de Scott Bradley.

- Out of Africa (Sydney Pollack – 1985). Deuxième mouvement du concerto pour clarinette KV 622 de Mozart joué par T. Varest (clarinette solo), I. Descamps-Fralin et C. Varest (violon), C. Varest (alto), M. Sternat (violoncelle), G. Miton et Florence Bruno (flûte), S. Baunach (clarinette basse), Jean-Marc Philippon (trombone), Jean Gobé et Quentin Tencé (cor).

- La liste de Schindler (Steven Spielberg – 1993). La sublime musique de John Williams fut ici servie par I. Descamps-Fralin (violon), C. Varest (Alto), M. Sternat (violoncelle) et C. Chanu (piano).

- Talons aiguilles (Pedro Almodovar – 1991). L’envoûtante chanson phare du film ‘’Piensa en mi’’ fut interprétée par Delphine Verlenne, accompagnée par Yves Kéroas et Mikael Magids (guitare) et X. Lebeau (contrebasse).

- Un été 42 et Les parapluies de Cherbourg. Les compositions de Michel Legrand sont à l’honneur dans ces deux films de 1971 et 1964. ‘’The summer knows’’ et ‘’Watch happens’’ furent ainsi joués par G. Miton (saxophone), Y. Kéroas (guitare), T.Bourgouin (piano), Jean-Michel Maillot (batterie), T. Ballarini (percussions) et X. Lebeau (contrebasse).

- Bagdad Café (Percy Adlon - 1987). Qui ne connaît pas ‘’Calling you’’ ? Magistralement chanté ici par D. Verleenne, accompagnée par Y. Kéroas (guitare), M. Sternat (violoncelle), T. Bourgoin (piano), J-M Philippon (accordina) et X. Lebeau (contrebasse).

- Medley des musiques d’Aladdin (W. Disney - 1992). L’ensemble orchestral composé des professeurs et des musiciens du Claye Wind’s Band ont recréé l’ambiance trépidante, joyeuse et romantique du compositeur Alan Menken, en suivant une compilation du film projeté en muet sur écran. Une brillante prestation qui fut exécutée une deuxième fois à la demande du public.( SM )

Brou sur Chantereine, Le Vox (1962-1987) un cinéma de quartier comme tant d'autres

A 25 kilomètres à l’est de Paris, Brou-sur-Chantereine, en Seine-et-Marne, recense environ 4300 habitants. La ville vit au rythme de la cité des cheminots construite à partir de 1925, ce qui explique que le taux de propriétaires n’est ici que de 50 %. Le triage SNCF de Vaires-sur-Marne (l’un des plus grands du réseau ferroviaire français, bombardé six fois par les Alliés durant 1944) englobe l’agglomération, étendant son emprise jusqu’à Chelles, la grande ville voisine. Mais l’activité du triage s’est nettement réduite au milieu des années quatre-vingt-dix avec la baisse du fret de marchandises puis, plus récemment, l’aménagement du TGV-Est qui reliera dès juin 2007 Paris à Strasbourg en deux heures et 20 minutes.

 

En 1962, c’est dans le centre ville, au bord de la RN34 qui le traverse, qu’apparaît sur la place Gabriel Bailly l’enseigne stylisée du Vox, un cinéma d’une capacité de 550 places qui a ouvert ses portes le 15 avril à la grande joie des habitants friands de distractions. Pour raison  de sécurité, l’accès à la cabine de projection s’effectue à l’extérieur par un escalier métallique fixé sur le flanc gauche du bâtiment. A l’intérieur de celle-ci, deux projecteurs Century de la société Western Electric, acquis d’occasion par les exploitants, M. et Mme Gérard. Les spectateurs pénètrent dans un hall vitré, avant d’accéder par deux portes latérales dans une grande salle de 450 m2

. Un soir de mai 1967, j’y ai vu avec mes parents ‘’La grande vadrouille’’ qui, comme chacun sait, a connu un véritable record d’affluence en France avec un total de 17,6 millions d’entrées. La salle du Vox était comble. Je crois même ne l’avoir jamais vue aussi pleine que lors de cette soirée-là. Un moment inoubliable de communion collective sur l’autel de la joie unanime. Pourtant, M. Gérard me précise que la seule fois où il a du refuser des entrées, c’était pour la projection, un samedi soir, d’une reprise du film de Verneuil, ‘’La vache et le prisonnier’’. Un autre film très populaire sur la guerre : une façon pour les Français de s’affranchir par le rire d’une des périodes les plus sombres de leur histoire. Surtout ici, dans cette ville de cheminots qui a payé à la guerre un lourd tribut en vies civiles. Par la suite, j’y vis de nombreux films, des très bons et des nettement moins bons. Aux heures fastes du Vox, deux contrôleurs et deux placeuses étaient nécessaires. Mme Gérard était à la caisse et M. Gérard officiait en cabine de projection. Comme dans la plupart des salles de cinéma, c’était un lieu régi par des rites immuables auxquels on sacrifiait comme dans un état second : la file d’attente devant la caisse, la placeuse et sa lampe baladeuse, le cérémonial du pourboire, l’installation dans son fauteuil non sans avoir au passage écrasé quelques pieds, les pubs, les bandes annonces, l’entracte avec l’apparition spontanée des paniers d’osier regorgeant de friandises, les rideaux de velours rouges coulissant latéralement devant le grand écran qui jaunissait petit à petit au fil des ans, le cri triomphal du coq Pathé… Sans oublier l’ambiance tamisée avec cet immense plafond rouge piqueté de lumignons, ces élégantes tentures murales mordorées, les parfums suaves et mêlés des Miko glacés et du pop corn caramélisé, les incontournables caramels Dupont d’Isigny, les copains chahuteurs et, bien sûr, les filles silencieuses et convoitées dont les yeux brillaient dans la pénombre…

 

Victime d’une baisse de fréquentation avec la concurrence de trois cinémas (dont un multiplexe) implantés à Chelles (l’ABC, le Palace et le Majestic), trop grand, plus assez rentable, le Vox fermera ses portes le 31 mars 1987 mettant subitement fin à 25 années d’activité au service des Breuillois. Le dernier film programmé fut ‘’Le miraculé’’ de Jean-Pierre Mocky. Ce ne sera hélas pas le cas du Vox : après une période de négociations avec la municipalité qui souhaitait l’acquérir pour le reconvertir en salle des fêtes polyvalentes, le Vox sera vendu par ses propriétaires à une société immobilière pour 800.000 F

(121 960 €). Cette dernière le louera à un cuisiniste qui procédera à des travaux de réaménagement avant ouverture en mars 1989. C’est à ce moment que je me suis rendu compte qu’un pan de ma jeunesse s’était évanoui avec la disparition de ce modeste mais attachant cinéma de quartier. Suffit-il de se souvenir pour ressusciter le passé ?(Serge Moroy)

 

Remerciements à M. et Mme Gérard, M. Vidal (Affaires culturelles, Mairie de Brou-sur-Chantereine), M. Katz (gérant de ‘’Cuisines Plus’’ depuis 1989).

 

Mamy Scopitone, l'âge d'or du clip

 

Mamy Scopitone
 

Le 27 décembre 2007 à 21h45 était diffusé sur France 5 ‘’Mamy Scopitone, l’âge d’or du clip’’, un excellent documentaire sur Daidy Davis-Boyer réalisé en décembre 2005 par son petit-fils, Pascal Forneri (fils de Dick Rivers). 55 minutes de bonheur en compagnie d’une vieille dame (aujourd’hui âgée de 90 ans) animée d’une sacrée pêche.

Cette musique de variétés Sixties qu’elle a contribué à rendre éternelle lui aurait-t-elle transmis son éternelle jeunesse ? C’est à croire. Epouse de Roby Davis (saxophoniste de jazz), impresario de Mistinguett, Andrée Davis-Boyer (prénommée ‘’Daidy’’) se forge après guerre une réputation dans le milieu du music-hall en organisant les récitals d’Edith Piaf, Charles Trenet, Django Reinhardt, Dizzy Gillepsie, Yves Montand, Tino Rossi, Bécaud, Mouloudji, Aznavour et tant d’autres. En 1961, elle est chargée des émissions de variétés à Télé-Monte-Carlo et a l’idée de les filmer en couleurs alors que l’unique chaîne de l’ORTF diffuse uniquement en noir et blanc. Pendant ce temps, un étrange juke-box fait son apparition avec des petits films couleur restituant sur une bande magnétique couchée la musique du disque 45 tours alors en pleine vogue.

Le Scopitone était né.

Daidy décide de se lancer dans la production de ces petits clips. Elle en réalisera elle-même une centaine avant d’en produire près de 500 entre 1965 et 1974, ce qui lui vaudra de contrôler la plupart des Scopitones français… et le surnom de ‘’Mamy Scopitone’’.

Alexandre Tarta réalise les 118 premiers titres du catalogue Cameca dans les studios Eclair d’Epinay-sur-Seine. Entre-temps, la Nouvelle vague est apparue.

Claude Lelouch, jeune cinéaste de 24 ans, en fait partie. Il va réaliser 130 titres entre 1961 et 1965. A l’inverse du style statique de Tarta qui tourne principalement en studio, Lelouch joue des extérieurs et fait virevolter sa caméra. Grâce à ce rodage, il pourra mener à bien son film ‘’Un homme et une femme’’ (palme d’or à Cannes en 1966). ‘’On était dans l’action, je n’ai jamais signé aucun contrat, on me donnait l’argent en liquide’’ avouera-t-il. Il lui arrive de tourner trois titres dans la journée, pratiquement au même endroit. Ainsi, en 1963, il réalise en Camargue ‘’Pour moi la vie va commencer’’ interprété par Johnny Hallyday qui tourne dans cette région le long métrage de Noël Howard (‘’D’où viens-tu, Johnny ?’’), enchaîne avec ‘’Twist et chante’’ de Sylvie Vartan (amoureuse de Johnny, elle ne veut pas le quitter et accepte de tourner uniquement pendant son temps libre, c’est-à-dire quand Johnny tourne) et termine, en fin d’après-midi dans le port de Marseille, avec ‘’Saurais-je ?’’ de Françoise Hardy. Pour autant, les artistes ne sont pas tout à fait convaincus de l’intérêt pour leur carrière de ces petits clips tournés rapidement (en moyenne deux heures), d’une durée maximale de trois minutes ; leur réalisation nécessitant beaucoup d’improvisation, de disponibilité et un petit budget : 7000 Francs par titre toutes charges comprises (soit 1067 € actuels). ‘’La contrainte sollicitait l’imagination’’ reconnaît Lelouch et, se remémorant le tournage du Scopitone ‘’Tous les garçons et les filles’’ (1962) avec Françoise Hardy, il a subitement honte : ‘’on l’avait mise dans une grande balançoire et tout le principe était de faire se soulever les jupes des deux figurantes qui étaient derrière elle’’. Françoise Hardy n’a pas vraiment apprécié.

La touche d’érotisme est donc présente et elle est même recommandée par la production pour inciter les consommateurs dans les cafés (là où trône exclusivement l’appareil Scopitone) à glisser la pièce de 1 Franc dans la fente : on n’écoutait pas seulement une chanson, on regardait aussi une jolie fille. Après Claude Lelouch, c’est Pierre Lescure (Canal+), Dick Rivers, Enrico Macias, Carlos, Dani, Nicoletta, Gérard Rinaldi (ex-Charlot), Roger Pierre, Alain Brunet (réalisateur du tout dernier Scopitone fin 1978, ‘’Bubble-gum’’ avec Laurent Voulzy) qui interviennent pour témoigner leur reconnaissance à la vieille dame et ressusciter à coups d’anecdotes et d’extraits de Scopitones cette époque bénie. Une époque où l’on savait s’amuser. Les tournages dans la villa de Daidy, à Antibes, permettaient aussi de partager ensemble les bons moments de la vie. Une époque où tout n’était qu’insouciance, débrouillardise et où tout restait à inventer. Mais le temps des copains est fini.

La machine Scopitone s’arrête début 1979. Elle aura couvert l’histoire de la musique populaire française pendant 18 années et permis la création d’un véritable patrimoine artistique, original et finalement précieux. Grâce à lui subsiste encore la nostalgie de ces chansons qui ont accompagné les plus beaux moments de notre vie. Qui a dit que c’était kitsch ? ( Serge Moroy )

NB : les Scopitones étaient réalisés en 16 mm et disposaient d’une piste magnétique pour la lecture du son. Paradoxalement, ce sont ceux des années 70 qui sont les plus difficiles à trouver. Ceci du fait que les tirages ont ralenti car la mode a passé et la couleur est apparue à la télévision en 1971.